O ensaio é o principal elo no trabalho educacional, organizacional, metodológico, educacional com amadores. equipe coreográfica(círculo)

planejamento coreográfico educacional de ensaio

O ensaio é um processo artístico e pedagógico complexo, que se baseia na atividade criativa coletiva, o que implica um certo nível de formação dos participantes. O ensaio é o principal elo de todo o processo educacional, organizacional, metodológico, educacional e trabalho educativo com a equipe. Por ensaio, você pode julgar o nível atividade criativa equipe, sua orientação estética e a natureza dos princípios de atuação, bem como o nível de treinamento do líder.

Um ensaio pode ser imaginado como um exercício coletivo de acabamento artístico, performático e técnico, elaborando obras de arte, conferindo-lhes integridade estética e originalidade. Na sala de aula, aprendem-se festas, papéis, movimentos no palco, passos de dança, que posteriormente são reunidos em um único todo - uma dança, uma música, uma performance, um trabalho musical ou coral. Ressalta-se que a divisão das aulas em ensaios e execuções-pedagógicas é condicional. Dominando o texto, o lado técnico da performance geralmente ocorre durante o ensaio. Uma parte significativa das sessões de treinamento em um grupo de arte amador é transformada e incluída na fase inicial de ensaio.

Vários fatores têm um impacto significativo na metodologia do trabalho de ensaio em uma equipe criativa amadora:

• - o grau de preparação da equipa em termos técnicos e artísticos;
• - o grau de dificuldade do trabalho escolhido para aprendizagem;
• - condições, tempo, número de ensaios previstos para a aprendizagem de uma nova obra;
• - o humor dos participantes, a experiência do líder.

Cada líder desenvolve sua própria metodologia para construir e conduzir aulas de ensaio. No entanto, é necessário o conhecimento dos princípios e condições básicos para a realização de um ensaio, com base no qual cada líder pode escolher ou selecionar os métodos e formas de trabalho que correspondam ao seu estilo criativo individual.

A experiência acumulada da arte profissional pode desempenhar um grande papel no desenvolvimento de métodos gerais e particulares de trabalho de ensaio.

A qualidade do trabalho de ensaio, sua eficácia pedagógica depende de uma série de aspectos organizacionais e pedagógicos. Antes de tudo, o líder deve comparecer ao ensaio 20 a 30 minutos antes do horário combinado, verificar a disponibilidade e qualidade dos adereços, instrumentos, consoles, festas e demais acessórios necessários. Nos espetáculos amadores corais, orquestrais e teatrais, é obrigatório verificar as vozes das partes ou o texto dos papéis antes do ensaio. Partes manuscritas, textos devem ser verificados em relação à partitura ou texto impresso para evitar erros. Somente certificando-se pessoalmente de que tudo está pronto para o trabalho, você pode evitar muitas paradas durante o ensaio.

Chamadas inesperadas do líder, por exemplo, para o telefone, para os visitantes, são consideradas uma violação grosseira, isso afeta negativamente o humor criativo dos participantes.

Você precisa começar o ensaio na hora, não importa o quê. Quantos participantes vieram. Isso ensinará a todos a virem para o ensaio 10-15 minutos antes do início. A atitude irresponsável de alguns irrita, relaxa em certo aspecto outros. Assim, o início do ensaio em definir tempo- trata-se de uma exigência ética, pedagógica, artística e estética.

Em grupos amadores de vários gêneros - coral, orquestral, dança, teatro - o ensaio começa com a preparação preliminar dos participantes para ele de forma adequada. Nos grupos de dança, é realizado um aquecimento para aquecer os artistas, prepará-los para treinamentos e ensaios de longa duração. Nos coros folclóricos e acadêmicos, os participantes são cantados. O canto cuidadoso garante boa respiração, som uniforme, boa dicção. A condição de trabalho do cantor depende em grande parte configuração correta vozes, exercícios especiais permanentes. No sopro, orquestras folclóricas, antes do ensaio, é realizada uma afinação completa dos instrumentos musicais. A pureza do som dos instrumentos, a estrutura da orquestra como um todo, depende da afinação.

As medidas elencadas de ordem organizacional e técnica têm um grande significado educacional. O ensaio também apresenta enormes oportunidades em termos de influência artística e pedagógica. No processo de ensaios, tudo é cuidadosamente verificado e memorizado: traços, nuances, pas, mise-en-scene. Paralelamente, há uma assimilação pelos participantes da experiência emocional e moral inerente à obra de arte. Portanto, quanto mais escrupulosamente e propositalmente processamento artístico peças de teatro, canções, dança, mais profundas são as transformações morais e estéticas na personalidade do participante, performer.

A eficácia pedagógica de um ensaio depende em grande parte de um plano de trabalho habilmente elaborado. Sem planejamento, um elemento de espontaneidade aparece no ensaio. O plano de ensaio é pensado com antecedência e fixado no papel. O plano pode ser mais ou menos detalhado, detalhado ou curto. Conhecimento pelo líder de sua orquestra, coro, grupo de dança ou teatro, seu possibilidades criativas permite planejar com precisão e detalhes cada ensaio.

O plano de ensaio inclui as principais atividades e tarefas com sua divisão detalhada. As tarefas devem ser específicas, incluir aspectos técnicos, artísticos, estéticos e pedagógicos.

O ritmo do ensaio é muito importante. Você não deve ensaiar a mesma passagem mais de 2-3 vezes, mesmo que sua execução não seja adequada ao líder. Múltiplas repetições reduzem a atenção, a sensibilidade aos gestos, as explicações do líder. Às vezes é aconselhável fazer uma pausa durante o ensaio. É mais justificado fazê-lo 40-45 minutos após o início do trabalho. Se o líder precisar realizar um ensaio de 3 horas, ele deve coordenar essa questão com os artistas.

Também é importante que o ensaio seja completo. Durante a primeira metade do ensaio, a equipe deve lidar com trabalhos mais complexos: aprender papéis ou lugares técnica e artisticamente difíceis em novos trabalhos que exigem perseverança e força de vontade. Na segunda metade do ensaio, você precisa deixar toda a equipe jogar mais, ou seja, envolver-se em atividades mais criativas: tocar peças previamente aprendidas com total dedicação.

Para um trabalho educativo mais eficaz no ensaio, é necessário ter em conta as características individuais de cada intérprete, quer ao nível pessoal, psicológico, quer ao nível da sua formação artística.

A aula termina com um ensaio geral. A sua condução tem características determinadas pelo facto de ser um ensaio e ao mesmo tempo trazer os sinais de uma performance de concerto. O ensaio geral é o último de uma determinada etapa de preparação de uma obra para um concerto. Resolve as seguintes tarefas: preparar psicologicamente os participantes para o concerto; verifique o programa, seu alinhamento e som; executar da forma mais limpa e artística possível cada peça, dança, música que será apresentada no concerto. No ensaio geral, não há necessidade de fazer paradas frequentes, mas é preciso deixar os participantes sentirem todo o programa como um todo, a combinação e sequência de números, contribuindo assim para uma distribuição uniforme de forças. O ensaio geral é melhor feito na sala em que a apresentação será realizada. Os performers e o líder devem sentir as características acústicas da sala, adaptar-se às novas condições.

Do que foi dito, segue-se que o chefe do ensaio deve, em cada caso, proceder das condições específicas em que trabalha uma equipa criativa amadora. Sem uma organização cuidadosa do trabalho de ensaio, não pode haver entendimento mútuo entre o líder e a equipe, não pode haver resultado da atividade criativa de amadores.

