El ensayo es el eslabón principal en el trabajo pedagógico, organizativo, metodológico, educativo con aficionados. equipo coreográfico(círculo)

ensayo educativo coreográfico planificación

El ensayo es un proceso artístico y pedagógico complejo, que se basa en la actividad creativa colectiva, lo que implica un cierto nivel de formación de los participantes. El ensayo es el eslabón principal en todo el proceso educativo, organizativo, metodológico, educativo y trabajo educativo con el equipo Por ensayo, puedes juzgar el nivel. actividad creativa equipo, su orientación estética y la naturaleza de los principios de actuación, así como el nivel de formación del líder.

Un ensayo se puede imaginar como un ejercicio colectivo de acabado artístico, escénico y técnico, elaborando obras de arte, dotándolas de integridad estética y originalidad. En el salón de clases se aprenden fiestas, roles, movimientos en el escenario, pasos de baile, que luego se unen en un todo único: un baile, una canción, una actuación, una obra musical o coral. Cabe señalar que la división de clases en ensayo y actuación educativa es condicional. Dominando el texto, el aspecto técnico de la actuación a menudo ocurre durante el ensayo. Una parte importante de las sesiones de formación en un grupo de arte amateur se transforma y se incluye en la etapa inicial de ensayo.

Una serie de factores tienen un impacto significativo en la metodología del trabajo de ensayo en un equipo creativo amateur:

• - el grado de preparación del equipo en términos técnicos y artísticos;
• - el grado de dificultad del trabajo elegido para el aprendizaje;
• - condiciones, tiempo, número de ensayos previstos para el aprendizaje de una nueva obra;
• - el estado de ánimo de los participantes, la experiencia del líder.

Cada líder desarrolla su propia metodología para construir y conducir clases de ensayo. Sin embargo, es necesario conocer los principios básicos y las condiciones para realizar un ensayo, sobre la base de los cuales cada líder puede elegir o seleccionar los métodos y formas de trabajo que correspondan a su estilo creativo individual.

La experiencia acumulada del arte profesional puede desempeñar un papel muy importante en el desarrollo de métodos generales y particulares de trabajo de ensayo.

La calidad del trabajo de ensayo, su eficacia pedagógica depende de una serie de aspectos organizativos y pedagógicos. En primer lugar, el director debe llegar al ensayo 20-30 minutos antes de la hora acordada, verificar la disponibilidad y calidad de la utilería, instrumentos, consolas, fiestas y otros accesorios necesarios. En las representaciones corales, orquestales y teatrales de aficionados, es obligatorio comprobar las voces de las partes o el texto de los papeles antes del ensayo. Las partes manuscritas, los textos deben cotejarse con la partitura o el texto impreso para evitar errores. Solo asegurándose personalmente de que todo esté listo para el trabajo, puede evitar muchas paradas durante el ensayo.

Las llamadas inesperadas del líder, por ejemplo, al teléfono, a los visitantes, se consideran una violación grave, lo que tiene un efecto negativo en el estado de ánimo creativo de los participantes.

Tienes que empezar el ensayo a tiempo, pase lo que pase. Cuántos participantes vinieron. Esto les enseñará a todos a venir al ensayo 10-15 minutos antes del comienzo. La actitud irresponsable de unos irrita, relaja en cierto sentido a otros. Así, el inicio del ensayo en estricto fijar tiempo- este es un requisito ético, pedagógico, artístico y estético.

En grupos de aficionados de varios géneros - coral, orquesta, danza, teatro - el ensayo comienza con la preparación preliminar de los participantes para ello de manera adecuada. En los grupos de baile, se lleva a cabo un calentamiento para calentar a los artistas, prepararlos para el entrenamiento a largo plazo y el trabajo de ensayo. En los coros folclóricos y académicos se canta a los participantes. El canto cuidadoso asegura una buena respiración, un sonido uniforme y una buena dicción. La condición de trabajo del cantante depende en gran medida de ajuste correcto voces, ejercicios especiales permanentes. En las orquestas de viento, folclóricas, antes del ensayo, se realiza una minuciosa afinación de los instrumentos musicales. La pureza del sonido de los instrumentos, la estructura de la orquesta en su conjunto, depende de la afinación.

