Pierwsze ikony na Rusi. Znani malarze ikon

Nigdzie malarstwo ikonowe nie osiągnęło takiego rozwoju jak na Rusi, nigdzie nie stworzyło tylu arcydzieł i stało się na przestrzeni wieków ulubioną formą sztuki plastycznej całego narodu.

Kult ikony (od greckiego eikon – obraz, obraz) powstał w II wieku. i rozkwitł w IV wieku; Najstarsze zachowane ikony pochodzą z VI wieku. Ikonę należy rozpatrywać nie jako obraz identyczny z Boskością, jak bożki przedchrześcijańskie, ale jako symbol umożliwiający duchową komunię z „oryginałem” (archetypem), czyli przenikanie do świata nadprzyrodzonego poprzez przedmiot świat materialny.

Ikony wykonywano początkowo techniką enkaustyki (malarstwo woskowe), następnie temperą, a w rzadkich przypadkach mozaiką, a później (głównie od XVIII w.) malarstwem olejnym. Ikona stała się szczególnie rozpowszechniona w Bizancjum; Oryginalne szkoły malarstwa ikonowego powstały w koptyjskim Egipcie i Etiopii, w krajach południowosłowiańskich i w Gruzji. Starożytna rosyjska ikona nabrała prawdziwej artystycznej jasności i oryginalności.

Na podstawie wykopalisk archeologicznych ustalono, że praca z farbami była znana na starożytnej Rusi jeszcze przed przyjęciem chrześcijaństwa. Świadczy o tym odkrycie tłuczka do wcierania farb, odkrytego podczas wykopalisk na terenie starożytnej osady Sarańsk, gdzie później założono miasto Rostów Wielki. Jednak technologia malowania i spoiwa, na które nacierano farbę, nie są jeszcze znane.

Ikona składa się z czterech do pięciu warstw, ułożonych w następującej kolejności: baza, podkład, warstwa farby, warstwa ochronna. Ikona może mieć ramę wykonaną z metalu lub innego materiału.

Pierwsza warstwa to podstawa; najczęściej jest to drewniana deska z przyklejoną do niej tkaniną zwaną pavoloką. Czasami tablica jest bez pawilonu. Bardzo rzadko podstawą prac temperą żółtkową wykonywano wyłącznie z płótna. Przyczyna tego zjawiska jest oczywista. Naszym głównym materiałem budowlanym było drewno, a nie kamień, dlatego zdecydowana większość rosyjskich kościołów (9/10) była drewniana. Swoją dekoracyjnością, łatwością umieszczenia w kościele, jasnością i trwałością barwy (szlifowanej na żółtku), ikony malowane na deskach (sosnowych i lipowych, pokrytych podkładem alabastrowym – „gesso”) doskonale nadawały się do dekoracji Rosyjskie drewniane kościoły. Nie bez powodu zauważono, że na starożytnej Rusi ikona była tą samą klasyczną formą sztuki pięknej, co płaskorzeźba w Egipcie, posąg w Helladzie i mozaika w Bizancjum.

Drugą warstwą jest gleba. Jeśli ikona jest malowana późno, łącząc temperę z farbami na innych spoiwach (głównie olejnych), a warstwy podkładu są zabarwione (zamiast tradycyjnej kredy czy tynku stosuje się pigmenty barwne), wówczas nazywa się ją „podkładem”. . Natomiast w temperze żółtkowej, która dominowała w malarstwie ikon, podłoże jest zawsze białe. Ten rodzaj gleby nazywa się gesso.

Trzecia warstwa jest kolorowa. Warstwa farby składa się z różne kolory kolejno nakładane na ziemię. Jest to najważniejsza część dzieła malarskiego, ponieważ to za pomocą farb powstaje obraz.

Czwarta to warstwa ochronna (lub kryjąca) schnącego oleju lub lakieru olejnego. Bardzo rzadko jako materiał na warstwę ochronną stosowano białko jaja kurzego (na ikonach białoruskich i ukraińskich). Obecnie - lakiery żywiczne.

Ramki na ikony wykonano osobno i przymocowano do nich gwoździami. Występują w metalu, haftowanych tkaninach, a nawet rzeźbionym drewnie, pokrytym gesso i złoceniem. Obramowywały nie całą powierzchnię malarską, lecz głównie aureole (korony), tło i pola ikony, rzadziej prawie całą jej powierzchnię z wyjątkiem wizerunków głów (twarzy), dłoni i stóp.

Przez wiele stuleci na Rusi malowano techniką tempery żółtkowej;

Tempera (od włoskiego „temperare” – mieszać farby) to malowanie farbami, w których spoiwem jest najczęściej emulsja wody i żółtka jaja, rzadziej – z kleju roślinnego lub zwierzęcego rozcieńczonego w wodzie z dodatkiem oleju lub lakier olejny. Kolor i ton prac malowanych temperą są nieporównywalnie bardziej odporne na wpływy zewnętrzne i znacznie dłużej zachowują pierwotną świeżość w porównaniu z farbami olejnymi. Technika tempery żółtkowej przybyła do Rosji z Bizancjum pod koniec X wieku wraz ze sztuką malowania ikon.

Do końca XIX wieku rosyjscy malarze ikon, mówiąc o procesie mieszania pigmentu ze spoiwem, używali określenia „pocierać farbę” lub „rozpuścić farbę”. A same farby nazwano „stworzonymi”. Od początku XX wieku zaczęto nazywać stworzonymi jedynie farby wykonane z proszków złota lub srebra zmieszanych ze spoiwem (kreowane złoto, stworzone srebro). Pozostałe farby nazywano po prostu temperą.

Ikony na Rusi pojawiły się w wyniku działalności misyjnej Kościoła bizantyjskiego w czasach, gdy znaczenie sztuka kościelna doświadczył ze szczególną siłą. Co szczególnie ważne i co stanowiło silną wewnętrzną motywację rosyjskiej sztuki kościelnej, to fakt, że Ruś przyjęła chrześcijaństwo właśnie w epoce odrodzenia życia duchowego w samym Bizancjum, w epoce jego świetności. W tym okresie nigdzie w Europie sztuka kościelna nie była tak rozwinięta jak w Bizancjum. I w tym czasie nowo nawrócona Ruś otrzymała między innymi ikony, jako przykład sztuki prawosławnej, niezrównane arcydzieło - ikonę Matki Bożej, która później otrzymała imię Włodzimierz.

Szkoła Rostów-Suzdal.

Rostów-Suzdal i Ruś Zaleska były w starożytności rozległymi krainami od Oki i Wołgi po Jezioro Białe. Ziemie te stały się drugim po Kijowie ośrodkiem rosyjskiej państwowości i kultury. W samym centrum Rusi w ciągu trzech stuleci, od X do XIII, powstały miasta Rostów Wielki, Murom, Suzdal, Włodzimierz, Biełozersk, Uglicz, Kostroma, Twer, Niżny Nowogród i Moskwa.

Ikony namalowane w Rostowie Wielkim przedstawiają go jako ośrodek, rodzaj akademii malarzy Rusi północno-wschodniej. Potwierdzają znaczenie i żywą oryginalność narodowego środkoworosyjskiego malarstwa starożytnego oraz jego ważną rolę w sztuce publicznej.

Ikony szkoły Rostów-Suzdal, nawet przy pierwszej znajomości, zadziwiają nas jasnością i czystością światła, wyrazistością surowego projektu. Charakteryzuje je szczególna harmonia rytmicznie skonstruowanej kompozycji, miękka ciepłe odcienie zabarwienie.

Najstarsza z ikon suzdalskich, Matka Boża Maksimowska, została namalowana w 1299 r. na zlecenie metropolity Maksyma w związku z przeniesieniem stolicy metropolitalnej z Kijowa do Włodzimierza. Matka Boża ukazana jest w całej okazałości z dzieckiem na rękach. Ikona posiada znaczne ubytki malarstwa starożytnego, jednak niezwykle wyrazista sylwetka i płynnie przebiegające linie rysunku świadczą o bardzo wysokim kunszcie jej twórców.

Dzieła malarstwa z XIV wieku – czasu walk z Mongołami-Tatarami – noszą cechy tamtych czasów, ich wizerunki są pełne głębokiej żałobnej mocy. Znalazły one wyraz w ikonie Matki Boskiej (XIV w.). Charakterystyczne jest, że nawet strój Matki Bożej – maforium – swoim niemal czarnym kolorem symbolizuje głębię smutku.

XV wiek słusznie uważany jest za okres rozkwitu starożytnego malarstwa rosyjskiego. Zgodnie z tradycjami szkoły rostowsko-suzdalskiej w XV wieku namalowano jedno z arcydzieł - ikonę przedstawiającą Święto wstawiennictwa. Święto to zostało wprowadzone przez Andrieja Bogolubskiego i stało się szczególnie popularne na ziemi włodzimiersko-suzdalskiej. Centralnym obrazem tego dzieła jest Matka Boża, okrywająca ludzi swoją osłoną, chroniąca ich przed krzywdą. To dzieło jest pełne spokojnej harmonii. Wrażenie to tworzy wyważona kompozycja, kolorystyka zbudowana na relacjach odcieni jasnego brązu, czerwieni i bieli.

W XV wieku szczególnie rozpowszechnione stały się ikony hagiograficzne, w których wizerunek świętego oprawiony jest w znaczki ze scenami z jego życia. Tak powstała ikona św. Mikołaja (XVI w.), świętego szczególnie popularnego na Rusi. Ikona ta uderza bogactwem subtelnych odcieni różu, jasnozielonego, jasnobrązowego, obok niebieskich i czerwonych plam na białym tle. To bogactwo kolorów nadaje ikonie świeżość i dźwięczność.

Wiek XVI, kiedy idea państwowości ugruntowała się, charakteryzował się surowymi, wysublimowanymi obrazami. W tym czasie namalowano ikonę Matki Bożej Hodegetrii (po grecku „wojownik”). Obok takich dzieł są i inne; można w nich wyczuć żywe, ludowe rozumienie obrazów i ich interpretację.

W ikonie Zwiastowania artysta wprowadza wizerunek łabędzi, który w powszechnym przekonaniu kojarzony był z wizerunkiem dziewiczej panny młodej.

Od 2. połowy XVI w. kompozycja ikon zaczęła się komplikować. Tendencja ta stopniowo się nasila, a w XVII wieku artysta stara się jak najdokładniej przekazać legendę leżącą u podstaw tego czy innego ikonicznego obrazu. Tym samym ikona „Zejście do piekła” jest nie tylko bardzo szczegółowa, ale dla większej atrakcyjności została uzupełniona napisami. W podziemiach, obok demonów uosabiających ludzki grzech, widnieją napisy: „kradzież”, „rozpusta” i „rozpacz”.

Pod koniec XVII wieku w rosyjskim malarstwie ikonowym pojawiły się cechy wskazujące na nadejście epoki malarstwa realistycznego. Artyści starają się malować ikony w sposób zbliżony do realistycznego, oddając wolumen twarzy, postaci i otoczenia. To właśnie te cechy charakteryzują ikonę Włodzimierza Matka Boga koniec XVII wieku.

Wszystkie te ikony szkoły rostowsko-suzdalskiej zadziwiają nas albo jasnością, świeżością i harmonią struktury artystycznej, albo złożonością i zabawnym charakterem narracji, otwierając nam okno w przeszłość, dając nam możliwość wejścia w kontakt z bogatym i w pewnym sensie nie do końca poznanym światem naszych przodków.