Necessário ensaio:

• 1. Comece pontualmente, com aquecimento.
• 2. Tente não deixar a sala de ensaio para o telefone, o diretor e assim por diante.
• 3. Certifique-se de planejar um ensaio, caso contrário, um elemento de espontaneidade, dispersão, auto-fluxo aparecerá.
• 4. Números alternativos (fácil com tecnicamente complexo, rápido com lento).
• 5. Envolva não apenas um grupo de intérpretes no ensaio, mas todos (se você ensaia com dois, o resto também deve se interessar).
• 6. Os adereços necessários devem ser preparados com antecedência.
• 7. Você não deve ensaiar o mesmo número mais de 2-3 vezes, após 40-45 minutos após o início do trabalho, você deve fazer uma pausa.
• 8. A fala do líder deve ser competente, culta, o tom dos comentários não deve ser rude e ofensivo.
• 9. É necessário distinguir os ensaios de trabalho das corridas gerais, pois têm tarefas diferentes.

Trabalho educativo em processo de ensaio aulas em grupo coreográfico

“Trabalhar como diretor é tão difícil quanto ensinar em uma escola. Este é um trabalho difícil! Por exemplo, hoje eu não quero ensaiar, mas tenho que fazer. Por onde começar para criar um ambiente de trabalho? Comece com amor, com humor, sem perder sua vontade de ferro.

O ensaio é o principal elo de todo o trabalho educativo, organizacional, metodológico, pedagógico e educativo com a equipe. De acordo com o ensaio, pode-se julgar o nível de sua atividade criativa, a orientação estética geral e a natureza dos princípios da performance. O ensaio pode ser representado como um processo artístico e pedagógico complexo, que se baseia na atividade criativa coletiva, o que implica um certo nível de formação dos participantes. O diretor artístico é forçado a buscar constantemente técnicas e métodos de trabalho com a equipe nos ensaios que lhe permitam resolver com sucesso as tarefas criativas e educacionais que lhe são apresentadas em um determinado período de tempo. Eu gostaria de dizer sobre o mais pontos importantes organização de ensaios, e parece-me que todo diretor artístico deve conhecer e ter certeza de usar essas disposições na organização dos ensaios de sua equipe.

É necessário iniciar o ensaio pontualmente, independentemente de quantos participantes chegaram à hora marcada. Isso servirá como uma boa lição para aqueles que chegarem atrasados ​​e ensinará a todos a virem para o ensaio 10 a 15 minutos antes do início. Caso contrário, sabendo que o líder atrasa o ensaio devido ao comparecimento intempestivo dos participantes, o número de atrasos pode aumentar constantemente, o que levará à perda do tempo destinado ao ensaio. Isso reduz não apenas o impacto artístico do ensaio, mas também seu significado educacional, moral e organizador. A atitude irresponsável de alguns às vezes irrita, relaxa em certo aspecto outros, reduz a sensação de constante "queima" criativa neles. Tendências insalubres de “exclusividade” aparecem na equipe para alguns participantes, o significado pedagógico do ensaio cai drasticamente. Assim, o início dos ensaios em horário estritamente definido é uma exigência ética, pedagógica e artística e estética.

O ensaio deve começar com um aquecimento para aquecer os artistas, prepará-los para um longo estudo e trabalho de ensaio. Mas o aquecimento não deve ser prolongado, pois os intérpretes devem ter força para trabalhar o repertório da banda.

Das memórias de Maris Liepa: “O ensaio nunca começou com o aprendizado de algum passo ou peça de dança. Cada um deles foi precedido por algum tipo de introdução orgânica, uma abertura de uma conversa, uma história, uma história, uma simples comunicação de dois minutos com o público. Com todos juntos, inclusive pianistas. Era necessário inserir uma determinada chave trabalho futuro. Ele, como um maestro habilidoso, afinava sua pequena orquestra e a subordinava ao movimento de sua mão. E quando ele sentiu que o tom desejado havia sido obtido, ele mais uma vez olhou para todos e disse baixinho: “Comecem!”

Para o trabalho, é melhor combinar os números: fácil - difícil, rápido - lento. Em números leves, os artistas, por assim dizer, “aquecem”. Números difíceis, especialmente se ainda não são bem aprendidos, exigem atenção redobrada, custos emocionais e físicos significativos. Os artistas neste caso devem estar bem afinados para o trabalho ou já envolvidos nele e ao mesmo tempo não cansados.

Em qualquer grupo coreográfico, e principalmente no grupo infantil, não se deve trabalhar uma peça durante a metade do ensaio, principalmente durante todo o ensaio. Os participantes neste caso rapidamente se cansam. O número “se torna familiar” para eles, e eles cometem erros involuntários no desempenho, causados ​​principalmente por uma diminuição da atenção, fadiga. O diretor tem um papel estranho como um “membro da massa”. Deveria haver uma lei: se você ensaia com dois, e os outros quinze estão sentados, então eles também deveriam se interessar. Se eles estiverem entediados, você deve removê-los ou garantir que eles também obtenham algo do ensaio.

Chamadas inesperadas do diretor artístico, por exemplo: para o telefone, para o diretor, etc., afetam negativamente o humor criativo dos participantes. Se, no entanto, houver a necessidade de deixar o ensaio, é claro que você precisa se desculpar com os participantes, dar-lhes uma tarefa e instruir os mais experientes a controlar o andamento de sua implementação. Os artistas não gostam de paradas frequentes para ensaios. Isso é enervante, derrubando o ritmo e o clima do ensaio. Além disso, paradas frequentes quebram uma visão holística do número, o que significa que o trabalho da imaginação se torna mais complicado.

Muito do que não funciona após a primeira apresentação áspera ou o primeiro ensaio começa a ser ganho após 2-3 aulas: os participantes captam o estilo da performance, sua característica, andamento, características semânticas, conteúdo figurativo e estético. Esta circunstância ajuda a executar corretamente os movimentos difíceis do número que não resultou.

No ensaio, você deve tentar fazer comentários não para cada erro cometido separadamente, mas para vários de uma só vez, após a execução do número inteiro. Se os participantes forem suficientemente qualificados e experientes, pode limitar-se a explicações verbais. “O diretor deve falar de forma concreta, quase fisicamente tangível, para que todos possam entender tudo.” Se não houver certeza de que os intérpretes farão a coisa certa na próxima repetição, é necessário pedir ao grupo ou a toda a composição que repasse os lugares que faltam, fixando assim o corrigido.

O ritmo do ensaio é muito importante. Você não deve ensaiar o mesmo número mais de 2-3 vezes, mesmo que sua performance não seja adequada ao diretor artístico. É possível que os executores não tenham entendido as tarefas que lhes foram atribuídas (explicadas indistintamente, ouvidas com desatenção) ou que não consigam realizar devido a deficiências treinamento técnico. Para corrigir os erros cometidos, são necessárias explicações mais específicas. Se depois disso os participantes não puderem cumprir os requisitos, eles se apresentarem com erros, um compromisso deve ser feito: ou então trabalhe separadamente com os artistas que não obtêm os movimentos, para não distrair todos do trabalho, ou substitua os participantes individuais e coloque outros em número, mais técnicos e artisticamente treinados. Repetições repetidas do mesmo número reduzem a atenção, a sensibilidade aos gestos, as explicações da cabeça, entorpecem o pensamento criativo dos performers. As aulas se transformam em ensinamentos chatos e irritantes. Esse perigo espera até mesmo coreógrafos de grupos profissionais. “Você precisa ser o mais uniforme e preciso possível, mas não pode ser chato. Precisamos de um ensaio, por exemplo, um pouquinho, para nos comportar mal!”. O princípio do interesse e do entusiasmo é uma das principais condições para o trabalho frutífero de um grupo coreográfico infantil e estudantil.