Las medidas enumeradas del orden organizativo y técnico tienen un gran significado educativo. El ensayo también presenta enormes oportunidades en términos de influencia artística y pedagógica. En el proceso de ensayos, todo se verifica y se memoriza cuidadosamente: trazos, matices, pas, puesta en escena. Paralelamente, se produce una asimilación por parte de los participantes de la experiencia emocional y moral inherente a la obra de arte. Por lo tanto, cuanto más escrupulosamente y con más determinación procesamiento artístico obras de teatro, canciones, bailes, más profundas son las transformaciones morales y estéticas en la personalidad del participante, actor.

La eficacia pedagógica de un ensayo depende en gran medida de un plan de trabajo hábilmente elaborado. Sin planificación, aparece un elemento de espontaneidad en el ensayo. El plan de ensayo se piensa de antemano y se fija en el papel. El plan puede ser más o menos detallado, detallado o breve. El conocimiento por parte del director de su orquesta, coro, grupo de danza o teatro, su posibilidades creativas le permite planificar con precisión y detalle cada ensayo.

El plan de ensayo incluye las principales actividades y tareas con su desglose detallado. Las tareas deben ser específicas, incluir aspectos técnicos, artísticos, estéticos y pedagógicos.

El ritmo del ensayo es muy importante. No debe ensayar el mismo pasaje más de 2 o 3 veces, incluso si su ejecución no le conviene al líder. Las repeticiones múltiples reducen la atención, la sensibilidad a los gestos, las explicaciones del líder. A veces es recomendable tomar un descanso durante el ensayo. Está más justificado hacerlo 40-45 minutos después del inicio del trabajo. Si el líder necesita realizar un ensayo de 3 horas, debe coordinar este problema con los artistas.

También es importante que el ensayo esté completo. Durante la primera mitad del ensayo, el equipo debe hacer frente a trabajos más complejos: aprender roles o lugares técnica y artísticamente difíciles en obras nuevas que requieren constancia y fuerza de voluntad. En la segunda mitad del ensayo, debe dejar que todo el equipo juegue más, es decir. participar en actividades más creativas: tocar piezas previamente aprendidas con plena dedicación.

A los efectos de una labor educativa más eficaz en el ensayo, es necesario tener en cuenta las características individuales de cada intérprete, tanto en términos personales, psicológicos, como en términos de su formación artística.

La clase concluye con un ensayo general. Su dirección tiene características determinadas por el hecho de que es un ensayo y al mismo tiempo lleva los signos de un concierto. El ensayo general es el último de una determinada etapa de preparación de una obra para un concierto. Resuelve las siguientes tareas: preparar psicológicamente a los participantes para el concierto; comprobar el programa, su alineación y sonido; realizar de la manera más limpia y artística posible cada obra, baile, canción que se interpretará en el concierto. En el ensayo general, no es necesario hacer paradas frecuentes, pero es necesario dejar que los participantes sientan todo el programa como un todo, la combinación y secuencia de números, contribuyendo así a una distribución uniforme de las fuerzas. El ensayo general se realiza mejor en la sala en la que se llevará a cabo la actuación. Los artistas y el líder deben sentir las características acústicas de la sala, adaptarse a las nuevas condiciones.

De lo dicho se deduce que el jefe de ensayo debe proceder en cada caso de las condiciones específicas en las que trabaja un equipo creativo amateur. Sin una organización cuidadosa del trabajo de ensayo, no puede haber entendimiento mutuo entre el líder y el equipo, no puede haber resultado de la actividad creativa de los aficionados.