Szkoła moskiewska.

Szkoła moskiewska ukształtowała się i intensywnie rozwinęła w okresie umacniania się księstwa moskiewskiego. Malarstwo szkoły moskiewskiej w XIV wieku. stanowił syntezę lokalnych tradycji i zaawansowanych nurtów sztuki bizantyjskiej i południowosłowiańskiej (ikony „Ogniste oko Zbawiciela” i „Okrycie Zbawiciela”, 1340, Katedra Wniebowzięcia Kremla Moskiewskiego). Okres świetności szkoły moskiewskiej na przełomie XIV i XV wieku. związany z działalnością wybitnych artystów Feofana Greka, Andrieja Rublowa, Daniila Czernego. Tradycje ich sztuki rozwinęły się w ikonach i obrazach Dionizego, które przyciągają uwagę wyrafinowaniem proporcji, dekoracyjną uroczystością koloru i równowagą kompozycji.

Szkoła rostowsko-suzdalska, znana na Rusi od czasów przedmongolskich, była gruntem, na którym w XIV-XVI wieku rozwijało się i kształtowało malarstwo moskiewskie.

Istniał przez długi czas obok Rostowa-Suzdala, ale ostateczne rozwiązanie malarstwa Rostowa-Suzdala w nowym kierunku moskiewskim nie nastąpiło. Oryginalność tych pierwszych jest oczywista i nawet w XVI wieku ich dzieła pozostają wierne swoim tradycjom.

Kiedy powstała moskiewska szkoła malarstwa?

Bardzo trudno to ustalić, ponieważ początkowo sztuka Moskwy była podobna do sztuki ziemi Włodzimierza-Suzdala, tak jak historia samej Moskwy zlała się z jej historią.

Być może pochodzenie szkoły moskiewskiej można wiązać z takimi ikonami pochodzenia środkowo-rosyjskiego, jak na przykład „Borys i Gleb” z początku XIV wieku. Królewsko majestatyczni, smukli i pełni wdzięku, ci młodzi wojownicy we wspaniałych strojach, z mieczem i krzyżem w dłoniach.

Już we wczesnych ikonach moskiewskich kolory uzupełniają się, a piękno wynika z ich spójności wymiarowej, a nie kontrastów. A liniowy rytm malarstwa ikon moskiewskich jest również delikatnie, ale pewnie skoordynowany w mierzonym dźwięku, bez efektów, jakie daje na przykład zestawienie pionu z poziomem.

Na początku XV w. Moskwa zajmowała w Europie Wschodniej wyjątkową pozycję, zarówno polityczną, jak i kulturową. Księstwo moskiewskie rosło w siłę i rosło. Do Moskwy ściągali artyści z wielu krajów, dla których stała się ona jednym z największych ośrodków kulturalnych. W ten sposób Grek Teofanes, który zasłynął już w Nowogrodzie, trafił do Moskwy.

Doskonałość techniki artystyczne Feofan – dziedzictwo bardzo starożytnej kultury, która już dawno osiągnęła swój apogeum – był szczególnie ważny dla ostatecznego ukształtowania się sztuki młodej potęgi, ale już świadomej jej globalnego znaczenia.

W Moskwie, być może pod wpływem moskiewskiej tradycji malarskiej, Feofan okazywał w swoich kompozycjach mniej pasji, mniej dynamizmu, ale więcej niż w Nowogrodzie majestatycznej powagi. Świadczy o tym to, co napisał. centralne postacie Poziom Deesis ikonostasu Katedry Zwiastowania, wśród którego szczególnie atrakcyjna jest postać Maryi swoją malowniczą doskonałością. Żadne inne z jego moskiewskich dzieł nie zachowało się.

Oprócz samego Feofana pracowali nad obrazem Soboru Zwiastowania pod jego ogólnym kierownictwem: „Prochor starszy z Gorodca i mnich Andriej Rublow”.

Andriej Rublow był już za życia czczony za swoje wybitne umiejętności, ale prawdziwa sława przyszła do niego po śmierci, a nie od razu. Ale ta chwała okazała się bezdyskusyjna.

Odkrycie „Trójcy” Rublowa zrobiło oszałamiające wrażenie; wszystkich ogarnął bezgraniczny podziw: jedno z najważniejszych, najbardziej uduchowionych dzieł malarstwa światowego zostało uwolnione z więzienia, które tak długo je ukrywało.

„Trójca” posłużyła jako podstawa do odtworzenia indywidualności twórczej Andrieja Rublowa. Wyrażono nawet pomysł, że to arcydzieło Rublowa najprawdopodobniej stanowi klucz do zrozumienia piękna całego starożytnego malarstwa rosyjskiego.

Całe malarstwo Rublowa brzmi jak rozkoszna symfonia, jak liryczny werset o powszechnym, braterskim uczuciu. Ileż radości jest tu dla nas hojnie przygotowywanych za pomocą samego malarstwa, że ​​przed stworzeniem Rublowa rzeczywiście jesteśmy gotowi zgodzić się z Leonardem Da Vinci, który powiedział, że malarstwo jest królową sztuk.

Te uczucia, te radości rodzą się w kontemplacji „Trójcy” Rublowa, nawet jeśli nie wiadomo, jaka jest w istocie jej fabuła. Ikona we wspaniałych kolorach i obrazach wychwala braterstwo, jedność, pojednanie, miłość i samym swoim pięknem głosi nadzieję na triumf tych dobrych zasad.

W twórczości Rublowa starożytna rosyjska kultura malarska znalazła swój najjaśniejszy i najpełniejszy wyraz, a jego „Trójca” miała służyć jako latarnia morska dla całego późniejszego rosyjskiego malarstwa ikon, dopóki sama sztuka nie utraciła pełni. Znaczek geniuszu Rublowa widnieje na wielu dziełach sztuki, z których naród rosyjski ma prawo być dumny.

Szereg znakomitych ikon moskiewskich z pierwszych dziesięcioleci XV wieku świadczy o powszechnym rozkwicie malarstwa w epoce Rublowa. Jednym z największych mistrzów, którego nazwiska do nas nie dotarły, był autor ikony Archanioła Michała z Soboru Archanioła w Moskwie, która ze względu na swoje walory artystyczne można zaliczyć do najwyższych osiągnięć starożytnego malarstwa rosyjskiego. Co więcej, w tej ikonie triumfuje nie zasada jasnej radości czy uspokajającej szczerości, ale epickość, bohaterstwo.

Archanioł Michał nie jest tutaj cichym, zamyślonym aniołem z poetycko pochyloną głową, ale groźnie wyprostowanym młodym wojownikiem, z mieczem w dłoniach, tchnącym odwagą. Nie bez powodu uznano go za przywódcę armii niebieskiej, pogromcę szatana i patrona rosyjskich książąt. To już nie jest słodki sen o uporządkowanym świecie, ale ucieleśnienie męstwa militarnego i woli walki.

Cała kompozycja w swoim liniowym i barwnym rytmie jest dynamiczna, wszystko w niej kipi, jakby poddawano się jakiejś sile, która pojawia się w spojrzeniu skrzydlatego strażnika rosyjskiej ziemi.

...Pochodnia sztuki rosyjskiej, tak wysoko wzniesiona przez Rublowa, przechodzi pod koniec stulecia w ręce jego godnego następcy, Dionizego. Jego freski z klasztoru Ferapontow są pomnikiem starożytnej sztuki rosyjskiej. Jego kompozycje mają taką lekką elegancję, taką wysoką dekoracyjność, taki wykwintny wdzięk, taką słodką kobiecość w rytmie, w delikatnym brzmieniu, a jednocześnie taką uroczystą, ściśle wyważoną „powolność”, odpowiadającą ceremoniałowi dworskiemu moskiewskiego tamtego czasu. W tej powściągliwości i powściągliwości Dionizjusz przejawia mądrość artystyczną, docenianą już przez współczesnych. Zwroty postaci są ledwo zaznaczone, ruchy czasami zastygają w jednym geście lub nawet cieniu gestu. Ale to wystarczy, bo integralność i piękno jego kompozycji opierają się na absolutnej wewnętrznej równowadze wszystkich części. I jak słusznie twierdzi P.P. Muratow, „po Dionizjuszu starożytne malarstwo rosyjskie stworzyło wiele pięknych dzieł, ale nigdy nie przywrócono mu dionizyjskiego wymiaru i harmonii”.

Ostatnie wielkie machnięcie skrzydłami starożytnej rosyjskiej twórczości.

Szkoła Stroganowa.

Nazwa „szkoła Stroganowa” powstała w wyniku częstego używania znaku rodzinnego kupców Sołwyczegodska Stroganowa na odwrocie ikon tego ruchu, ale autorami większości dzieł szkoły Stroganowa byli moskiewscy malarze ikon królewskich, którzy realizował także zamówienia u Stroganowów – koneserów subtelnego i wyrafinowanego rzemiosła. Ikony szkoły Stroganowa charakteryzują się małe rozmiary, miniaturowe pismo, bogata, gęsta kolorystyka oparta na półtonach, wzbogacona powszechnym użyciem złota i srebra, krucha delikatność póz i gestów bohaterów, złożona fantazja tła pejzażowego.

Szkoła nowogrodzka.

Najpełniej zachowały się starożytne zabytki malarstwa nowogrodzkiego. Niektóre prace wykazują wpływy Sztuka bizantyjska, który mówi o szerokich powiązaniach artystycznych Nowogrodu. Typowym typem jest nieruchomy święty z dużymi rysami twarzy i szeroko otwartymi oczami. Na przykład „St. George”, Zbrojownia, Moskwa; dwustronna ikona z obrazami Zbawiciel nie stworzony rękami i Adoracja Krzyża, koniec XII w., Galeria Trietiakowska.

Chwała „liter nowogrodzkich” - ikon szkoły nowogrodzkiej - była tak wielka, że ​​wielu koneserów uważało za Nowogród prawie wszystkie najlepsze starożytne ikony rosyjskie, a niektórzy badacze próbowali nawet przypisać mu Rublowa i Dionizego.

Próby te nie były uzasadnione. Nie ma jednak wątpliwości, że w XV wieku szkoła nowogrodzka osiągnęła swój szczyt, „pozostawiając wszystko, co wcześniej powstało”. (I.V. Alpatow)

W malarstwie nowogrodzkim, niemal od samego początku i przez wszystkie kolejne stulecia, zasada ludowa objawia się ze szczególną siłą, ze szczególną wytrwałością. Będzie ona szeroko odzwierciedlała praktyczno-ekonomiczne podejście do funkcji i znaczeń świętych.

Ścisłe powiązanie sił boskich z siłami natury i jej dobrodziejstwami, odziedziczonymi po pogaństwie, z życiem codziennym, od dawna odcisnęło piętno na światopoglądzie starożytnej Rosji.

Malarz ikon nigdy nie malował z życia; starał się uchwycić ideę. Malarstwo nowogrodzkie charakteryzuje się szczególnie chęcią uczynienia idei niezwykle jasną, naprawdę namacalną i przystępną.