A capacidade do diretor artístico de fazer uma pausa na aula no tempo também se aplica ao ritmo do ensaio. É mais justificado, é mais conveniente fazê-lo 45-50 minutos após o início do trabalho. A segunda parte do ensaio pode durar 40-45 minutos. A prática mostra que, com essa proporção de tempo da primeira e da segunda metade do ensaio, a atividade máxima dos participantes é alcançada. Também é importante que o ensaio seja concluído, mas, ao mesmo tempo, os participantes mantenham o desejo de se exercitar mais. Isso os prepara para mais independência trabalho criativo: ensinar jogos, trabalhar os movimentos técnicos separadamente, etc. A saciedade com as aulas leva a uma diminuição do interesse pela criatividade, o que significa que a eficácia das aulas e seu retorno diminuem. A equipa deverá ter sempre um certo número de números prontos, com os quais possa actuar sem grandes dificuldades na preparação do concerto.

O ensaio é um trabalho árduo. Além disso, o trabalho, em que os resultados nem sempre são imediatamente visíveis. Inclui elementos de monotonia, que cansa os participantes, reduz sua atividade geral e performática. O dever do diretor artístico é inspirá-los com seu exemplo, não deixá-los esfriar a criatividade. A fala do diretor artístico durante o ensaio é apresentada com requisitos especiais. Antes de tudo, não é necessário falar muito, expressar pensamentos deve ser o mais curto possível: os participantes vêm ao ensaio para se expressar como dançarino, mas não para ouvir conversas longas, às vezes irrelevantes, irrelevantes. Para uma melhor explicação de seus pensamentos, você pode recorrer à ajuda de um show de performance pessoal.

A realização de um ensaio geral tem características próprias, determinadas pelo facto de, por um lado, ser um ensaio, mas ao mesmo tempo trazer os sinais de uma performance de concerto (trajes, maquilhagem, luz, som, etc.). O ensaio geral é o último de uma determinada etapa de preparação do repertório para o concerto, e, portanto, nele se resolvem as seguintes tarefas:

• - como preparar mentalmente os intérpretes para o concerto;
• - verifique o programa, seu alinhamento.

Não há necessidade de fazer paradas frequentes no ensaio geral. É mais importante passar por todos os números do começo ao fim, para deixar os artistas sentirem todo o programa como um todo, assim, por assim dizer, distribuindo uniformemente a força e a tensão emocional a todos os números. E é melhor realizar um ensaio geral (se possível) no salão e local onde a apresentação será realizada dois dias antes do concerto. Neste caso (se necessário) ainda há tempo para trabalhar as nuances associadas à mudança de roupa, carregar figurinos, subir ao palco, configurar a luz do som, etc.

As exigências e desejos listados para o diretor artístico do grupo coreográfico durante as aulas de ensaio, é claro, não levam em conta toda a variedade de dificuldades encontradas em cada caso. O director artístico, partindo das especificidades inerentes apenas à sua equipa, deve organizar o ensaio de forma a utilizar o tempo atribuído da forma mais eficiente possível, com maior eficácia.

Metodologia de trabalho em grupo de dança

Depois que a criança adquire as habilidades e habilidades básicas nas aulas de coreografia, os elementos da dança são combinados primeiro em uma combinação e depois em um número separado. Tendo pensado em encenar uma dança a partir de uma gravação, o líder, antes de começar a trabalhar com a equipe, deve analisar detalhadamente a gravação, ouvir a música, aprender os movimentos, dominar toda a reestruturação dos bailarinos, seus movimentos pelo palco , compreender a imagem do personagem na dança. Ele deve pensar sobre o método de aprender a dança e então começar a trabalhar com os artistas.

Para definir o número, existem vários métodos que o líder pode usar, dependendo da idade das crianças e da tarefa.

método de exibição. Inclui um professor mostrando o material, após o que um grupo de crianças repete. Este método é bom para Estado inicial Depois disso, você precisa passar para outro método, caso contrário o aluno não desenvolverá a capacidade de realizar movimentos conscientemente. O aluno simplesmente repetirá e copiará mecanicamente o professor.

método de tarefa verbal. O professor explica a tarefa para eles verbalmente, mas não mostra. Depois disso, os alunos criam independentemente um esquema de movimentos. Se o professor vê um erro na execução dos movimentos, ele o corrige com a ajuda de explicações verbais. Este método é bom ao praticar passos previamente aprendidos ou com um grupo de artistas profissionais. Mas não é aceitável para uso constante com um grupo de crianças.

método misto. Método de mostrar e explicar. É o mais utilizado, difundido e reúne todos os aspectos positivos dos métodos nele combinados. Isto " média de ouro» na metodologia de trabalho com um grupo de dança de crianças.

O líder trabalha cuidadosamente os movimentos e garante que os intérpretes sejam capazes de transmitir ao espectador o conteúdo e as características da dança.

Aulas de dança, mostrando suas conquistas em performances dão muita alegria às crianças. Mas, além da alegria e diversão que a dança traz para a vida das crianças, a arte de dançar, quando utilizada de forma correta, contribui, juntamente com outros tipos de arte, para o desenvolvimento estético e geral da criança. Todas as danças realizadas por crianças devem ser significativas, artísticas e acessíveis. O acompanhamento musical e o desenho da dança também são de suma importância e devem ser de alta qualidade artística. A fim de preparar uma dança para uma apresentação com crianças, ela não deve ser aprendida mecanicamente, mas deve ser consistentemente apresentada às crianças com os fundamentos da cultura da dança e realizar exercícios preparatórios com elas para adquirir habilidades de dança. É importante ensinar as crianças a meios expressivos dançar e, com base nisso, aprender com eles a dança pretendida. Todo o processo pedagógico de domínio da dança é construído de tal forma que tem impacto na estética e desenvolvimento geral alunos. Alta qualidade dança e material musical, que é selecionado especificamente para a performance infantil, o conteúdo ideológico da dança, as belas imagens refletidas nela, figurinos coloridos e tudo mais trabalho preparatório na dança despertam organização, esperteza, gosto nas crianças, contribuem para o desenvolvimento da musicalidade, iniciativa criativa e influenciam o desenvolvimento geral e físico. Os espetáculos de dança devem ser acessíveis, próximos e compreensíveis para as crianças em termos de conteúdo, devem corresponder à sua idade e capacidades de dança; portanto, os métodos de aprendizagem de danças para cada idade das crianças são diferentes.

Critérios para encenar números de dança:

• - a dança deve ser encenada tendo em conta as peculiaridades do concerto e das atividades competitivas;
• - a dança deve ser emocionante para o público e para os próprios intérpretes;
• - deve ser adaptado para condições diferentes manifestação pública;
• - a duração do número de massa deve ser de 2,5 a 4 minutos;
• - o material coreográfico deve corresponder ao material musical e figurino;
• - o número de dança deve corresponder à faixa etária dos seus intérpretes;
• - dramaturgia do número: o desenvolvimento e a clareza do enredo, o desenvolvimento do vocabulário, sua correspondência;
• - "Zest" - ideia incomum, abordagem não padrão ao número;
• - a clareza dos desenhos e a ação do número;
• - tecnicidade e precisão de execução;
• - a dança deve educar os seus intérpretes e espectadores sentimentos estéticos e desenvolver o gosto.