Se requiere ensayo:

• 1. Comience a tiempo, con un calentamiento.
• 2. Procura no salir de la sala de ensayo al teléfono, al director, etc.
• 3. Asegúrese de planificar un ensayo, de lo contrario aparecerá un elemento de espontaneidad, dispersión, autoflujo.
• 4. Números alternos (fácil con técnicamente complejo, rápido con lento).
• 5. Involucrar no solo a un grupo de intérpretes en el ensayo, sino a todos (si ensayas con dos, el resto también debería estar interesado).
• 6. Los accesorios necesarios deben prepararse con anticipación.
• 7. No debe ensayar el mismo número más de 2-3 veces, después de 40-45 minutos después del inicio del trabajo, debe tomar un descanso.
• 8. El discurso del líder debe ser competente, culto, el tono de los comentarios no debe ser grosero y ofensivo.
• 9. Es necesario distinguir los ensayos de trabajo de los recorridos generales, tienen tareas diferentes.

Obra educativa en proceso de ensayo. clases en un grupo coreográfico

“Trabajar como director es tan difícil como enseñar en una escuela. ¡Este es un trabajo duro! Por ejemplo, hoy no quiero ensayar, pero tengo que hacerlo. ¿Por dónde empezar a crear un ambiente de trabajo? Empieza con amor, con humor, sin perder tu voluntad de hierro.

El ensayo es el eslabón principal en todo trabajo pedagógico, organizativo, metodológico, pedagógico y educativo con el equipo. Según el ensayo, se puede juzgar el nivel de su actividad creativa, la orientación estética general y la naturaleza de los principios de interpretación. Un ensayo puede representarse como un proceso artístico y pedagógico complejo, que se basa en la actividad creativa colectiva, lo que implica un cierto nivel de formación de los participantes. El director artístico se ve obligado a buscar constantemente técnicas y métodos de trabajo con el equipo en los ensayos que le permitan resolver con éxito las tareas creativas y educativas que enfrenta en un período de tiempo determinado. Me gustaría decir acerca de la mayoría puntos importantes organización de los ensayos, y me parece que todo director artístico debería conocer y asegurarse de utilizar estas disposiciones en la organización de los ensayos de su equipo.

Es necesario comenzar el ensayo a tiempo, independientemente de cuántos participantes lleguen a la hora señalada. Esto servirá como una buena lección para aquellos que lleguen tarde y les enseñará a todos a venir al ensayo 10 a 15 minutos antes del comienzo. De lo contrario, sabiendo que el líder retrasa el ensayo debido a la asistencia intempestiva de los participantes, el número de retrasos puede aumentar constantemente, lo que conducirá a la pérdida del tiempo asignado para el ensayo. Esto reduce no solo el impacto artístico del ensayo, sino también su significado educativo, moral y organizativo. La actitud irresponsable de algunos a veces irrita, relaja en cierto sentido a otros, reduce el sentimiento de constante "ardor" creativo en ellos. Aparecen tendencias malsanas de "exclusividad" en el equipo para algunos participantes, la importancia pedagógica del ensayo cae bruscamente. Así, el inicio de los ensayos en un horario estrictamente establecido es un requisito ético, pedagógico, artístico y estético.

El ensayo debe comenzar con un calentamiento para calentar a los artistas, prepararlos para un largo trabajo de estudio y ensayo. Pero el calentamiento no debe prolongarse, ya que los intérpretes deben tener la fuerza para trabajar el repertorio de la banda.

De las memorias de Maris Liepa: “El ensayo nunca empezaba aprendiendo algún pas o pieza de baile. Cada uno de ellos estaba precedido por una especie de introducción orgánica, una obertura de una conversación, una historia, una historia, una simple comunicación de dos minutos con la audiencia. Con todos juntos, incluidos los pianistas. Era necesario introducir una determinada clave. trabajo futuro. Él, como un hábil director, afinaba su pequeña orquesta y la subordinó al movimiento de su mano. Y cuando sintió que se había obtenido el tono deseado, volvió a mirar a todos y en voz baja lanzó: "¡Empiecen!"