Wśród najwcześniejszych ikon nowogrodzkich, które do nas dotarły, znajdują się arcydzieła o światowym znaczeniu. Takim na przykład jest „Anioł o złotych włosach”, napisany prawdopodobnie pod koniec XII wieku. Jak wysoki czyste piękno na tym niezapomnianym obrazie!

Na ikonie nowogrodzkiej szkoły „Wniebowzięcie” (XIII w.) Niektóre postacie apostołów dosłownie szokują nas żywotną prawdą o głębokich doświadczeniach, które uchwycił w nich nieznany nam natchniony artysta. Często artysta przedstawiał go w całości prawdziwi ludzie, natomiast typowi przedstawiciele rządzącej elity nowogrodzkiej, z najwyższą siły niebiańskie. Jest to znaczące zjawisko w starożytnym malarstwie rosyjskim, bardzo charakterystyczne dla szkoły nowogrodzkiej z jej dążeniem do konkretu i prawdziwej ekspresji. Dzięki temu możemy sobie wyraźnie wyobrazić wygląd ówczesnego szlacheckiego Nowogrodu.

Ikony nowogrodzkie są bardzo emocjonalne. Tym samym w ikonach „Zaśnięcie Najświętszej Marii Panny” artysta z porażającą siłą przekazał wielki dramat śmierci, wszechogarniający ludzki smutek. Ten sam motyw znalazł swój wyraz w słynnej ikonie „Złożenie do grobu” (2. połowa XV w.).

Ikony nowogrodzkie są piękne ze względu na kontrasty kolorów. W nich każdy kolor gra osobno i każdy wzmacnia drugi we wzajemnej opozycji. Kompozycje malarstwa nowogrodzkiego, niezależnie od tego, jak bardzo są złożone - jedno-, dwu-, trzyfigurowe lub wieloprzedmiotowe, charakter narracyjny- wszystkie są proste, doskonale wpisane w płaszczyznę i spójne ze swoimi kształtami. Wszystkie elementy są rozmieszczone równomiernie i według ich ważności. Nie są ani zbyt zajęte, ani puste. Przestrzenie tła pomiędzy poszczególnymi obrazami przybierają piękne kształty, odgrywając dużą rolę w kompozycji. Postacie, góry, drzewa są często ułożone symetrycznie. W ten sposób kompozycje zostały zamknięte i otrzymały całkowite ukończenie. Jednocześnie symetrię tę przełamywały zwroty postaci, przechylenie ich głów, a także różnorodne kształty gór, platform, budynków, drzew i innych obrazów.

Inne szkoły malowania ikon.

Szkoła Wołgi.

Ikony regionu Wołgi charakteryzują się następującymi cechami: energetyczna, wyraźna struktura, mroczna, głęboko brzmiąca tonacja. Pochodzenie ikony z regionu Wołgi ujawnia szczególne upodobanie do krajobrazów wodnych. Jest ich czterech. Trzy przedstawiają bujną, ciemną wodę igrającą ze stromymi falami. Na czwartej są spokojne wody, piaszczysty brzeg, gdzie w biały dzień zdarza się cud: podróżnik z białym workiem na ramieniu wychodzi na brzeg z otwartej, ogromnej paszczy ryby. Ikona przedstawiająca św. Mikołaja z Zarajskiego z jego życiem (XVI w.).

Interesująca jest ikona „Złożenie do grobu” (koniec XV w.). Postacie bohaterów ułożone są w wyraźne, poziome rzędy, równoległe do grobowca z Ciałem Chrystusa. Jakby powtarzając te poziome linie, w tle widać półki wzgórz, rozchodzące się od środka na boki. Postać Marii Magdaleny z podniesionymi ramionami zdaje się uosabiać beznadziejność i rozpacz.

W ikonie „ Ostatnia Wieczerza„(koniec XV w.) malarz ikon oddaje dramatyczną sytuację niezwykle ekspresyjnie: zastygli w różnych pozach, z różnymi gestami rąk, apostołowie przedstawieni są wokół białego owalnego stołu. Po lewej stronie, na czele, siedzi Chrystus, któremu w wyrazistym ruchu padł apostoł zewnętrzny.

Szkoła w Jarosławiu.

Szkoła malarstwa ikon w Jarosławiu powstała na początku XVI wieku. w okresie szybkiego wzrostu liczby ludności miasta i kształtowania się klasy kupieckiej. Dotarły do ​​nas dzieła mistrzów jarosławia z początku XIII w., znane są dzieła z XIV w., a pod względem liczby zachowanych zabytków malarstwa z XVI i XVII w. Szkoła Jarosławia nie ustępuje innym starożytnym szkołom rosyjskim. Dzieła mistrzów jarosławia starannie zachowały tradycje wysokiej sztuki starożytnej Rusi aż do połowy XVIII wieku. W swej istocie ich malarstwo pozostało wierne temu wielkiemu stylowi, którego zasady ukształtowały się w czasach starożytnych i przez długi czas rozwijały się w malarstwie miniaturowym. Oprócz „drobnych” obrazów malarze ikon w Jarosławiu już w XVIII wieku. Pisali także kompozycje, w których umiłowanie wielkich mszy, surowych i lakonicznych sylwetek, jasnej i przejrzystej struktury scen na znaczkach jest wyczuwalne tak samo, jak w dziełach mistrzów XV-XVI wieku. Dzieła mistrzów jarosławia drugiej połowy XVII – początków XVIII wieku. Przez długi czas były uznawane w Rosji za przykłady dawnej sztuki narodowej. Zebrali je wielbiciele starożytne malowanie ikon- Staroobrzędowcy byli dokładnie studiowani przez artystów Palecha i Mstery, którzy kontynuowali w XIX-XX wieku. malować ikony w tradycji rosyjskiego malarstwa średniowiecznego.

Jedną z najstarszych ikon, jaka do nas dotarła, jest „Matka Boża Wielkiej Panagii”. W deseń W ikonie ważną rolę odgrywa zastosowanie złota, które nadaje obrazowi wrażenie majestatycznego piękna i nieziemskiego splendoru. Rytmiczna konstrukcja ikony wykorzystuje także działanie koloru białego, umiejętnie wykorzystanego w pisaniu twarzy.

Emocjonalna intensywność obrazu jest charakterystyczna dla ikony „Zbawiciel nie stworzony rękami” (XIII w.). Uwydatnia go bogate, wyraziste malowanie tła – tablica została zaprojektowana w jaskrawych odcieniach żółci i czerwieni w kilku odcieniach.

Szkoła w Niżnym Nowogrodzie.

Jedną z ciekawych ikon pochodzenia Niżnego Nowogrodu jest „Ogniste wejście proroka Eliasza z życiem” (XIV w.). Jest napisany szeroko i swobodnie. Sceny z życia są pełne ruchu, gesty są wyraziste. Najbogatsza różnorodność indywidualnych cech bohaterów. Twarze pomalowane są ciemnym sankirem: swobodne pisanie jasną bielą podkreśla wyrazistość kształtu twarzy i ostrość spojrzenia. Artysta skupia uwagę na najważniejszej rzeczy - stanie umysłu, impulsie, ekspresji ducha; W ikonie jest napięcie, rodzaj skupionego stanu zrozumienia prawdy i refleksji.

Ikona „Cud życia Dmitrija z Tesaloniki” (pierwsza połowa XVI wieku) została wykonana w ten sam sposób - ta sama charakterystyczna przejrzystość graficzna sylwetki i jasne, bogate kolory, które wyróżniają zabytki Niżnego Nowogrodu z XIV wieku - XVI wiek.

Szkoła Twerska.

Twerska szkoła malarstwa ikon rozwinęła się w XIII wieku. Ikony i miniatury szkoły twerskiej charakteryzują się surowością wyrazistość obrazów, napięcie i ekspresja relacji kolorystycznych, podkreślała liniowość pisma. W XV wieku nasiliła się charakterystyczna dla niej wcześniej orientacja na tradycje artystyczne krajów Półwyspu Bałkańskiego.

Skala Pskowa.

Szkoła pskowska rozwinęła się w okresie rozbicia feudalnego i osiągnęła swój szczyt w XIV-XV wieku. Charakteryzuje się zwiększoną ekspresją obrazów, ostrością refleksów świetlnych i pociągnięciami pędzla impastowego (ikony „Katedra Najświętszej Marii Panny” i „Paraskewa, Warwara i Ulyana” – obie 2. poł. XIV w., Galeria Trietiakowska). W malarstwie upadek szkoły pskowskiej rozpoczął się na przełomie XV i XVI wieku.

Malarstwo ikonowe odgrywało ważną rolę w starożytnej Rusi, gdzie stało się jedną z głównych form sztuk pięknych. Najwcześniejsze starożytne ikony rosyjskie miały, jak już wspomniano, tradycje malarstwa ikon bizantyjskiego, ale bardzo szybko na Rusi powstały własne, charakterystyczne ośrodki i szkoły malowania ikon: Moskwa, Psków, Nowogród, Twer, księstwa środkowo-rosyjskie, „litery północne ”, itp. Pojawili się także ich własni rosyjscy święci i własne rosyjskie święta (Ochrona Najświętszej Maryi Panny itp.), Co wyraźnie znajduje odzwierciedlenie w malarstwie ikon.

Artystyczny język ikony od dawna jest zrozumiały dla każdego na Rusi. Ikona była księgą dla niepiśmiennych. Samo słowo „ikona” przetłumaczone z języka greckiego oznaczało obraz, obraz. Najczęściej odwoływali się do wizerunków Chrystusa, Matki Bożej i świętych, a także przedstawiali wydarzenia uważane za święte.

A jednak nawet w tym stanie malowniczy zespół Zofii Kijowskiej zadziwia wielkością i jednością projektu, ucieleśniającego świat idei średniowiecznego człowieka. Wygląd świętych na mozaikach Zofii Kijowskiej jest zbliżony do kanonu wypracowanego w malarstwie bizantyjskim: wydłużona owalna twarz, prosty długi nos, małe usta z wąską górną i pulchną dolną wargą, ogromne, szerokie Otwórz oczy, surowy, często surowy wyraz. Jednak niektórzy święci, a zwłaszcza święci w absydzie, sprawiają wrażenie portretów. W ogóle, pomimo niepełnego zachowania, ranga świętego z echami portretu hellenistycznego na twarzach, z wyraźną konstruktywnością form i wyrafinowaniem kolorów, jest jedną z najbardziej mocne części zespół dekoracyjny.

Wiele dzieł malarstwa sztalugowego powstało w XI wieku. Paterikon kijowsko-peczerski zachował nawet imię słynnego rosyjskiego malarza ikon z XI - początku XII wieku. Peczerski mnich Alimpij, który studiował u greckich mistrzów. Współcześni mówili o mnichu-malarzu, że „był bardzo sprytny w malowaniu ikon”, malowanie ikon było głównym środkiem jego istnienia. Ale to, co zarobił, wydawał w bardzo wyjątkowy sposób: z jednej części kupił wszystko, co było potrzebne do jego rzemiosła, drugą rozdał biednym, a trzecią część przekazał na rzecz Klasztor Peczerski. Większość dzieł z tego okresu do nas nie dotarła.