Nas primeiras fases de sua existência, qualquer grupo coreográfico é composto pelo chefe do grupo e seus alunos. Posteriormente, com o crescimento da equipe, o aumento do número de apresentações de dança, a implementação de projetos de grande envergadura (performances coreográficas, programas de espetáculos, musicais), o quadro de professores também aumenta. Aparece a própria cômoda, figurinista, gerente, produtora, diretora financeira. Ressalto que nas fases iniciais da formação de uma equipe, o líder reúne todos os cargos acima e exerce suas funções. Ao longo de muitos anos de pesquisa, muitas classificações diferentes dessas funções foram propostas. Sua diferenciação é condicional, pois na prática todas as funções estão inextricavelmente ligadas entre si e mutuamente entrelaçadas. Para realizar o processo atividade pedagógica em uma equipe coreográfica, o líder deve ter as seguintes funções: Tkachenko S.T. Trabalhe com um grupo de dança. - M.: Pedagogia, 1998. - S. 45.

1. Comunicativo. Uma função muito importante que o professor precisa formar e desenvolver. Essa é a capacidade de comunicação pedagógica com os alunos. Sua especificidade reside no fato de que tal comunicação é realizada sob a orientação de um professor e visa a resolução de problemas educacionais. A comunicação pedagógica na equipe coreográfica é diversificada. Inclui também a relação direta do professor com os alunos e os alunos entre si: sua empatia e compreensão mútua, a troca de informações, sua interação entre si. Em alguns casos, a comunicação entre o professor e os alunos é estabelecida no processo de aulas e ensaios, em outros - no processo de discussão de concursos e competições. 2. Função organizacional. O professor também precisa ter habilidades organizacionais. Em primeiro lugar, afetam a capacidade de planejar suas atividades, em que se funde sua preparação profissional, coreográfica e psicológica. O plano deve alternar entre diferentes componentes de trabalho com os alunos; de exercícios intensos a curtos intervalos de descanso. As habilidades organizacionais também são caracterizadas pela forma como as aulas bem planejadas são realizadas no processo educacional real. Aulas bem organizadas deixam os alunos com uma sensação de satisfação: hoje eles receberam conhecimento, dominaram novos movimentos de dança, consolidaram o que aprenderam anteriormente. Tkachenko S.T. Trabalhe com um grupo de dança. - M.: Pedagogia, 1998. - S. 45.

As habilidades organizacionais do professor afetam diretamente a eficácia de cada sessão de treinamento e todo o processo de aprendizagem como um todo. De fato, se, por exemplo, um professor é um excelente dançarino e adora trabalhar com crianças, mas não possui habilidades organizacionais, suas aulas podem se tornar improdutivas.

Para obter sucesso na consecução dos objetivos traçados e estar pronto para superar as dificuldades que surgem na processo educacional, o professor deve desenvolver as qualidades volitivas necessárias. A vontade do professor manifesta-se na sua determinação, perseverança e perseverança no trabalho para melhorar as competências profissionais e pedagógicas. Uma qualidade volitiva igualmente importante é a capacidade de controlar a si mesmo. Manifesta-se no fato de que, mesmo em circunstâncias desagradáveis ​​(por exemplo, um aluno na presença de toda a equipe expressa insatisfação com algo), o professor tem resistência e paciência, e isso o ajuda a lidar com sucesso com as dificuldades que surgiram.

O processo pedagógico em qualquer equipe - industrial, trabalhista, científico, escolar (aluno), aluno - é específico na organização, conteúdo, metodologia e meios utilizados. Essa especificidade também é determinada pela natureza e assunto principal da atividade realizada pelos membros da equipe.

Um grupo artístico não é exceção nesse sentido, o tema principal de sua atividade é a arte, e o objetivo principal é a formação e satisfação das necessidades espirituais e estéticas das pessoas. Em um grupo artístico amador, esse objetivo se transforma na área de resolução de problemas educacionais, principalmente entre os performers diretos. O processo pedagógico é realizado pelo envolvimento em atividades artísticas, criativas e socioculturais. Esta atividade é realizada durante as aulas educativas, de ensaio, artísticas e educativas, performances de concertos.

O papel da arte no processo de formação da personalidade pode ser definido como corretivo, enriquecedor, potencializador da influência moral, estética e criativa do trabalho e das condições ambientais. A arte em certo sentido e sob certas condições contribui para a resolução de contradições emergentes no processo de desenvolvimento personalidade criativa, remove fatores desarmônicos, cria um certo fundo artístico.

O papel de um grupo de arte amador como unidade de concerto, o criador de obras de arte originais ou seu intérprete é de valor relativo, o problema de sua orientação pedagógica, o cumprimento de sua função sócio-pedagógica, vem à tona.

Qual é a especificidade da arte como matéria da educação, meio de desenvolvimento integral e harmonioso do indivíduo?

Em primeiro lugar, deve-se enfatizar que a arte não é a única forma de consciência pública que forma a personalidade. A carga educacional é realizada pela ciência, política, ideologia, moral e direito. Mas o impacto de cada uma dessas formas de consciência social é local. A moral determina a educação moral, a lei - legal, a ideologia, a política - a ideológica e a visão de mundo.

A arte, influenciando a consciência, o mundo espiritual e emocional de uma pessoa, forma sua imagem integral, promove ativamente o crescimento espiritual, traz convicções ideológicas e morais, estimula a atividade socialmente transformadora, aprimora a cultura política, a cultura do trabalho e da vida.

O jogo estético, o entretenimento traduzem imperceptivelmente a riqueza do conteúdo moral da arte em propriedade pessoal. Uma atitude holística de uma pessoa em relação ao mundo é formada, uma marca é deixada em todos os aspectos de sua vida e atividade, nos relacionamentos, na compreensão do propósito e do significado da vida. A arte aguça a mente, enobrece moralmente os sentidos, amplia os horizontes. O processo de impacto "catártico" - "limpador" da arte, é claro, é complexo e ambíguo. Está ligado por raízes profundas com os fenômenos que ocorrem na psique, o mundo espiritual do indivíduo; é influenciada direta ou indiretamente por fatores da vida social, que podem aumentar ou diminuir a eficácia do processo.

Psicólogos soviéticos, principalmente L. Vygotsky, S. Rubinshtein, B. Teplov, L. Yakobson, analisaram de forma bastante abrangente e profunda e confirmaram experimentalmente a influência da arte no desenvolvimento da personalidade: mental, moral, estético; revelou a natureza das habilidades artísticas e a predisposição humana para a arte como forma de atividade.

O principal sinal da interação da arte com uma pessoa é a profunda base emocional e sensual desse processo. No entanto, a intensidade emocional vários tipos atividades não são as mesmas. NO conhecimento científico as emoções são subordinadas, de fundo. Aqui em primeiro plano está o pensamento, a consciência. Na arte, a prática artística, as emoções, a experiência emocional e sensorial são dominantes. A partir deles, surgem tanto uma visão consciente, ideológico-figurativa, quanto uma compreensão do conteúdo da arte.

O pensamento emocional, ou pensamento com emoções, que surgiu como resultado do contato com a arte, tem uma saída direta para as ações humanas, seu conteúdo semântico e emocional. Emoções, sentimentos, como você sabe, não são o produto final da atividade mental. Eles aparecem como um resultado muito específico (com certa convenção do termo) da influência da arte, manifestando-se na forma de certas ações ou dando a essas ações um colorido apropriado. Influenciando ações, motivos de comportamento, as emoções adquirem contornos visíveis e formas de manifestação.