Para el trabajo, es mejor tomar números en combinación: fácil - difícil, rápido - lento. En números ligeros, los artistas, por así decirlo, "se calientan". Los números difíciles, especialmente si aún no están bien aprendidos, requieren una mayor atención, costos emocionales y físicos significativos. Los ejecutantes en este caso deben estar bien sintonizados con el trabajo o ya involucrados en él y al mismo tiempo no estar cansados.

En cualquier grupo coreográfico, y especialmente en un grupo infantil, no se debe trabajar una pieza durante la mitad del ensayo, especialmente durante todo el ensayo. Los participantes en este caso se cansan rápidamente. El número “se vuelve familiar” para ellos y cometen errores involuntarios en el desempeño, causados ​​​​principalmente por una disminución en la atención, fatiga. El director tiene un extraño papel como “miembro de la masa”. Debería haber una ley: si ensayas con dos, y los otros quince están sentados, entonces ellos también deberían estar interesados. Si están aburridos, debes quitarlos o asegurarte de que también obtengan algo del ensayo.

Las llamadas inesperadas del director artístico, por ejemplo: al teléfono, al director, etc., afectan negativamente el estado de ánimo creativo de los participantes. Sin embargo, si es necesario abandonar el ensayo, entonces, por supuesto, debe disculparse con los participantes, asignarles una tarea e instruir a los más experimentados para que controlen el progreso de su implementación. A los artistas no les gustan las paradas frecuentes para los ensayos. Esto es desconcertante, derribando el ritmo y el estado de ánimo del ensayo. Además, las paradas frecuentes rompen una visión holística del número, lo que significa que el trabajo de la imaginación se vuelve más complicado.

Mucho de lo que no funciona después de la primera actuación preliminar o el primer ensayo comienza a ganarse después de 2-3 lecciones: los participantes captan el estilo de la actuación, su característica, tempo, características semánticas, contenido figurativo y estético. Esta circunstancia ayuda a ejecutar correctamente los movimientos difíciles del número que no resultó.

En el ensayo, debe intentar hacer comentarios no por cada error cometido por separado, sino por varios a la vez, después de la interpretación del número completo. Si los participantes están lo suficientemente calificados y experimentados, puede limitarse a explicaciones verbales. “El director debe hablar de manera concreta, casi físicamente tangible, para que todos puedan entenderlo todo”. Sin embargo, si no hay certeza de que los intérpretes harán lo correcto en la siguiente repetición, es necesario pedir al grupo oa toda la composición que vuelva a pasar por los lugares que faltan, fijando así el corregido.

El ritmo del ensayo es muy importante. No debe ensayar el mismo número más de 2 o 3 veces, incluso si su interpretación no le conviene al director artístico. Es posible que los ejecutantes no comprendieran las tareas que se les encomendaron (explicadas indistintamente, escuchadas sin prestar atención) o no pueden realizarlas debido a su debilidad. entrenamiento tecnico. Para corregir los errores cometidos, se necesitan explicaciones más específicas. Si después de eso los participantes no pueden cumplir con los requisitos, actúan con errores, se debe llegar a un compromiso: o bien trabajar por separado con los artistas que no entienden los movimientos, para no distraer a todos del trabajo, o reemplazar a los participantes individuales y poner otros en el número, intérpretes más preparados técnica y artísticamente. Las repeticiones repetidas del mismo número reducen la atención, la sensibilidad a los gestos, las explicaciones de la cabeza, embotan el pensamiento creativo de los artistas intérpretes o ejecutantes. Las clases se convierten en enseñanzas aburridas y molestas. Este peligro acecha incluso a los coreógrafos de grupos profesionales. “Tienes que ser lo más parejo y preciso posible, pero no puedes ser aburrido. ¡Necesitamos un ensayo, por ejemplo, un poco, para portarnos mal!”. El principio de interés y entusiasmo es una de las principales condiciones para el fructífero trabajo de un grupo coreográfico infantil y estudiantil.