Ikony mistrzów Włodzimierza-Suzdala z XII wieku. stały się znane w ostatnich latach po ich zatwierdzeniu przez Centralne Państwowe Warsztaty Restauracyjne. Niektóre ikony nadal bardzo przypominają stylem zabytki kijowskie z XI wieku. Do takich ikon zalicza się rozciągnięta poziomo ikona z wizerunkiem „Deesis” z moskiewskiej katedry Wniebowzięcia w kształcie ramienia (Chrystusa, Matki Bożej i Jana Chrzciciela). Z kijowskimi tradycjami artystycznymi związana jest także słynna Jarosław Oranta, która przybyła do Jarosławia z Rostowa. Monumentalna, majestatyczna postać oranty w proporcjach przypomina postacie z kijowskich mozaik. Przywieziona z miasta Dmitrowa monumentalna, uroczysta ikona Dmitrija z Tesaloniki (z XII w.) swoją idealną poprawnością, symetrią i „rzeźbiarskim” modelowaniem bardzo jasnej twarzy przypomina orantę jarosławską. Najwyraźniej ikona Jerzego z końca XII do początków XIV wieku również należy do szkoły Włodzimierza-Suzdala. Artysta stworzył tu także wizerunek wojownika, tyle że młodszego, o pięknej, wyrazistej twarzy. Aby uzyskać więcej pełna charakterystyka przedmongolskie malarstwo Władimira-Suzdala należy skupić się na jednej ikonie końca XII wieku, znacznie różniącej się od wszystkich poprzednich. Jest to ikona Matki Bożej Białozerskiej, będąca swego rodzaju przeróbką typu Matki Bożej Włodzimierskiej. Ikona, stworzona na północnych obrzeżach ziemi włodzimiersko-suzdalskiej przez artystę ludowego, wyróżnia się monumentalnością i głęboko emocjonalną interpretacją wizerunku pogrążonej w żałobie matki. Szczególnie wyrazisty jest wyraz wielkich oczu wpatrzonych w widza i boleśnie wykrzywionych ust. Na obrazie Chrystusa – młodzieńca, o brzydkiej twarzy, dużym czole, cienkiej szyi i długich nogach, obnażonych do kolan, widać cechy obserwacji życia, ostro uchwycone detale. Cały obraz jako całość wyróżnia się płaskością i kanciastością wzoru. Ikona wykonana jest na srebrnym tle w powściągliwej i ponurej palecie. Na jego niebieskich polach znajdują się medaliony z sięgającymi do piersi wizerunkami świętych o rosyjskich twarzach, zapisanymi w szerszym obrazowym stylu na różowym i niebieskim tle.

W związku z rozbiciem księstwa Włodzimierza-Suzdala na szereg małych księstw, w głównych miastach tych księstw zaczęły powstawać lokalne szkoły, częściowo kontynuując tradycje malarstwa Włodzimierza-Suzdala (Jarosław, Kostroma, Moskwa, Rostów, Suzdal itp.).

Mówiąc o procesie tworzenia ikony, należy zwrócić uwagę na dużą złożoność i subtelność dzieła. Na początek umiejętnie dobrano deskę (najczęściej lipową), na powierzchnię której nałożono gorący klej rybny (przygotowany z bąbelków i chrząstki jesiotra) i szczelnie przyklejono nowy płócienny słup. Na zasłonę nakładano w kilku etapach gesso (podstawę do malowania), przygotowane z rozdrobnionej kredy, wody i kleju rybnego. Gesso wysuszono i wypolerowano. Starorosyjscy malarze ikon używali naturalnych barwników - lokalnych miękkich glin i twardych kamieni szlachetnych sprowadzonych z Uralu, Indii, Bizancjum i innych miejsc. Do przygotowania farb kamienie kruszy się na proszek, dodaje się spoiwo, najczęściej żółtko, a także gumę (rozpuszczalna w wodzie żywica akacjowa, śliwkowa, wiśniowa, śliwkowa wiśniowa). Malarze ikon gotowali schnący olej z oleju lnianego lub makowego, którym pokrywali malowanie ikon.

Niestety, starożytne ikony dotarły do ​​nas w znacznym stopniu zmienione. Oryginalne piękne malowidło przykryte zostało warstwą wysychającego oleju, przyciemnioną przez czas, którą w średniowieczu pokrywano gotową ikonę, a także kilkoma warstwami późniejszych renowacji ikony.

Wśród najwcześniejszych ikon nowogrodzkich, które do nas dotarły, znajdują się arcydzieła o światowym znaczeniu. Takim na przykład jest „Złotowłosy anioł”, napisany prawdopodobnie pod koniec XII wieku. Najprawdopodobniej jest to fragment zamówienia Deesis. Głęboka duchowość smutnej twarzy o wielkich oczach sprawia, że ​​wizerunek ikony jest urzekająco piękny. Cóż za wysokie, czyste piękno w tym niezapomnianym obrazie! Pieczęć Bizancjum jest nadal wyraźna, a w pięknej owalnej twarzy z delikatnym rumieńcem pod falowanymi włosami, obszytymi złotymi nitkami, błyszczy coś iście helleńskiego. Ale smutek w oczach, tak promienny i głęboki, cała ta słodka świeżość, całe to ekscytujące piękno, czyż nie jest już odbiciem rosyjskiej duszy, gotowej urzeczywistnić swój szczególny los poprzez swoje tragiczne próby?

Cechy tradycji artystycznej Kijowa zachowały się do dziś w wielu ikonach z XII i początków XIII wieku, pochodzących głównie z Nowogrodu. To „Zbawiciel nie stworzony rękami” (twarz Chrystusa przedstawiona na tablicy) z katedry Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim (XII wiek). Ikona ta cieszyła się szczególną czcią w Nowogrodzie i była obrazem uwielbionym. Świadczy o tym jeden z rękopisów nowogrodzkich z XIII wieku (prolog Zacharyjewskiego). Surowa twarz Chrystusa z wielkimi oczami jest pomalowana na oliwkowo-żółte odcienie. Jej powściągliwość ożywiają rumieńce na policzkach, a także czole i konturze nosa, jej różnie wygięte brwi nadają twarz Chrystusa

Szczególna wyrazistość, podobnie jak asymetria i krzywizna linii, nadają nowogrodzkim kościołom szczególną plastyczną ekspresję.

Głównym, centralnym obrazem całej starożytnej sztuki rosyjskiej jest wizerunek Jezusa Chrystusa Zbawiciela, jak go nazywano na Rusi. Zbawiciel (Zbawiciel) - to słowo absolutnie trafnie wyraża ideę religii chrześcijańskiej na jego temat. Uczy, że Jezus Chrystus jest Człowiekiem, a zarazem Bogiem i Synem Bożym, który przyniósł rodzajowi ludzkiemu zbawienie.

Tradycyjnie na dowolnym jego wizerunku umieszczano po obu stronach głowy IC XC – słowne określenie jego osobowości, skrót jego imienia – Jezus Chrystus („Chrystus” po grecku – Namaszczony, Wysłannik Boży). Również tradycyjnie głowy Zbawiciela otoczone są aureolą – kołem, najczęściej złotym – symbolicznym obrazem emanującego z niego światła, światła wiecznego, dlatego przybiera ono okrągły, niemający początku kształt. Ta aureola, na pamiątkę ofiary, jaką złożył za ludzi na krzyżu, jest zawsze wyłożona krzyżem.

Bardzo ważnym i rozpowszechnionym typem przedstawienia Zbawiciela w starożytnej sztuce rosyjskiej był typ zwany „Zbawicielem Wszechmogącym”. Pojęcie „Wszechmogącego” wyraża podstawową ideę chrześcijańskiej doktryny o Jezusie Chrystusie. „Zbawiciel Wszechmogący” to półpostaciowy wizerunek Jezusa Chrystusa trzymającego w lewej ręce Ewangelię – znak nauczania, które przyniósł światu – oraz prawa ręka, prawą rękę uniesioną w geście błogosławieństwa skierowanym do tego świata. Ale nie tylko te ważne atrybuty semantyczne łączą obrazy Wszechmogącego Zbawiciela. Artyści, którzy je stworzyli, starali się szczególnie kompleksowo nadać obrazowi Jezusa Chrystusa boską moc i wielkość.

Mozaikowy obraz Zbawiciela Pantokratora dotarł do nas w kopule jednego z najstarszych kościołów – katedry Hagia Sophia w Kijowie (1043-1046).

Z tymi samymi atrybutami Pana świata, co Wszechmogący Zbawiciel, z Ewangelią w lewej ręce i prawą ręką wzniesioną w błogosławieństwie, Jezus Chrystus został ukazany także w popularnych kompozycjach „Zbawiciel na tronie”. O jego władzy królewskiej świadczyło tu samo zasiadanie na tronie (tronie). Na tych obrazach było szczególnie jasne, że Pan świata jest także jego sędzią, gdyż „zasiadając na tronie”, Zbawiciel dokona swego ostatecznego sądu nad ludźmi i światem.

Łukasz, Teofan Grek, Andriej Rublow, Alipij Peczerski.

Kiedy namalowano pierwszą ikonę? Kto był pierwszym malarzem ikon? Jaka była pierwsza ikona? Z jakiego materiału został wykonany? Na wszystkie te pytania nie ma dokładnej odpowiedzi i najprawdopodobniej nigdy nie będzie. Istnieją tylko hipotezy, które przychodzą do nas od niepamiętnych czasów, ale wcale niczego nie dowodzą. Tak się złożyło, że historia uważa za pierwszego twórcę ikony apostoła Łukasza, który stworzył obraz Matki Bożej w czasie ziemskiego życia Jezusa Chrystusa.

Słowo ikona pochodzi ze starożytnej Hellady i oznacza wizerunek tego, który jest na niej przedstawiony. Ikona to wizerunek świętego, do którego skierowana jest modlitwa wierzącego, gdyż głównym zadaniem ikony jest przypominanie o modlitwie, pomaganie w jej realizowaniu duszą i ciałem oraz bycie przewodnikiem między modlącym się a obrazem Świętego. Duchowe oczy wierzącego są tak nierozwinięte, że może on kontemplować świat niebieski i ludzi w nim żyjących jedynie fizycznymi oczami. Dopiero po wystarczającym przebyciu ścieżki duchowej jego oczom mogą ujawnić się wizje niebiańskich mocy. A w historii jest wiele faktów, kiedy sami święci pojawiali się ascetom, jak w rzeczywistości.

Modlitwa jest szczerą rozmową z Panem, która zawsze pomaga, ale pomoc ta może nadejść natychmiast lub po wielu latach. Jednak zawsze i wszędzie modlitwa przed wizerunkiem na ikonie pomaga wierzącemu zrozumieć odnajdywanie prawdy w stanie łaski, którego doświadcza w trakcie i po modlitwie. Po szczerych modlitwach przychodzi wgląd, a w życiu człowieka pojawia się pokój i harmonia.

W nowoczesne społeczeństwo Wielu uważa ikony za przedmioty luksusowe; zbiera się je i wystawia na wystawach w celu publicznego oglądania. Ale ikona to nie tylko rzecz piękna i cenna. Dla prawdziwego chrześcijanina jest odzwierciedleniem jego wewnętrznego świata – świata duszy. Dlatego w codziennych zmartwieniach czy w złości wystarczy jedno spojrzenie na ikonę, aby przypomnieć sobie Pana.