Essa característica da atividade emocional e psicológica de uma pessoa no processo de perceber a arte determina a intensidade de seu enriquecimento artístico, estético e moral, o processo de desenvolvimento de habilidades artísticas e criativas.

A originalidade dos resultados da criatividade na arte amadora pode ser considerada tanto do ponto de vista artístico e estético, quanto pessoal-subjetivo, ou seja, do ponto de vista do que dá a uma pessoa como artista e como pessoa .

Atuar em um grupo amador está associado ao processo de criação de valores estéticos e espirituais. Um deles é uma profunda socialização moral, a perfeição moral de uma pessoa. Esta atividade pode consistir na solução independente ou encontrar formas de resolver vários problemas artísticos e criativos. Há uma criação ativa da personalidade, o desenvolvimento de todos os seus aspectos e potencial espiritual e criativo. Além disso, esse potencial é realizado não apenas no campo da prática artística, mas também em todo o sistema de relações humanas com os outros. Uma abordagem criativa para resolver problemas emergentes torna-se seu hábito natural, uma característica essencial.

A eficácia da atividade criativa pode ser determinada pela formação de um tipo criativo de personalidade com sua ajuda. Este critério é decisivo para o amador Criatividade artística porque esta tarefa é a mais importante de suas funções.

PRINCÍPIOS PEDAGÓGICOS DO TRABALHO COM UMA EQUIPE COREOGRÁFICA

professor de adicional

educação MAOU DOD "TSDOD"

CONTEÚDO

I. Introdução

II Princípios pedagógicos do trabalho em equipe coreográfica, seu significado

1.1. Princípio de atividade

1.2. O princípio da visibilidade

1.3. O princípio da acessibilidade

1.4. O princípio da sistemática

1.5. O princípio da força do conhecimento adquirido

III Conclusão

Bibliografia

O tema destas diretrizes não foi escolhido por acaso, é relevante e oportuno, e o problema refletido neste tópico tem importância para uma instituição de ensino.

Existem certas razões para isso. Muitos jovens coreógrafos, depois de formados em instituições de ensino superior e médio, enfrentam uma das mais questões importantes ao organizar o trabalho em sua própria equipe coreográfica.

Como construir o processo de trabalho de forma a alcançar a maior eficácia da aprendizagem, como transformar mais corretamente seu conhecimento profissional em habilidades criativas.

Portanto, o objetivo principal dos dados diretrizesé ajudar jovens profissionais na organização do processo de trabalho com uma equipe coreográfica. Melhorar a eficácia do treino através de um processo de trabalho competente e logicamente estruturado, aumentar o nível profissional da equipa coreográfica são os principais objetivos destas recomendações.

O processo de aprendizagem em um grupo coreográfico amador difere significativamente do processo de aprendizagem das escolas de arte, escolas coreográficas e instituições culturais. Em um grupo amador, na maioria das vezes está associado a performances, o que por sua vez exige uma redução no curso de estudos. Portanto, com base nas condições e capacidades da equipe, o líder deve construir adequadamente o processo de aprendizagem.

Diferentes cientistas alocam um número diferente de princípios de aprendizagem: 4,5,7 ou mais.

Considerando as especificidades de um grupo coreográfico amador, identifiquei o seguinte:

1. princípio de atividade

2. o princípio da visibilidade

3. o princípio da acessibilidade

4. o princípio da sistemática

5. o princípio da força do conhecimento

1. O princípio da atividade

Este princípio caracteriza a atitude de uma pessoa em relação à realidade, sua posição, manifestada na realidade, aprendizado, criatividade.

A atividade traz, em primeiro lugar:

independência, quando as ações e palavras do professor despertam o pensamento do aluno, o desejo de repetir o movimento

· a cultura do movimento, quando a técnica é preferida à força.

Mas deve-se notar que a atividade não deve ser muito imitativa. É claro que, no início, as crianças involuntariamente emprestam o estilo de atuação de seu professor. Então, quando eles têm confiança em suas habilidades e alguma independência de ação, eles devem ser gradualmente convidados a colocar seu sentimento performático, sua atitude em relação a ele em cada tarefa educativa, ou seja, mostrar seu próprio modo de movimento. É preciso garantir que os alunos demonstrem sinceridade e ingenuidade de ação, para que não “brinquem” o modo de movimento, mas que ele nasça naturalmente, e não sob compulsão. Tal abordagem permitirá ao aluno “encontrar a si mesmo”, sua individualidade.

Nesse princípio pedagógico, o principal para o professor é:

1. explicar o propósito e o significado do movimento

2. construir sobre o aprendido no novo

3. aplicar relatório verbal, analisar as causas dos erros antes de corrigi-los

4. aplique o método de recompensa

5. abordagem individual

Como a equipe é composta por crianças de diferentes talentos, os resultados de aprendizagem serão diferentes uns dos outros. Nem todos eles podem dominar um alto grau técnicas de dança clássica. Nesse caso, o professor é obrigado a fazer tudo o que estiver ao seu alcance para que o aluno alcance os melhores resultados. Se isso não for possível, então o programa para este aluno deve ser considerado esgotado. Que os resultados sejam diferentes, mas todos devem dominar a cultura performática da dança dentro de suas capacidades profissionais.

Ao estabelecer uma meta, por exemplo, dominar um movimento, os alunos devem prestar atenção ao papel da vontade, perseverança, perseverança e domínio consciente das habilidades.

2. O princípio da visibilidade

É a partir desse princípio que se deve começar a dar vida a todos os outros princípios da equipe coreográfica e todos os dias começar a trabalhar a partir desse princípio.

“A forma como o professor entra na aula, como a mantém ao longo, mostra as tarefas de aprendizagem, etc., depende do acúmulo de certas impressões e experiências na memória do aluno. Portanto, todas as ações de um professor devem ser distinguidas pelo rigoroso cálculo pedagógico, perseverança, simplicidade, bom gosto, entusiasmo genuíno e amor pelos alunos ”, observou (o famoso curador melhores tradições escola de balé clássico russo).

Na prática, o princípio da visibilidade é realizado de acordo com a regra “do simples ao complexo”:

1. nome do movimento ou combinação

3. Pequena descrição e sequência de execução

4. execute novamente (se necessário)

5. explicação (destacando os principais elementos)

6. compreensão da técnica de desempenho

Deve-se notar especialmente que o método de demonstração visual deve ajudar a criança a entender e dominar as regras de execução da técnica de movimento.

O desenvolvimento mais rápido do movimento ajuda:

Ritmo e andamento

· assistência física(máquina, mão do professor)

exibição correta

NO grupo júnior novos movimentos devem ser mostrados em detalhes, lentamente, como se estivessem em armazéns, várias vezes, até que os alunos estejam totalmente dominados.

NO grupo do meio a demonstração é necessária em menor grau, pois a idade, a consciência e a preparação técnica permitem que os alunos memorizem e dominem rapidamente novos movimentos.

No grupo mais antigo, a tela deve ser usada com ainda mais parcimônia.

Por experiência própria, estava convencido de que, por exemplo, em tarefas de exercício, apenas o elo principal, o desenho principal de sua construção, deve ser mostrado, e é melhor mostrar o adaqio na íntegra. Os saltos simples podem ser mostrados da mesma forma que os movimentos do exercício, mas os saltos complexos podem ser mostrados em sua totalidade. Isso evita a perda involuntária de tempo e a desaceleração do ritmo da aula.