La habilidad del director artístico para tomar un descanso en la lección a tiempo también se aplica al ritmo del ensayo. Está más justificado, es más conveniente hacerlo 45-50 minutos después del inicio del trabajo. La segunda parte del ensayo puede durar entre 40 y 45 minutos. La práctica muestra que con tal proporción de tiempo de la primera y segunda mitad del ensayo, se logra la máxima actividad de los participantes. También es importante que se complete el ensayo, pero al mismo tiempo, los participantes conservan el deseo de hacer más ejercicio. Esto los prepara para una mayor independencia trabajo creativo: enseñar juegos, trabajar movimientos técnicos por separado, etc. La saciedad con las clases conduce a una disminución del interés por la creatividad, lo que significa que la eficacia de las clases y su rendimiento disminuyen. El equipo siempre debe tener listo un cierto número de números, con los que pueda actuar sin experimentar grandes dificultades en la preparación del concierto.

El ensayo es un trabajo duro. Además, el trabajo, en el que los resultados no siempre son inmediatamente visibles. Incluye elementos de monotonía, que cansa a los participantes, reduce su actividad general y escénica. El deber del director artístico es inspirarlos con su ejemplo, no dejar que se enfríen en la creatividad. El discurso del director artístico durante el ensayo se presenta con requisitos especiales. En primer lugar, no es necesario hablar mucho, expresar los pensamientos debe ser lo más breve posible: los participantes vienen al ensayo para expresarse como bailarines, pero no para escuchar conversaciones largas, a veces irrelevantes, irrelevantes. Para una mejor explicación de sus pensamientos, puede recurrir a la ayuda de un espectáculo de actuación personal.

La realización de un ensayo general tiene unas características propias, determinadas por el hecho de que por un lado es un ensayo, pero al mismo tiempo lleva los signos de un concierto (vestuario, maquillaje, luz, sonido, etc.). El ensayo general es el último de una determinada etapa de preparación del repertorio para el concierto, por lo que en él se resuelven las siguientes tareas:

• - cómo preparar mentalmente a los artistas para el concierto;
• - comprobar el programa, su alineación.

No hay necesidad de hacer paradas frecuentes en el ensayo general. Es más importante repasar todos los números de principio a fin, para permitir que los intérpretes sientan todo el programa como un todo, distribuyendo así, por así decirlo, uniformemente la fuerza y ​​la tensión emocional a todos los números. Y es mejor realizar un ensayo general (si es posible) en la sala y el lugar donde se realizará la actuación dos días antes del concierto. En este caso (si es necesario) todavía hay tiempo para resolver los matices asociados con cambiarse de ropa, cargar disfraces, subir al escenario, configurar la iluminación del sonido, etc.

Los requisitos y deseos enumerados para el director artístico del grupo coreográfico durante las clases de ensayo, por supuesto, no tienen en cuenta toda la variedad de dificultades encontradas en cada caso. El director artístico, partiendo de las especificidades inherentes únicamente a su equipo, debe organizar el ensayo de tal manera que utilice el tiempo asignado de la manera más eficiente posible, con mayor eficiencia.

Metodología de trabajo en un grupo de danza

Después de que el niño adquiere las habilidades y destrezas básicas en las clases de coreografía, los elementos de baile se combinan primero en una combinación y luego en un número separado. Habiendo pensado en poner en escena un baile a partir de una grabación, el líder, antes de comenzar a trabajar con el equipo, debe analizar la grabación en detalle, escuchar la música, aprender los movimientos, dominar toda la reestructuración de los bailarines, sus movimientos por el escenario. , entender la imagen del personaje en el baile. Debe pensar en el método de aprender el baile y luego comenzar a trabajar con los artistas.