Od czasu pojawienia się chrześcijaństwa do dnia dzisiejszego wielu wierzących próbowało tworzyć ikony. Niektórym to wyszło lepiej, innym mniej, ale ludzkość cały czas zachwyca się pięknem różnych ikon, ich cudowną i uzdrawiającą mocą. W historii ludzkości, w inny czas a w różnych stuleciach żyli i pracowali mistrzowie malarstwa ikon, tworząc unikalne ikony, duchowe obrazy, które są perłami duchowego i historycznego dziedzictwa. W tym artykule omówiono niektórych znanych malarzy ikon różne krajeświata, o ich ogromnym wkładzie w historię malowania ikon, a co za tym idzie, w duchowe dziedzictwo ludzi.

Ewangelista i malarz ikon Łukasz (I wiek)

Łukasz – według legendy jako pierwszy namalował ikonę. Według legendy była to ikona Matki Bożej, po której malarz ikon stworzył ikonę Świętych Apostołów Piotra i Pawła. Przyszły ewangelista i malarz ikon urodził się w szlacheckiej rodzinie greckich pogan. Pismo Święte podaje, że Łukasz dożył sędziwego wieku. W czasie ziemskiego życia Jezusa Chrystusa był on w jego bliskim otoczeniu, był naocznym świadkiem śmierci Pana na krzyżu, a kiedy Chrystus ukazał mu się w drodze do wsi Emaus, jako jeden z pierwszych był świadkiem Święte Zmartwychwstanie Pańskie. Ziemskie życie Łukasza było pełne podróży, dużo wędrował po świecie i wszędzie głosił ludziom słowo Boże i przykazania Chrystusa. Z błogosławieństwem Pana napisał książkę „Dzieje Apostolskie”. Uważa się, że zachowane do dziś ikony Matki Bożej „Włodzimierz”, „Smoleńsk” i „Tichwin” należą do pędzla św. Łukasza, ale na ten moment nie ma na to dowodów, a jedynie spekulacje i hipotezy, gdyż w czasach starożytnych na ikonach nie umieszczano znaków i podpisów potwierdzających autorstwo. Ale na temat ikony „Włodzimierza” istnieją inne opinie znanych teologów i specjalistów od malowania ikon. Po pierwsze, fakt, że ikona ta jest dziełem ewangelisty Łukasza, jest stwierdzony w Piśmie Świętym, a po drugie, na wielu starożytnych ikonach ewangelista Łukasz jest przedstawiony malujący obraz Matki Bożej, co zdaniem ekspertów jest bardzo podobny do wizerunku Matki Boskiej na ikonie „Włodzimierz”. Ten duchowy obraz jest niezwykły, naturalny i niepowtarzalny, a także ma cudowne właściwości. Dlatego wkładu w dzieło malowania ikon św. Łukasza nie da się wyrazić słowami. Jego dzieło jest bezcenne także dlatego, że to właśnie apostoł Łukasz jako pierwszy uchwycił i utrwalił na wszystkie wieki obraz Matki Bożej, aby potomkowie modlili się do duchowego obrazu i otrzymali pomoc. Święty Ewangelista Łukasz jest patronem malarzy ikon, dlatego słuszne było, aby zaczął tworzyć nową ikonę.

Alypiy z Peczerska (data urodzenia - nieznana, data przedstawienia Panu - 1114)

Na przełomie XI i XII wieku żył i tworzył swoje wspaniałe ikony mnich Alipiusz z Peczerska. Imię otrzymał od imienia Ławry Kijowsko-Peczerskiej, gdzie od najmłodszych lat prowadził życie monastyczne w ścisły post i modlitwy. Czcigodny Alypius słusznie uważany jest za pierwszego malarza ikon w Rus Kijowska, jego talent twórczy dał impuls do rozwoju malarstwa ikonowego w prawosławiu. Alypius uczył się rzemiosła malowania ikon od mistrzów z dalekiej Grecji, którzy wówczas malowali Ławra Peczerska. Pewnego dnia mnich Alipiusz miał wizję, dlatego podczas malowania Ławry, które obserwował, na ołtarzu świątyni wyraźnie ukazano obraz Matki Bożej. Alipiusz przyjął ten cudowny cud jako znak do malowania ikon.

Według tradycji kościelnej malowanie ikon było dla mnicha Alipiusza łatwe, ikony powstawały jakby same, jednak aby były niepowtarzalne, Alipiusz poświęcił dużo czasu i pilnie je malował. Stworzył kilka ikon Pana i Matki Bożej. Unikalna ikona „Presta Caryca” również należy do dzieła Alypiusa; obecnie znajduje się w kościele Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim, co już wiele mówi. Co czyni dzieło św. Alipiusza z Peczerska wyjątkowym i bezcennym? Jak się okazało, ikony, które święty tworzył przez całe życie, mają cudowny i uzdrawiająca moc. Nie starzeją się, materiał, z którego są wykonane, nie ulega zniszczeniu, a poza tym wizerunki na ikonach zawsze pozostają wyraźne. W czasach bolszewików, kiedy niszczono i palono kościoły, ikony stworzone przez Alypija z Peczerska zawsze pozostawały nienaruszone. Wielu teologów uważa, że ​​ikony mają taką wyjątkowość i cudowną moc, ponieważ gdy mnich Alipiusz nad nimi pracował, zawsze czytał modlitwę, która z pewnością mówi o świętości mistrza malarza ikon i jego dzieł. Wkład Alipiusza z Peczerska w historię malowania ikon jest wyjątkowy; jego ikony znajdują się w wielu kościołach i klasztorach na całym świecie. Po spoczynku Pana został kanonizowany, a po dwóch stuleciach nieznany mistrz stworzył ikonę „Wielebny Alypius Ikonograf z Peczerska”, na której przedstawiony jest mnich z pędzlem w dłoniach i ikoną, potwierdzając, że był i na zawsze pozostał utalentowanym malarzem ikon.

Teofan Grek (ok. 1340-1410)

Jednym z najbardziej znanych i utalentowanych malarzy ikon XIV wieku jest z pewnością Grek Teofanes. Urodzony około 1340 roku w Cesarstwie Bizantyjskim. Dużo podróżował i przez długi czas dookoła świata, odwiedził Konstantynopol, Caffę, Galatę, Chalcedon, gdzie malował świątynie i, jak mówią teolodzy, klasztory klasztorne. Uważa się, że w tym czasie Grek Teofan namalował ponad 40 kościołów, chociaż nie ma na to dowodów; wszystkie freski i obrazy stworzone przez wielkiego mistrza niestety nie zachowały się. Sława, chwała i wdzięczność jego potomków przyszły do ​​​​malarza ikon Feofana po przybyciu do Rosji. W 1370 przybył do Nowogrodu, gdzie od razu rozpoczął pracę w kościele Przemienienia Pańskiego. W tym czasie Grek Teofanes wykonał ogromną pracę polegającą na malowaniu świątyni, która przetrwała do dziś. Najlepiej ocalał sięgający do klatki piersiowej wizerunek Zbawiciela Pantokratora w centralnej kopule, a także freski w północno-zachodniej stronie świątyni. Każdy może zobaczyć ten wyjątkowy obraz i docenić talent artysty. Ponadto w Rosji można zobaczyć obrazy Greka Teofanesa w kościołach Moskwy i innych miast, gdzie przedstawiał on wielu świętych, o których mowa w Piśmie Świętym.

Jednak za główne i wyjątkowe dzieło Greka Teofanesa słusznie uważa się ikony, które tworzył przez całe życie. Ikony Matki Bożej „Donskaya”, „Przemienienie Pana Jezusa Chrystusa na górze Tabor”, do dziś cieszą odwiedzających Galerię Trietiakowską, ponieważ są tam przechowywane przez wiele lat. Grek Feofan - wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa ikonowego, zarówno w Rosji, jak i w innych krajach, ponieważ jego ikony są fascynujące, są pięknie zaprojektowane i wyróżniają się ciepłem. Ikony namalowane przez Feofana są wyjątkowe, ponieważ zostały stworzone w specjalnym stylu, znanym tylko mistrzowi, który je stworzył. Pędzlom Greka Teofanesa przypisuje się stworzenie dwustronnej ikony „Matki Bożej Don”, której druga strona przedstawia Wniebowzięcie Najświętszej Marii Panny. Do wielkiego bizantyjskiego malarza ikon należy również obraz kościoła Michała Archanioła w Perejasławiu-Zaleskim. Już na starość brał czynny udział w malowaniu Soboru Zwiastowania na Kremlu moskiewskim. Tutaj współpracował z wielkim rosyjskim artystą - malarzem ikon Andriejem Rublowem i pewnym starszym Prochorem, który niestety był znany niewielu osobom jako malarz ikon. Nie wiadomo gdzie i kiedy zmarł Grek Teofanes, przypuszczalnie jego dusza poszła do Pana – około 1410 roku.

Andriej Rublow (około 1360 - 1430)

Życie i twórczość wielkiego rosyjskiego artysty to cała epoka, a może nawet era w historii rosyjskiego malarstwa ikon, kiedy odrodziła się moralność i wiara w wzniosłe ideały. Być może żaden z rosyjskich malarzy ikon nie zrobił tyle, co Andriej Rublow w malarstwie ikon. Jego prace ukazują wielkość i głębię rosyjskiego malarstwa ikonowego, a także świadczą o odrodzeniu wiary w człowieka i zdolności do poświęcenia. Niestety, prawdziwe nazwisko malarza ikon nie jest znane; na cześć tonsury, gdy wielki przyszły mistrz został mnichem, otrzymał imię Andriej Rublow. Najprawdopodobniej Pan duchowo pobłogosławił go malowaniem ikon, ponieważ to dzięki swemu monastycznemu imieniu on, Andriej Rublow, stał się znany całemu światu. Ikony tego mistrza są niezwykłe, zawierają piękno i wielkość, wyrazistość i blask, jasność i tajemnicę, wdzięk i elegancję oraz, oczywiście, uzdrawiającą i cudowną moc, głęboką łaskę.

Nie ma sensu wymieniać wszystkich ikon stworzonych przez mistrza, wszyscy je znają, ale warto zwrócić uwagę na ikony Narodzenia Chrystusa, Spotkania, Wskrzeszenia Łazarza i Trójcy Starotestamentowej. Te ikony są niezwykłe. Mają blask, nieodpartą estetykę i artystyczny urok. Ale Andriej Rublow słynie nie tylko z malowania ikon. Wraz z bizantyjskim mistrzem Teofanem Grekiem rosyjski malarz ikon malował kościoły i klasztory. Freski stworzone rękami Andrieja Rublowa są wyjątkowe i różnią się od fresków wielu innych mistrzów niezwykłym i niepowtarzalnym sposobem ich zastosowania. W początek XIX wieku w klasztorze Zvenigorod Savvino-Storozhevsky podczas renowacji zupełnie przypadkowo znaleziono trzy ikony - „Zbawiciel”; „Archanioł Michał” i „Apostoł Paweł”. Po wielu badaniach eksperci doszli do wniosku, że ich autorem był Andriej Rublow. Styl pisma i harmonia kolorów stały się tego niepodważalnym dowodem. Całkiem przypadkowo, ale zasłużenie, do ogromnej listy ikon stworzonych przez Andrieja Rublowa dodano trzy kolejne. Dzięki Bogu ikony namalowane przez mnicha malarza ikon Andrieja Rublowa przetrwały do ​​dziś i zachwycają nas swoim urokiem, harmonią i cudowną mocą, i nie jest to zaskakujące, ponieważ zgodnie z wierzeniami kościelnymi aniołowie pomogli Andriejowi Rublowowi w tworzeniu ikon .