Eu destacaria algumas regras para o professor na implementação deste princípio:

1. o show deve ser pensado e metodicamente competente

2. levar em consideração a prontidão física e mental dos alunos para as aulas

3. levar em consideração as características individuais dos alunos

4. a emotividade deve se tornar um dos principais elementos na condução das aulas

É o princípio da visibilidade que bem educa e fortalece a memória do aluno, principalmente a memória visual, pois a memória visual fixa em sua mente tudo o que o professor mostrou e lhe mostra, e também educa a memória de atuação do aluno e a cultura de comportamento.

Concordo plenamente com as palavras de um conhecido psicólogo, pensador humanista tcheco, professor: “Se pretendemos incutir conhecimento verdadeiro e confiável nos alunos, devemos geralmente nos esforçar para ensinar tudo com a ajuda da observação pessoal e da visualização sensorial. ”

3. O princípio da acessibilidade

O mais importante neste princípio de trabalho para o professor, acho que:

Ao mostrar algo novo, é necessário confiar na condição - do fácil ao difícil, do simples ao complexo, do conhecido ao desconhecido

levar em conta a individualidade das crianças - gênero. Idade, temperamento, prontidão técnica, estado de saúde

Aumente as demandas dos fortes, encoraje os fracos

Procure a causa do erro junto com os alunos

O líder deve conhecer o nível de desenvolvimento e potencial das crianças. A violação desta regra pode afetar negativamente a motivação dos alunos para se envolverem na coreografia.

Mas o princípio da acessibilidade envolve a superação constante de dificuldades, estresse emocional, intelectual, físico.

Em primeiro lugar, eles devem estar disponíveis:

show-explicação

Técnica de execução

Ao definir a quantidade de conhecimento que pode ser adquirida, o professor pode dar tarefas que estão à frente do nível alcançado, o que ativa os alunos a superar novas dificuldades e os torna interessados. Mas, para evitar a fadiga do corpo da criança, é necessário alternar períodos de estresse com períodos de descanso. Isso permitirá que você restaure a força e esteja pronto para realizar tarefas ainda mais difíceis.

4. O princípio da acessibilidade

Este princípio visa principalmente consolidar conhecimentos, habilidades, qualidades pessoais previamente adquiridos, seu desenvolvimento e aprimoramento consistentes.

A sequência de movimentos de estudo é oferecida pelo programa educacional do sujeito ( dança clássica, dança folclórica), que é compilado com base em currículo e estabelece o conteúdo, o sistema e o alcance do conhecimento que deve ser aprendido pelos alunos. Cada ano letivo do programa está intrinsecamente ligado ao seguinte.

NO grupo júnior (7-8 anos) uma fundação é estabelecida, sem a qual a habilidade do futuro dançarino não pode crescer e se desenvolver no futuro.

Com base em minha própria experiência, cheguei à conclusão de que quanto mais muda o ritmo da aula e quanto mais a técnica de demonstração é usada (a palavra é limitada), quanto mais variada, emocional, expressiva a fala, melhor a criança percebe o que o professor exige dele, melhor a educação da cultura musical e da cultura de comportamento, e o mais importante - a educação da performance coletiva.

É necessário construir uma lição sobre elementos rítmicos, de jogo e movimentos de dança de salão, e depois introduzir gradualmente os movimentos de dança de palco clássica e folclórica no treinamento.

No cerne do repertório, na minha opinião, deveria haver mais enredo, danças alegres, movimentadas, mas ao mesmo tempo acessíveis à percepção.

NO grupo do meio (9-12 anos), contando com a base preparatória no grupo mais jovem, os alunos dominam e desenvolvem técnicas de execução mais difíceis. Com base em minhas atividades de ensino, posso aconselhar a não se deixar levar por mudanças frequentes de tempo e ritmo, focar mais no positivo, punir uma má conduta uma vez e depois não mencioná-la, coordenar o sucesso na dança com o sucesso na escola. como nessa idade há uma inclinação para a dança efetiva, as danças de enredo devem ser encenadas e os meninos devem ter seu próprio repertório.

NO grupo sénior (13-15 anos) finalmente concluído e melhorado mais parte difícil programas baseados nas realizações dos grupos anteriores. Aqui eu aconselharia um professor iniciante a cultivar mais o gosto artístico dos alunos por meio de conversas, excursões, museus, teatros, seguidos de uma discussão do repertório. É preciso criticar não a personalidade da criança, mas o ato, para desenvolver mais técnica coreográfica (rotação, velocidade, agilidade, força, resistência, aplicar uma abordagem individual até a instrução de ministrar aulas com o grupo mais jovem.

Ao formar o repertório, é necessário levar em conta que coordenação complexa, precisão já estão disponíveis e personagens concretos, mundanos, imagens, enredos já são estranhos a eles. Se uma das seções do programa for trabalhada pelo professor técnica e artisticamente inferior, uma falha irreparável se formará no curso geral do estudo.

A sistematicidade prevê a regularidade das aulas e a lógica de apresentação consistente do material - do simples ao complexo por meio de técnicas: explicação, demonstração, repetição, consolidação.

Considero importante para um professor:

1. planejar sequencialmente o estudo do movimento

2. não supere várias dificuldades ao mesmo tempo

3. siga as regras da lição e suas partes

Quanto mais jovem a equipe em termos de tempo de existência, mais tempo é alocado para o exercício. Também é necessário convencer os alunos de que o sucesso no domínio da dança só pode ser alcançado como resultado de uma frequência sistemática e trabalho árduo.

No curso do treinamento, por assim dizer, há uma ligação de material novo previamente aprendido. A educação, sua estrutura interna adquire harmonia, integridade. É a natureza sistemática da construção das aulas que caracteriza o profissionalismo do professor.

Este princípio pedagógico ajuda a organizar o processo educacional de forma correta e lógica e, assim, permite alcançar ótimos resultados em menos tempo.

5. O princípio da força do conhecimento adquirido

Este princípio é alcançado através da repetição sistemática de ações em condições constantes. A força do conhecimento é muito influenciada pela emotividade do processo educativo, seu fascínio. Isso desenvolve o interesse dos alunos.

O professor deve lembrar que não se pode passar para um novo material sem dominar o anterior; repetir aprendido em combinações e combinações; evite longas pausas nas aulas, ensaios, shows.

Também é necessário consolidar o conhecimento alterando as condições: desempenho para avaliação, presença dos pais ou de um professor na aula. De fato, a prática prova que na presença de alguém na aula ou, realizando para avaliação, a criança mostra grande diligência, atenção, expressividade.

O princípio da força do conhecimento adquirido é um indicador da eficácia do treinamento, serve de base para o desenvolvimento da tecnologia e expressividade das crianças.

Resumindo tudo isso, deve-se notar que todos esses princípios pedagógicos de aprendizagem estão interligados e ignorar pelo menos um deles implica em uma diminuição na eficácia da aprendizagem.

A unidade de todos esses princípios, sua interação harmoniosa ajuda o professor a construir seu trabalho como um processo pedagógico holístico que contribui para o aprimoramento físico da personalidade de cada membro da equipe por meio da arte da dança, da educação do pensamento coreográfico , musicalidade, gosto artístico, senso de beleza, ajudando a avaliar corretamente os fenômenos da vida e da arte.

Somente o trabalho constante de aperfeiçoamento dos métodos de ensino, a busca de novas formas e métodos de ensino, o trabalho sobre si mesmo, o trabalho com literatura metódica permitiu-me alcançar certos resultados, e isso é evidenciado pela participação em vários concertos organizados pelo MAOU DOD "TSDOD", prémios em concursos-festivais de vários níveis, prémios em concursos de perícia profissional nas nomeações "Melhor produção coreográfica". Tudo isso dá um impulso ainda maior para melhorar a qualidade da preparação da equipe coreográfica.