Para establecer el número, hay varios métodos que el líder puede usar, según la edad de los niños y la tarea.

método de visualización. Incluye un maestro mostrando el material, después de lo cual un grupo de niños repite. Este método es bueno para etapa inicial aprendiendo Después de eso, debe pasar a otro método, de lo contrario, el estudiante no desarrollará la capacidad de realizar movimientos conscientemente. El estudiante simplemente repetirá y copiará mecánicamente al maestro.

método de tareas verbales. El profesor les explica la tarea verbalmente, pero no se muestra. Después de eso, los estudiantes crean de forma independiente un esquema de movimientos. Si el maestro ve un error en la ejecución de los movimientos, lo corrige con la ayuda de explicaciones verbales. Este método es bueno cuando se practican pasos previamente aprendidos o con un grupo de artistas profesionales. Pero no es aceptable para uso constante con un grupo de niños.

método mixto. Método de mostrar y explicar. Es el más utilizado, extendido y combina todos los aspectos positivos de los métodos combinados en él. Este es " medio dorado» en la metodología de trabajo con un grupo de baile de niños.

El líder elabora cuidadosamente los movimientos y se asegura de que los artistas puedan transmitir al espectador el contenido y las características del baile.

Las clases de baile, que muestran sus logros en las actuaciones, dan mucha alegría a los niños. Pero, además de la alegría y diversión que la danza trae a la vida de los niños, el arte de la danza, cuando se utiliza correctamente, contribuye, junto con otros tipos de arte, al desarrollo estético y general del niño. Todos los bailes realizados por niños deben ser significativos, artísticos y accesibles. El acompañamiento musical y el diseño del baile también son de suma importancia y deben ser de alta calidad artística. Para preparar un baile para una actuación con niños, no se debe aprender mecánicamente, sino que se debe presentar constantemente a los niños los conceptos básicos de la cultura del baile y realizar ejercicios preparatorios con ellos para adquirir habilidades de baile. Es importante enseñar a los niños cómo medios expresivos bailar y, sobre esta base, aprender con ellos el baile previsto. Todo el proceso pedagógico del dominio de la danza se construye de tal manera que repercute en lo estético y desarrollo general estudiantes. Alta calidad material de danza y musical, que se selecciona específicamente para la actuación de los niños, el contenido ideológico de la danza, las bellas imágenes reflejadas en ella, coloridos disfraces y todo trabajo de preparatoria en la danza fomentan la organización, la inteligencia, el gusto en los niños, contribuyen al desarrollo de la musicalidad, la iniciativa creativa e influyen en el desarrollo general y físico. Los espectáculos de danza deben ser accesibles, cercanos y comprensibles para los niños en cuanto a contenido, deben estar a la altura de su edad y capacidades de danza; por lo tanto, los métodos de aprendizaje de bailes para cada edad de los niños son diferentes.

Criterios para la puesta en escena de números de baile:

• - el baile debe representarse teniendo en cuenta las peculiaridades de las actividades de concierto y competición;
• - el baile debe ser emocionante para el público y los propios artistas;
• - debe adaptarse a diferentes condiciones manifestación pública;
• - la duración del número de misa debe ser de 2,5 a 4 minutos;
• - el material coreográfico debe corresponder al material musical y al vestuario;
• - el número de baile debe corresponder a la categoría de edad de sus ejecutantes;
• - dramaturgia del número: el desarrollo y la claridad de la trama, el desarrollo del vocabulario, su correspondencia;
• - "Zest" - idea inusual, enfoque no estándar al número;
• - la claridad de los dibujos y la acción del número;
• - tecnicidad y precisión de la ejecución;
• - la danza debe educar a sus intérpretes y espectadores sentimientos estéticos y desarrollar el gusto.