Stworzenie ikony nie jest zadaniem łatwym i nie każdy jest w stanie to zrobić. Wielcy mistrzowie malarstwa ikon stworzyli dzieła, które mogły poruszyć duszę każdego. Moc tych mistrzów jest mocą i łaską Pana objawioną w naszym świecie. Aby stać się przewodnikiem Woli i łaski Pana, musisz być czysty w myślach i uczuciach. Wyczyny duchowe, głęboka, ciągła walka wewnętrzna, pokora, przestrzeganie przykazań i zasad Kościoła – to filary, na których opiera się sprawiedliwość człowieka. Ta prawość pozwala nam przekazać na ikonach Jego niebiański obraz i światło, nie zniekształcając ani nie wprowadzając do nich czegoś obcego, nie zaciemniając ich ani nie przyćmiewając.

Jeść słynny przypadek kiedy Matka Matrona poprosiła pewnego malarza ikon o namalowanie ikony „Odrodzenie umarłych”. Zaczął i minęło dużo czasu, zanim w końcu skończył. Malarz ikon chwilami popadał w rozpacz i mówił, że nie może ich dokończyć. Jednakże zgodnie ze wskazówkami Matrony poszedł pokutować, a gdy znowu to nie zadziałało, ponownie poszedł pokutować, aż do całkowitego oczyszczenia. Dopiero potem jego praca przyniosła rezultaty.

Dzieła współczesnych malarzy ikon są nie mniej niesamowite i niepowtarzalne; są znane we wszystkich krajach świata. I pomimo tego, że w innych krajach różne przekonania, dzieła naszych malarzy ikon są cenione jak dzieła sztuki artystyczne, jako standardy kompletności, harmonii, przenikliwej głębi wiedzy, jako umiejętność przekazania w swoich dziełach tego, co „nieopisane”.

Ikonografia. Rosyjska ikona.

Ikonografia- jeden z uznanych szczytów sztuki światowej, największe duchowe dziedzictwo naszego ludu. Zainteresowanie nią jest ogromne, podobnie jak trudności w jej dostrzeżeniu dla nas.
Ikona rosyjska swoją niezwykłością i tajemniczością nieustannie przyciąga i nadal przyciąga największą uwagę krytyków sztuki, artystów i po prostu miłośników sztuki. Wynika to z faktu, że starożytne rosyjskie malowanie ikon jest zjawiskiem osobliwym, niepowtarzalnym. Ma wielką wartość estetyczną i duchową. I choć obecnie ukazuje się mnóstwo literatury specjalistycznej, nieprzygotowanemu widzowi bardzo trudno jest rozszyfrować zakodowane znaczenie ikony. Aby to zrobić, wymagane jest pewne przygotowanie.
Ikony mamy prawie w każdym domu, ale czy mieszkańcy znają historię pojawiania się ikon w domu, znaczenie kolorów, nazwy ikon, historię ikony Matki Bożej?
Okazuje się, że według legendy pierwszy wizerunek Chrystusa pojawił się w VI wieku. Nazywa się to obrazem nie stworzonym rękami, ponieważ. powstało w wyniku kontaktu tkaniny (ręcznika, szalika) z twarzą Chrystusa. W legendach z VI wieku. Mówi się, że Abgar, król miasta Edessy, cierpiący na trąd, wysłał swego sługę do Chrystusa z prośbą, aby albo przybył do Edessy i uzdrowił go, albo pozwolił mu namalować swój portret. W odpowiedzi na tę prośbę Chrystus umył twarz, przyłożył do niej ręcznik i w cudowny sposób twarz została odciśnięta na płótnie. Otrzymawszy cudowny portret Chrystusa, Abgar wyzdrowiał, po czym przymocował go do tablicy i umieścił nad bramami miasta Edessy. W 944 Cudowny Obraz został przeniesiony do Konstantynopola. Po klęsce Konstantynopola przez krzyżowców w 1204 roku Obraz zniknął.
Główne obrazy Sztuka chrześcijańska Były wizerunki Chrystusa, były one przedstawiane na ścianach kościołów i na ikonach. Najliczniej reprezentowane były ikony Matki Bożej.
Nie każdy artysta potrafił malować ikony. Nie tylko wymagane jest nad nim błogosławieństwo, ale nad artystą zostaje odczytana specjalna modlitwa, wzywająca Boga do pomocy w malowaniu ikon i obrazów duchowych. Kiedy maluje się ikony, nie maluje się ich z papierosem w zębach, ale z modlitwą na ustach. Osoba chcąca malować ikony musi być pokorna. Na Athos mnisi malowali ikony z taką pokorą i czcią, że ikony natychmiast stały się cudowne, nawet bez konsekracji. Tylko ten, kto jest prawosławnym chrześcijaninem, który stale chodzi na nabożeństwa, spowiada się, przystępuje do komunii i pości, ma prawo malować ikony. Ikonę możesz namalować tylko podczas postu! Malarz ikon musi mieć czystą duszę, a wtedy obraz na ikonie będzie czysty. A jeśli ktoś jest martwy w duszy, to niezależnie od tego, jak bardzo jest profesjonalny, namaluje martwą ikonę.
W XVI-XVII w. w katedrze stoglawskiej (1551) i na soborach w latach 1667-1674 zatwierdzono kanon ikonograficzny. Rosyjskie „legalizacje” rygorystycznie przewidywały, że malowanie ikon powinni mieć tylko dobrzy ludzie, którzy wierzą w Boga. Za przykłady kanonu ikonograficznego na Rusi wzięto ikony Andrieja Rublowa, Dionizego i Szymona Uszakowa.

Przygotowanie planszy pod ikonę.

Podstawą każdej ikony jest z reguły drewniana deska. W Rosji najczęściej wykorzystywano do tych celów lipę, klon, świerk i sosnę. Wybór gatunku drewna w różnych regionach kraju był podyktowany lokalnymi warunkami. I tak na północy (Psków, Jarosław) używano desek sosnowych, na Syberii desek sosnowych i modrzewiowych, a moskiewscy malarze ikon używali desek lipowych lub importowanych cyprysów. Oczywiście, było to lepsze deski lipowe. Lipa jest drewnem miękkim i łatwym w obróbce. Nie posiada wyraźnej struktury, co zmniejsza ryzyko pękania płyty przygotowanej do obróbki. Podstawę ikon wykonano z suchego, sezonowanego drewna. Poszczególne części deski sklejono ze sobą klejem do drewna. Sęki znalezione w desce zwykle wycinano, gdyż zaprawa w tych miejscach pękała podczas suszenia. W miejscu wyciętych sęków wklejono wstawki.
Do drugiej połowy XVII wieku w przedniej części deski wybierano niewielkie wgłębienie, które nazywano „arką” lub „korytem”, a półkę utworzoną przez arkę nazywano „łuską”. Już od drugiej połowy XVII wieku deski z reguły wykonywano bez arki, z płaska powierzchnia, ale jednocześnie zaczęto zamalowywać pola otaczające obraz. W XVII wieku ikona utraciła także swoje kolorowe pola. Zaczęto je wstawiać w metalowe ramy, a w ikonostasach oprawiano je w ramę w stylu barokowym.
Aby przygotować deskę do podłoża („gesso”), rzemieślnicy używali kleju zwierzęcego, żelatyny lub kleju rybnego. Najlepszy klej rybny otrzymywano z pęcherzy ryb chrzęstnych: bieługi, jesiotra i sterleta. Dobry klej rybny ma dużą siłę ściągającą i elastyczność.
Na starannie obrobioną i sklejoną płytę naklejono warstwę tkaniny (pavolok). Do tych celów wykorzystano tkaninę z włókna lnianego i konopnego oraz trwały rodzaj gazy. Aby przygotować tkaninę do klejenia, najpierw moczono ją w zimnej wodzie, a następnie gotowano we wrzącej wodzie. Na sklejoną powierzchnię płyty nałożono Pavolok, wstępnie zaimpregnowany klejem. Następnie, po dokładnym wysuszeniu pavoloka, zaczęto nakładać gesso.

GLEBY, ICH SKŁAD I WŁAŚCIWOŚCI

Wiadomo, że nawet 4 tysiące lat p.n.e. mi. Starożytni Egipcjanie, chcąc zapewnić zmarłym faraonom i ich świtom życie w zaświatach, zabalsamowali zwłoki i umieścili je w drewnianym sarkofagu przykrytym tkaniną. Sarkofag zagruntowano kompozycją zbliżoną do gesso, a twarz zmarłego pomalowano farbami temperowymi. Oczywiście stamtąd wzięła się umiejętność i tradycja nakładania gesso na drewno.
Gesso przygotowywano z dobrze przesianej kredy zmieszanej z klejem rybnym. Chociaż do wykonania gesso czasami używano gipsu, alabastru i bielenia, w tym przypadku preferowana jest kreda, ponieważ daje ona bardzo gleba wysokiej jakości, charakteryzujący się bielą i wytrzymałością.
Obecnie w warsztatach renowacyjnych wykorzystuje się ziemię, której przygotowanie rozpoczyna się od podgrzania kleju rybnego do temperatury 60°C i dodania do niego niewielkich porcji drobno zmielonej suchej kredy. Kompozycję dokładnie miesza się metalową szpatułką. Nie dodawać do powstałej kompozycji duża liczba polimeryzowane olej lniany lub lakier olejno-żywiczny (kilka kropel na 100 ml masy).
Do nałożenia ziemi na deskę używano drewnianej lub kostnej szpatułki - „szpachelki”, a także szczotek z włosia. Na deskę nałożono Gesso cienka warstwa. Każdą warstwę dokładnie wysuszono. Czasami rzemieślnicy nakładali do 10 warstw.
Warstwy gruntu nakładano bardzo cienko, im cieńsze, tym mniejsze ryzyko pękania. Po ostatecznym wysuszeniu ziemię wyrównano różnymi ostrzami i wygładzono pumeksem, pocięto na płaskie kawałki. Wypolerować powierzchnię gesso łodygami skrzyp polny, który zawiera dużą ilość krzemu, dzięki czemu może być stosowany jako materiał polerski.
DO koniec XVII a na początku XVIII wieku zaczęto układać ziemię bezpośrednio na desce. Wynikało to z faktu, że temperę zaczęto zastępować farbami olejnymi, a do gleby dodawano olej i olej schnący. Czasami gesso przygotowywano z żółtka, kleju i dużej ilości masła. W ten sposób uzyskano bazę przygotowaną do malowania.