É uma combinação competente e lógica de todos os princípios de trabalho acima que permitirão jovem especialista alcançar o máximo de resultados na atividade pedagógica, melhorar nível profissional sua equipe coreográfica e encontre seu lugar no processo criativo.

Bibliografia

1.Dança de Tarasov. – M.: arte, 1971.

2. Vasilyeva, que quer estudar balé. Auxílio didático: - M.: ed. "GITIS", 1994.

3.Enciclopédia Ballet. – M.: “Corujas. Enciclopédia", 1981.

4. Características do movimento de Lubomirsky em crianças e adolescentes. – M.: 1979.

5. Sorrateiro. – M.: Iluminismo, 1992.

A influência da arte coreográfica profissional na criatividade amadora.

Atividades de concerto e performance de um grupo coreográfico amador.

Gestão do processo educativo em um grupo coreográfico amador.

A essência dos conceitos de "educação", "processo educativo", " atividade educacional”, “educação estética”. Metas e objetivos da educação. Interação do professor e membros da equipe coreográfica nas condições do processo educativo.

Métodos de educação (de acordo com G.I. Shchukina):

Métodos de formação da consciência;

Métodos de formação do comportamento;

Métodos de formação de sentimentos e relacionamentos.

Formas e métodos de organização do processo educativo em um grupo coreográfico amador.

Atividade performática do grupo, sua orientação educacional e criativa. Tipos de espectáculos de palco: concertos, reportagens criativas, críticas, festivais, concursos, etc. Características da organização de espectáculos de digressão. Critérios de avaliação da criatividade de grupos coreográficos amadores. As principais formas de programas de concertos modernos. Concerto mono como a principal forma de programas de concerto. Tipos de programas de concertos (concerto temático, concerto teatral, concerto festivo, concerto Arte folclórica, concerto pop, concerto musical, concerto infantil, concerto literário). Definição do concerto "conceito".

Formas de reportagem de programas de concerto em arte coreográfica: aula aberta, competição, aula-concerto, concerto de reportagem.

Estrutura aula aberta. Características da preparação da competição.

A esfera de atuação dos grupos coreográficos profissionais. Competências profissionais coreógrafo-chefe, coreógrafo-diretor, coreógrafo-repetiteur, bailarino, chefe de camarim. Formação de pessoal profissional no domínio da arte coreográfica. A relação entre arte coreográfica profissional e criatividade amadora.

6.3 Disciplina acadêmica "Pedagogia em grupos coreográficos amadores"

O conceito de educação em dança como processo e resultado da assimilação de um determinado sistema de conhecimento. ensino de dança. Os principais tipos de atividade criativa na educação coreográfica. Qualidades pessoais professor-líder (definir a posição sobre os objetivos de desenvolvimento da equipe, esforçando-se para identificar e desenvolver suas potencialidades, as capacidades da equipe).

Imagem professor moderno, como componente trabalho de sucesso. Cultura da fala (grau de perfeição, expressividade, forma educada de se dirigir aos participantes), fala profissional (conhecimento da terminologia, seu uso correto, pronúncia). A entonação como meio de expressão Significados diferentes expressivo coloração emocional. Mimetismo e plasticidade (movimentos expressivos dos músculos da face e do corpo, uma forma de manifestação dos sentimentos humanos) como base do método de ilustração de movimentos e figuras. Emancipação física e psicológica.

FACULDADE REGIONAL DE CULTURA DE ALTAI

Especialidade 071302

“Atividades socioculturais e

Arte folclórica"

na disciplina "Composição e encenação de dança"

"Trabalho educativo e educativo-criativo

no grupo coreográfico"

Barnaul 2008

O próprio título do tópico é que temos que destacar dois aspectos aqui. A primeira é o trabalho educativo em equipe, a segunda é o processo educativo e criativo.

Um educador é uma pessoa que realiza um trabalho educacional a fim de formar uma certa visão de mundo, um comportamento moral no educado, desenvolver certos traços de caráter e vontade, hábitos e gostos, desenvolver qualidades morais, físicas e mentais.

Uma pessoa que se dedicou a atividades pedagógicas e educacionais deve possuir muitas qualidades. E desde a coreografia

tem sua própria especificidade, então naturalmente determina a singularidade

professor coreógrafo.

Trabalhar na educação dos membros da equipe coreográfica

é muito multifacetado e, acima de tudo, exige do líder, profundo conhecimento do seu assunto. A visão de mundo, os princípios morais e éticos de sua liderança dependem em grande parte da cultura geral e do conhecimento do líder.

alunos.

Para os alunos, tudo o que o professor faz, da primeira à última aula, cada palavra e ação é muito importante. Até sua aparência - esperteza, asseio, precisão, boas maneiras, andar - impressiona seus alunos.

Um aspecto importante na formação dos membros da equipe é a qualidade de um líder como a perseverança, a capacidade de gerenciar suas emoções e sentimentos, de não perder o senso de controle sobre seu comportamento em qualquer situação e a qualquer momento.

As pessoas dedicam seu tempo livre de trabalho e estudo a aulas em uma equipe amadora. Essas atividades tornam-se uma forma de comunicação com pessoas interessantes, participação na vida pública,

Diante dele está o excitante e abrangente mundo da música e da dança.

Aqui o participante recebe desenvolvimento intelectual, eleva o nível cultural e ideológico. Se por muito tempo o performer é educado em material completo (literatura, história,

música, coreografia, etc.), forma o gosto, os apegos criativos, os interesses - a personalidade é criada e formada por meio da arte.

Mesmo um performer capaz, mas novato, não consegue dominar e reproduzir criações significativas no palco, por isso o processo educativo de aprender os segredos da criatividade é importante. Ou seja, o performer é um pré-requisito para a formação artística, por um lado, e por outro, a garantia de um resultado artístico – a criação de uma obra cênica.

O conhecimento da história e da cultura é educação no sentido mais amplo. Com base no amor pela arte, patriotismo

Sentimentos, expandindo horizontes. Este processo é criativo, ativo, não desprovido de autocriação, não substituindo a iniciativa por instruções.

A educação em equipe consiste em vários componentes.

Uma delas é a disciplina, que, por sua vez, é composta e

a atitude dos participantes em relação às aulas, seus companheiros, o líder, que aqui desempenha um papel de liderança. De quanto o líder é

modelo de disciplina, na medida em que conseguiu interessar os participantes, cativar,

para encorajar seu sucesso a tempo, para fazer uma observação com tato e justiça, o resultado da atividade de cada participante e de toda a equipe depende.

Equipa bem coordenada, estável e criativa

Serve como critério para avaliar as qualidades profissionais, criativas e pedagógicas de um líder. O trabalho educativo é uma das vertentes mais importantes e complexas da sua obra, onde o princípio principal é a formação de um bailarino em equipa, para uma equipa, através de uma equipa.

A conscientização por parte de cada participante dos objetivos sociais contribui para

Criação de coesão e atividade criativa. O trabalho torna-se promissor, cria-se o interesse dos participantes pelas atividades da equipe.

A disciplina no trabalho social, criativo, performático e educativo está sempre associada à performance, à criação de

repertório artístico.

Um ponto importante na formação da equipe como um todo e

cada participante em particular é o repertório. Do seu conteúdo

a formação ideológica, estética e artística não só do coletivo, mas também do espectador, depende em grande parte.