RÓŻNICA IKONY PRAWOPRAWNEJ OD KATOLICKIEJ

Znawcy historii sztuki i religii dostrzegają różnicę między ikonami prawosławnymi a ikonami katolickimi w tej samej różnicy, która istnieje między malowaniem ikon a malarstwem. Tradycje malarstwa ikonowego katolików i prawosławnych dzieli ogromna rozbieżność, rozwijały się one niezależnie na przestrzeni kilku stuleci, dlatego też nie jest trudno odróżnić ikony od siebie.
Szkoła prawosławnego malarstwa ikon opiera się na tradycji bizantyjskiej, która wyznaje ścisłą monumentalność, płynność i powolność ruchów. Jej ikony są pełne triumfu i niebiańskiej radości; służą modlitwie. To obraz, za którym zawsze kryje się Prototyp – Bóg.
Ikony katolickie nie są obrazem, ale obrazem, ilustracją o tematyce religijnej, biblijnej. Jest bardzo malownicza i często ma charakter pouczający i budujący. Ikona prawosławna niczego nie uczy i nie opowiada, wskazuje jedynie na inny świat, z niej sam wierzący czerpie znaczenie zrozumiałe i widoczne tylko dla niego. Dlatego taka ikona zawsze wymaga dekodowania. Jej pisarstwo podlega ścisłemu kanonowi, który nie dopuszcza odstępstw w kolorystyce i sposobie ukazywania poszczególnych osób.
Kolejną różnicą jest perspektywa: na ikonie katolickiej jest ona prosta, na ikonie prawosławnej jest odwrócona.

IKONY OŚWIETLENIA

Obecnie, zgodnie z tradycją, ikony po namalowaniu lub wykonaniu są konsekrowane w świątyni. Kapłan czyta specjalne modlitwy i kropi obraz wodą święconą. Ikona jest święta, ponieważ przedstawia Pana, Matkę Bożą lub świętych.
Przez wiele stuleci nie było specjalnego obrzędu poświęcenia ikon. Ikona powstała w Kościele, była nierozerwalnie związana z Kościołem i uznawana była za świętą na podstawie zgodności z kanonem ikonograficznym, czyli zbiorem zasad, według których stwierdza się autentyczność świętego obrazu. Od czasów starożytnych ikona uznawana była za obraz święty ze względu na inskrypcję imienia przedstawianej osoby.
Współczesny obrzęd poświęcenia ikon powstał w epoce zubożenia prawosławnego malarstwa ikonowego, w okresie wprowadzania do ikon prawosławnych zapożyczeń z malarstwa świeckiego i zachodniego. W tym czasie, aby potwierdzić świętość tego, co zostało przedstawione, zaczęto poświęcać ikony. Właściwie tę rangę można rozumieć jako dowód Kościoła na autentyczność ikony, że ten przedstawiony jest tym, który jest wpisany.
W dzisiejszych czasach haftowane ikony są często przynoszone do poświęcenia, jednak ci, którzy zdecydują się potraktować to poważnie, powinni porozmawiać z księdzem i przyjąć błogosławieństwo na nadchodzącą lekcję oraz zapytać o kanony malowania ikon. Tworzenie ikon to poważna praca wymagająca duchowego przygotowania. Nie można tego traktować jako ekscytującego hobby.
Dla wyznawcy średniowiecznej Rusi nigdy nie było wątpliwości, czy ikona mu się podoba, czy nie, w jaki sposób i pod względem artystycznym została wykonana. Jej treść była dla niego ważna. W tamtym czasie wielu nie umiało czytać, ale język symboli został zaszczepiony każdemu wierzącemu od dzieciństwa.

Symbolika koloru, gestów, przedstawianych przedmiotów– taki jest język ikony, nie znając jakiego, trudno ocenić znaczenie ikon.
Ubranie na ikonach nie jest środkiem zakrywania nagości ciała, ubranie jest symbolem. Ona jest tkaniną z czynów świętej. Ciekawe informacje na temat charakteru ubiorów i szat, w jakie ubierają się bohaterowie ikon. Każdy obraz ma ubrania, które są dla niego charakterystyczne i niepowtarzalne. Jeden z ważne szczegóły– fałdy. Charakter układu fałd na szatach świętych wskazuje na czas namalowania ikony. W VIII – XIV wieki fałdy były rysowane często i małe. Mówią o silnych przeżyciach duchowych i braku duchowego spokoju. W XV – XVI wieku fałdy były rysowane prosto, długie i rzadkie. Wydaje się, że cała elastyczność energii duchowej je przebija. Przekazują pełnię uporządkowanych sił duchowych.
Wokół głowy Zbawiciela, Matki Bożej i świętych świętych Bożych ikony przedstawiają blask w kształcie koła, który nazywa się aureolą.
Aureola jest obrazem blasku światła i Bożej chwały, która przemienia osobę zjednoczoną z Bogiem.
Na ikonach nie ma cieni.
Każdy element ikony jest symbolem:

SYMBOLIKA GESTU

Ręka przyciśnięta do piersi – serdeczna empatia.
Podniesiona ręka jest wezwaniem do pokuty.
Ręka wyciągnięta do przodu z otwartą dłonią jest oznaką posłuszeństwa i uległości.
Dwie ręce podniesione - modlitwa o pokój.
Ręce podniesione do przodu - modlitwa o pomoc, gest prośby.
Dłonie przyciśnięte do policzków są oznaką smutku, żalu.

KOLOR IKONY:

Złoty radość jest głoszona w ikonie kolorem i światłem. Złoto (pomoc) na ikonie symbolizuje Boską energię i łaskę, piękno innego świata, samego Boga. Złoto słoneczne niejako pochłania zło świata i pokonuje je.
Żółty lub ochra– kolor najbliższy złotemu w widmie, często jedynie jego namiastka, jest jednocześnie kolorem najwyższej mocy aniołów.
Fioletowy lub karmazynowy kolor był bardzo znaczącym symbolem w kulturze bizantyjskiej. To kolor króla, władcy – Boga w niebie, cesarza na ziemi. Tylko cesarz mógł podpisywać dekrety fioletowym atramentem i zasiadać na fioletowym tronie, tylko nosił fioletowe ubrania i buty (było to surowo zabronione wszystkim). Skórzane lub drewniane oprawy Ewangelii w kościołach okrywano purpurowym suknem. Kolor ten obecny był na ikonach szat Matki Bożej – Królowej Nieba.
Czerwony– jeden z najbardziej zauważalnych kolorów ikony. To kolor ciepła, miłości, życia, życiodajnej energii. Ale jednocześnie jest to kolor krwi i męki, kolor ofiary Chrystusa. Na ikonach przedstawiani byli męczennicy w czerwonych szatach.
biały kolor - symbol Boskiego światła. To kolor czystości, świętości i prostoty. Na ikonach i freskach święci i sprawiedliwi byli zwykle przedstawiani w kolorze białym. Sprawiedliwi to ludzie życzliwi i uczciwi, żyjący „w prawdzie”.
Kolory niebieski i cyjan oznaczało nieskończoność nieba, symbol innego, wiecznego świata. Kolor niebieski uznawano za kolor Matki Bożej, która jednoczyła ziemskie i niebiańskie. Malowidła w wielu kościołach poświęconych Matce Bożej przepełnione są niebiańskim błękitem.
Zielony kolor– naturalny, żywy. To kolor trawy i liści, młodości, rozkwitu, nadziei, wiecznej odnowy. Ziemia została pomalowana na zielono, była obecna tam, gdzie zaczynało się życie – w scenach Narodzenia Pańskiego.
Brąz to kolor gołej ziemi, kurzu, wszystkiego, co tymczasowe i przemijające.
Szary to kolor, który nigdy nie był używany w malarstwie ikon. Po zmieszaniu czerni i bieli, zła i dobra, stał się kolorem ciemności, pustki i nicości. W promiennym świecie ikony nie było miejsca na ten kolor.
Czarny kolor– kolor zła i śmierci. W malarstwie ikon jaskinie – symbole grobu – i ziejącą otchłań piekła malowano na czarno. W niektórych opowieściach może to być kolor tajemnicy. Czarne szaty mnichów, którzy odeszli zwyczajne życie, jest symbolem porzucenia dotychczasowych przyjemności i przyzwyczajeń, swego rodzaju śmierci za życia.
Podstawy symboliki kolorów Ikona prawosławna jak cała sztuka kościelna, jest obrazem Zbawiciela i Matki Bożej.
Obraz Najświętszej Maryi Panny charakteryzuje się ciemną wiśnią omoforion- szata noszona na ramionach i chiton w kolorze niebieskim lub granatowym. Chiton- grecka nazwa niższej odzieży, sukienek, odzieży w ogóle wśród starożytnych ludów.
Wizerunek Zbawiciela charakteryzuje się ciemnobrązowo-czerwonym chitonem i ciemnoniebieskim himacja(płaszcz, peleryna). I tutaj oczywiście jest pewna symbolika: niebieski to kolor niebieski (symbol Nieba).
Niebieska himacja Zbawiciela jest symbolem Jego Boskości, a ciemnoczerwona tunika jest symbolem Jego ludzkiej natury.
Ciemno czerwony kolor szat Dziewicy jest symbolem Matki Bożej.
Święci na wszystkich ikonach przedstawieni są w białych lub nieco niebieskawych szatach.

Ikonografia to malowanie ikon, rodzaj malarstwa powszechny w średniowieczu, poświęcony tematyce i tematyce religijnej.

Ikona jako przedmiot kultu religijnego jest nieodzownym dodatkiem każdego człowieka Sobór. Na przykład w starożytnej Rusi istniał kult ikon jako przedmiotów sakralnych. Czczono je, opowiadano o nich wiele legend, przesądni ludzie wierzyli, że ikony obdarzone są tajemniczymi mocami. Oczekiwano od nich czynienia cudów, wybawienia od chorób i pomocy w pokonaniu wroga. Ikona stanowiła obowiązkowy element dekoracji nie tylko kościoła, ale także każdego budynku mieszkalnego. Jednocześnie wartość artystyczna ikon była czasami przypisywana drugorzędnemu znaczeniu.

Dziś cenimy tylko te ikony, które są dziełami sztuki, postrzegamy je jako pomniki przeszłości, uznając ich wysoką wartość estetyczną.

Cud Jerzego dotyczący węża. XVI wiek Szkoła moskiewska. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa.

Najstarsze zabytki malarstwa ikonowego pochodzą z VI wieku. Duże ich zbiory skupiają się w klasztorach na Synaju (Półwysep Synaj), Górze Athos (Grecja) i Jerozolimie. Malarstwo ikonowe powstało na bazie tradycji sztuki późnohellenistycznej. Początkowe prace – „portrety” świętych – wykonano w technice mozaiki, enkaustyki, następnie malowano temperą ikony z XVIII wieku. - farby olejne na deskach drewnianych, rzadziej - na metalowych.

W X-XII wieku. Bizancjum stało się centrum malarstwa ikon (patrz sztuka bizantyjska). Na początku XII wieku. powstało słynne arcydzieło - ikona Matki Bożej Włodzimierskiej, która do dziś jest przechowywana w Galerii Trietiakowskiej. Styl bizantyjski wywarł ogromny wpływ na malarstwo Europy Zachodniej, starożytnej Rusi, krajów południowosłowiańskich, Gruzji, co wiązało się z rozprzestrzenianiem się chrześcijaństwa.

Rozkwit starożytnego malarstwa rosyjskiego przypadł na koniec XIV - połowę XVI wieku. Jaki jest ten okres naszej historii? Po przejściu prób jarzma mongolsko-tatarskiego naród rosyjski zaczął się jednoczyć, aby walczyć z wrogiem i urzeczywistniać swoją jedność. W sztuce ucieleśniał swoje aspiracje i aspiracje, ideały społeczne, moralne i religijne. Wśród ikon tego czasu wyróżniają się niezwykłe dzieła Greka Teofanesa. Jego sztuka, namiętna, dramatyczna, mądra, surowa, czasem tragicznie intensywna, wywarła silne wrażenie na rosyjskich mistrzach.

Epoka znalazła swoje odzwierciedlenie na swój sposób w twórczości Andrieja Rublowa i jego uczniów. W twórczości Andrieja Rublowa marzenie współczesnych o ideale moralnym urzeczywistniło się z niezwykłą siłą artystyczną; jego obrazy utwierdzają idee dobroci, współczucia, harmonii, radości, które odpowiadają aspiracjom ludzi.

Wraz ze szkołą moskiewską w XIV-XV wieku. Malarstwo ikon kwitnie w Nowogrodzie, Pskowie, Twerze, Suzdalu i innych miastach.

Pod koniec XV w. Na panoramie Moskwy pojawia się nowa gwiazda - mistrz Dionizjusz. Dionizjusz wywarł ogromny wpływ na swoich współczesnych. Przez całą pierwszą połowę XVI w. odbicia poezji jego barw padają.

Dionizjusz. Metropolita Aleksy leczy Taidulę (żonę chana). Marka z ikony „Metropolita Aleksy w życiu”. Początek XVI wieku Drewno, tempera. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa.

Przełom w rozwoju malarstwa ikon nastąpił w połowie XVI wieku, kiedy to gwałtownie wzrosła kontrola kościoła nad twórczością malarzy ikon. Decyzje Rady Stoglawskiej powoływały się na Andrieja Rublowa jako na wzór, ale w istocie odcinały wychodzącą od niego cenną nić.

Historyczne badanie malarstwa ikonowego pomaga zrozumieć jego istotę. Malarze ikon zwykle nie wymyślali i nie komponowali własnych historii tak jak malarze. Kierowali się typem ikonograficznym opracowanym i zatwierdzonym przez władze celne i kościelne. To wyjaśnia fakt, że ikony o tej samej tematyce, nawet oddzielone stuleciami, są do siebie tak podobne. Uważano, że mistrzowie zobowiązani byli wzorować się na wzorach zgromadzonych w oryginałach ikonograficznych i mogli wyrażać się jedynie kolorem. W przeciwnym razie byli zdani na łaskę tradycyjnych kanonów. Ale nawet w ramach ciągłych opowieści ewangelicznych, przy całym szacunku dla tradycji, mistrzom zawsze udało się dodać coś własnego, wzbogacić i przemyśleć starożytny model.

Aż do XVII wieku malarze zwykle nie podpisywali swoich dzieł. Kroniki i inne źródła literackie wymienić najbardziej szanowanych malarzy ikon: Teofanesa Greka, Andrieja Rublowa, Daniila Czernego, Dionizego. Uzdolnionych rzemieślników było oczywiście znacznie więcej, ale ich nazwiska pozostały nam nieznane.

Współcześni ludzie nie mogą powstrzymać się od zaskoczenia ostrymi sprzecznościami między okrucieństwem i chamstwem moralności feudalnej Rusi a szlachetnością i wzniosłością starożytnej sztuki rosyjskiej. Nie znaczy to jednak, że odwróciła się od dramatu życia. Rosjanie tamtej epoki zagłębili się w bieg życia, ale starali się umieścić w sztuce to, czego naprawdę im brakowało i do czego pociągały ich aspiracje ludu.

Na przykład wizerunki męczenników Borysa i Gleba wyglądały wówczas jak wezwanie skierowane do książąt, aby porzucili konflikty domowe. Ikona „Bitwa Nowogrodu z Suzdalianami” ukazywała lokalny patriotyzm tamtych lat, kiedy pułki książąt moskiewskich zaczęły zagrażać wolności nowogrodzkiej.

Starzy rosyjscy mistrzowie byli głęboko przekonani, że sztuka pozwala dotknąć tajemnic istnienia, tajemnic wszechświata. Drabina hierarchiczna, piramidalność, integralność, podporządkowanie części - to właśnie uznano za podstawę porządku świata, w którym widziano sposób na przezwyciężenie chaosu i ciemności.

Idea ta znalazła wyraz w strukturze każdej ikony. Świątynię chrześcijańską uważano za pozory świata, kosmosu i kopuły – firmamentu. W związku z tym prawie każdą ikonę rozumiano jako pozór świątyni, a jednocześnie jako model kosmosu. Współczesny człowiek nie akceptuje starożytnego rosyjskiego kosmosu. Ale on także nie może powstrzymać się od urzeczenia owocami twórczości poetyckiej generowanej przez ten pogląd: jasny kosmiczny porządek triumfujący nad siłami ciemnego chaosu.

Staroruskie malarstwo ikonowe przywiązywało dużą wagę do wizerunków scen ewangelicznych z życia Chrystusa, Matki Bożej (Dziewicy Marii) i świętych. Spośród wielu różnych motywów wybrała ten najbardziej stały, stabilny i powszechnie znaczący.

Jerzy wojownik. Ikona z XII wieku. Muzea państwowe Kremla moskiewskiego.

Na szczególną uwagę zasługuje grupa takich ikon, w których manifestowały się ideały ludowe i wypowiadała się rolnicza Ruś. Są to przede wszystkim ikony poświęcone Florusowi i Laurusowi, patronom bydła, Jerzemu, Błażejowi i Prorokowi Eliaszowi, który został przedstawiony na jasnym, ognistym tle jako następca pogański bóg grzmoty i błyskawice Peruna.

Wśród tematów i motywów, które szczególnie podobały się mieszkańcom starożytnej Rusi, należy wymienić Rublowowski typ „Trójcy”: trzy postacie pełne przyjaznego usposobienia, tworzące zamkniętą grupę. Andriej Rublow wyraził ten stan z największą jasnością i urzekającym wdziękiem. Powtórki jego kompozycji i swobodne wariacje na ten temat stale znajdują się w rosyjskich ikonach.

W świecie starożytnych rosyjskich ikon pierwiastek ludzki ma ogromne znaczenie. Głównym tematem malowania ikon jest bóstwo, ale pojawia się ono w obrazie pięknej, wzniosłej osoby. Głęboki humanizm rosyjskiej ikony polega także na tym, że wszystko ukazane przeszło przez tygiel wrażliwej ludzkiej duszy i zostało zabarwione jej empatią. W swoim popędzie do wzniosłości człowiek nie traci umiejętności czule patrzenia na świat, podziwiania rozbrykanego biegu koni, pasterzy z owcami – słowem wszystkich „ziemskich stworzeń”, jak dawniej powiedz wtedy.

Malowanie ikon jest sztuką symboliczną. Opiera się na idei, że wszystko na świecie jest tylko powłoką, za którą niczym rdzeń kryje się wyższe znaczenie. Dzieło sztuki stąd nabiera kilku znaczeń, przez co ikona jest trudna w odbiorze. Zarówno fabuła, jak i forma plastyczna mają tu znaczenie symboliczne. Każda ikona oprócz tego, że przedstawia legendarne wydarzenie czy postać, posiada także podtekst, w którym ujawnia się jej prawdziwa treść.

Ikony w swojej treści adresowane są nie do jednej osoby, ale do wspólnoty ludzi. Utworzyli w świątyni rząd – ikonostas, korzystając ze swojej bliskości. Ikonostas staroruski przedstawiał integralną, harmonijną jedność. Pierwsze duże ikonostasy z postaciami wielkości człowieka datowane są na początek XV wieku i od tego czasu żadna świątynia nie mogła obejść się bez tak majestatycznej budowli. Jej dosłowne znaczenie to modlitwa świętych skierowana do Chrystusa Wszechmogącego, zasiadającego na tronie (stopień Deesis – rząd). Ponieważ jednak był też lokalny awanturnik z ikonami o różnej tematyce, świąteczny – ze scenami z życia Chrystusa i Maryi oraz proroczy (obrazy apostołów, proroków), ikonostas nabrał swego rodzaju znaczenia encyklopedii kościelnej. Jednocześnie ikonostas jest niezwykłym dziełem artystycznym starożytnej kultury rosyjskiej. Jego znaczenie w rozwoju starożytnych ikon rosyjskich jest trudne do przecenienia. Wielu ikon nie da się wyjaśnić i zrozumieć poza kombinacją, w jakiej zostały umieszczone w ikonostasie.

Malarstwo ikon rozwinęło najwyższe umiejętności artystyczne, szczególne rozumienie rysunku, kompozycji, przestrzeni, koloru i światła.

Rysunek przekazywał kontury obiektów, aby można je było rozpoznać. Ale cel rysunku nie ograniczał się do identyfikacji. Metafora graficzna - poetyckie porównanie osoby do góry, wieży, drzewa, kwiatu, smukłego wazonu - jest powszechnym zjawiskiem w rosyjskim malarstwie ikon.

Kompozycja jest szczególnie mocną stroną ikon staroruskich. Prawie każda ikona była uważana za pozór świata, dlatego w kompozycji zawsze obecna jest środkowa oś. Na górze znajduje się niebo (najwyższe poziomy istnienia), a na dole zwykle oznacza się ziemię („niebo”), czasem pod nim znajduje się podziemny świat. Ta fundamentalna struktura ikony, niezależnie od fabuły, wpłynęła na całą jej kompozycję.

Starożytne teksty wymieniają ulubione kolory naszych malarzy ikon: ochra, cynobr, kormoran, gaf, kapusta, szmaragd. Ale w rzeczywistości gama kolorów starożytnego malarstwa rosyjskiego jest szersza. Oprócz czystych, otwartych barw, nie zabrakło także barw pośrednich. Różnią się przysłoną i nasyceniem; wśród nich są czasem odcienie bezimienne, których nie da się opisać słowami; tylko ludzkie oko potrafi je uchwycić. Kolory świecą, świecą, dzwonią, śpiewają, a to wszystko sprawia wielką radość. Czasami, mając tylko jeden kolor, na przykład czerwony płaszcz powiewający na wietrze na ikonie „Cud Jerzego na smoku”, wojownik otrzymuje głęboką charakterystykę.

Staroruskie malarstwo ikonowe jest jednym z największych zjawisk w sztuce światowej, zjawiskiem wyjątkowym, niepowtarzalnym o ogromnej wartości artystycznej. Ona się rodzi uwarunkowania historyczne rozwój naszego kraju. Ale wartości, które tworzy, są własnością publiczną. Dla nas starożytne rosyjskie malarstwo ikon ma wielką wartość, w szczególności dlatego, że wiele jego cech artystycznych zostało wykorzystanych w zreinterpretowanej formie przez głównych współczesnych artystów (na przykład K. S. Petrov-Vodkin, V. A. Favorsky, P. D. Korin itp.).

W naszym kraju działalność polegająca na gromadzeniu i ujawnianiu dzieł starożytnego rosyjskiego malarstwa ikonowego nabrała rozmiarów ogólnokrajowych. Dekrety Lenina o nacjonalizacji zabytków sztuki (patrz Ochrona zabytków historycznych i kulturowych w ZSRR) położyły podwaliny pod utworzenie największych repozytoriów starożytnego malarstwa rosyjskiego w Galerii Trietiakowskiej i Muzeum Rosyjskim.

W roku 600. rocznicy urodzin Andrieja Rublowa w dawnym klasztorze Andronikowa w Moskwie otwarto Muzeum Starożytnej Sztuki Rosyjskiej nazwane jego imieniem.