O líder, abrindo a porta para o belo, junto com pessoas afins segue por caminhos invictos, e resolvidos por ele,

Como profissional, as tarefas criativas tornam-se próximas aos membros da equipe. Ao tornarem-se co-criadores, eles próprios adquirem a capacidade de criar valores artísticos.

A integridade, nascida do conhecimento, penetração na essência do material, desempenha um papel positivo na implementação dessa função educativa, que é um dos aspectos mais fortes da arte. Benefícios

A partir disso para os participantes não pode ser superestimada. A equipe vive rica e

interessante quando nele se formam pessoas criativamente entusiasmadas,

quando seu pensamento criativo produz resultados significativos. Assim, o processo de formação e nascimento de uma equipe criativa pode ocorrer desde que o processo educativo e criativo:

* proposital (dominar tecnologia, elementos de habilidade), dá a ele um endereço visível e estimula o interesse;

* cativa com o caminho desconhecido, a natureza da busca e a oportunidade de mostrar iniciativa criativa;

* não domina a inacessibilidade de imagens de performance por mestres - performers;

* permite observar o processo de criação de um novo e participar dele;

* estimula a cognição (leitura de materiais, busca de protótipos, exemplos musicais, fontes etnográficas);

* enriquece a satisfação com novas descobertas.

Concentrar os interesses dos membros da equipe deve

líder - criador - personalidade. Para criar um organismo unificado, deve-se levar em conta os interesses daqueles que se dedicaram à arte,

portanto, ele deve ser um professor talentoso, habilmente organizando

processo de aprendizagem em todas as fases do desenvolvimento.

Começando a criar um trabalho coreográfico, para mais

Divulgação completa de seu tema, ideias, imagens, o líder deve envolver os membros da equipe neste trabalho; organize para eles vários encontros com mestres de arte, espetáculos de exibição, filmes, excursões a lugares de glória militar, museus, conhecimento de monumentos antigos. O líder chama a atenção dos participantes para como suas impressões e conhecimentos podem ser aplicados na criação de uma imagem artística. Se houvesse um programa de concertos

ou um filme, é preciso apontar as características das danças folclóricas, o método criativo do artista - coreógrafo, usando exemplos específicos. Essas discussões devem ser conduzidas de forma simples e acessível.

O líder também pode instruir os membros da equipe a completar algumas tarefas para coletar material adicional,

necessário para criar uma futura composição coreográfica.

Viagens especialmente organizadas a regiões e aldeias para feriados realizados em uma determinada área podem dar muita utilidade, especialmente se grupos folclóricos participarem desses feriados, cujo repertório são canções e danças de sua terra natal.

Encontros com arte popular, com pessoas que conhecem e amam bem a dança folclórica, ajudam a compreender melhor a constituição psicológica do caráter das pessoas que criaram a dança, formas nos participantes

ideia dos valores artísticos da dança folclórica.

A formação artística e estética da equipe também é realizada em

o processo de trabalho educativo e criativo. O próprio nome "Educação e criatividade

trabalho" diz que combina, por um lado, conhecimento e

dominar a linguagem da dança, movimentos de dança, gestos, posturas, adquirir habilidades em técnicas de performance e, por outro lado, a capacidade de expressar vários humores com a ajuda desses movimentos de dança condicionais. Ambos os lados são unidade e interconexão inseparáveis.

Todo o processo educacional e criativo começa com uma reunião de equipe,

onde seu tipo e gênero são definidos, é dito sobre as tarefas da equipe amadora e desta equipe em particular. Se for uma equipe infantil, é realizada uma conversa com os pais. São estabelecidos dias e horários regulares de aulas, que em nenhum caso devem ser interrompidos, pois isso acarretará um impacto negativo na disciplina e no sucesso da equipe.

Logo no primeiro encontro, também é indicado naquele momento que cada participante que veio dançar deve ter roupas especiais (uniforme) destinadas a realizar movimentos de dança no

máquina no meio do salão e durante o trabalho de encenação e ensaio.

Cada participante deve ter sua própria roupa (uniforme). melhor ter

Dois conjuntos - um para aulas de dança clássica (parte do traje pode ser usado na apresentação de palco do número), o segundo - para aulas de dança folclórica.

O uniforme de ensaio (vestuário) para aulas de dança clássica inclui:

* Para meninas - um collant (leve nos graus mais baixos), sapatilhas macias, collants (collants) ou meias e sapatilhas nos graus mais baixos.

* Para meninos - collants (leggings) ou shorts escuros nas séries mais baixas,

sapatilhas macias com meias brancas, camisetas (camisetas) com mangas curtas.

NO últimos anos houve um aumento acentuado no interesse pelo balé não apenas como uma forma de

arte acadêmica, mas também como forma de auto-expressão, para a possibilidade de auto-aperfeiçoamento.

O sucesso criativo de qualquer bailarino está intimamente relacionado ao

Sapatos e seleção adequada são parte integrante do sucesso. Mas,

Infelizmente, nem sempre é possível obter ajuda profissional e aconselhamento competente ao escolher sapatos especiais. Crianças nas escolas

em estúdios, círculos, eles recebem seus primeiros conhecimentos e habilidades de um professor, que na maioria das vezes repassa “segredos” já ultrapassados ​​- quebrar sapatos, bater na ponta de uma sapatilha com um martelo - uma “caixa”. Ao mesmo tempo, os professores nem sempre conhecem bem os modelos de sapatos existentes.

Sapatos, como você sabe, são o dispositivo mais importante para realizar movimentos de dança no balé clássico. O pé do artista trabalha em posições e movimentos muito além de seus limites naturais. A natureza não fisiológica de alguns movimentos de balé, sapatos selecionados inadequadamente levam a lesões e doenças ocupacionais.

Os mais comuns são:

1. Pé plano transversal + desvio em valgo do polegar - 80%.

2. Pés chatos longitudinais - 5%.

3 . Calosidade - 66%.

quatro. Dedos em forma de martelo - 27,3%.

Este é um lado do problema. O outro lado, pensamos, é

Muito baixa consciência de sapatos de dança, suas características construtivas e tecnológicas. Muitas vezes temos que observar casos em que os bailarinos simplesmente se perdem na hora de escolher os sapatos. Afinal, sabe-se que não existe um sistema para sua seleção. Cada fabricante produz modelos diferentes com marcações diferentes e, em tal situação, é fácil ficar confuso. Para evitar isso e ajudar o artista em sua escolha, o escritório

O primeiro passo é decidir sobre um modelo de ponta. A empresa produz os principais modelos: "Vaganova", "Maya II" para bailarinas com alta e moderada

arranha-céus; "Fouette", "Maya I" para bailarinas com altura normal; "Elite", "Grihsko 2007" - modelos universais para todos os tipos de pés. Na sola do sapato, são aplicadas marcações - modelo, tamanho, completude, grau de rigidez dos detalhes do fundo. Cada modelo é produzido em 17 tamanhos e marcado em polegadas.

Para transferir o tamanho para outro sistema de numeração (massa de barras ou métrico), existe uma tabela especial nas lojas Grinsko. Cada modelo

É produzido em 5 enchidos e é marcado com o emblema “X” O plissado é determinado pela circunferência do pé ao longo das travessas interna e externa.

As sapatilhas de ponta são produzidas com 5 graus de rigidez (resistência) das partes inferiores e são marcadas com SS. S.M.K.S.H. - respectivamente super macio, macio, médio, duro, super duro. A seleção de sapatos deve depender da altura do peito do pé e do desenvolvimento do sistema musculoesquelético. Da prática sabe-se que os proprietários de peito do pé alto são propensos a fraturas, entorses do pé, e são recomendados sapatos com maior rigidez SH,