En las primeras etapas de su existencia, cualquier grupo coreográfico está formado por el jefe del grupo y sus alumnos. Posteriormente, con el crecimiento del equipo, el aumento en el número de espectáculos de danza, la implementación de proyectos a gran escala (representaciones coreográficas, programas de espectáculos, musicales), también aumenta el personal docente. Aparece vestidor propio, diseñador de vestuario, gerente, productor, director financiero. Me gustaría señalar que en las etapas iniciales de la formación de un equipo, el líder combina todas las posiciones anteriores y realiza sus funciones. Durante muchos años de investigación, se han propuesto muchas clasificaciones diferentes de estas funciones. Su diferenciación es condicional, ya que en la práctica todas las funciones están indisolublemente unidas entre sí y entrelazadas entre sí. Para llevar a cabo el proceso actividad pedagógica en un equipo coreográfico, el líder debe tener las siguientes funciones: Tkachenko S.T. Trabaja con un grupo de baile. - M.: Pedagogía, 1998. - S. 45.

1. Comunicativo. Una función muy importante que el docente necesita formar y desarrollar. Esta es la capacidad de comunicación pedagógica con los estudiantes. Su especificidad radica en el hecho de que dicha comunicación se lleva a cabo bajo la guía de un maestro y está dirigida a resolver problemas educativos. La comunicación pedagógica en el equipo coreográfico es diversa. También incluye la relación directa del profesor con los estudiantes y los estudiantes entre sí: su empatía y comprensión mutua, el intercambio de información, su interacción entre ellos. En algunos casos, la comunicación entre el maestro y los estudiantes se establece en el proceso de clases y ensayos, en otros, en el proceso de discusión de competencias y competencias. 2. Función organizativa. El maestro también necesita tener habilidades organizativas. En primer lugar, afectan la capacidad de planificar sus actividades, en las que se fusiona su preparación profesional, coreográfica y psicológica. El plan debe alternar entre diferentes componentes de trabajo con los estudiantes; desde ejercicio intenso hasta breves descansos. Las habilidades organizativas también se caracterizan por lo bien planificadas que se llevan a cabo las clases en el proceso educativo real. Las clases bien organizadas dejan a los estudiantes con una sensación de satisfacción: hoy recibieron conocimientos, dominaron nuevos pasos de baile, consolidaron lo que habían aprendido anteriormente. Tkachenko S.T. Trabaja con un grupo de baile. - M.: Pedagogía, 1998. - S. 45.

Las habilidades organizativas del docente inciden directamente en la eficacia de cada sesión de formación y de todo el proceso de aprendizaje en su conjunto. De hecho, si, por ejemplo, un maestro es un excelente bailarín y le encanta trabajar con niños, pero no tiene habilidades organizativas, entonces sus clases pueden resultar improductivas.

Con el fin de alcanzar el éxito en el logro de las metas trazadas y estar preparados para superar las dificultades que se presenten en proceso educativo, el maestro debe desarrollar las cualidades volitivas necesarias. La voluntad del docente se manifiesta en su empeño, perseverancia y perseverancia en el trabajo para mejorar las competencias profesionales y pedagógicas. Una cualidad volitiva igualmente importante es la capacidad de controlarse a uno mismo. Se manifiesta en el hecho de que incluso en circunstancias desagradables (por ejemplo, un estudiante en presencia de todo el equipo expresa su descontento con algo), el maestro tiene resistencia y paciencia, y esto lo ayuda a enfrentar con éxito las dificultades que han surgido.

El proceso pedagógico en cualquier equipo -industrial, laboral, científico, escolar (estudiante), estudiante- es específico en organización, contenido, metodología y medios utilizados. Esta especificidad también está determinada por la naturaleza y el objeto principal de la actividad realizada por los miembros del equipo.

Un grupo artístico no es una excepción en este sentido, el objeto principal de su actividad es el arte, y el objetivo principal es la formación y satisfacción de las necesidades espirituales y estéticas de las personas. En un grupo artístico aficionado, este objetivo se transforma en el ámbito de la solución de problemas educativos, principalmente entre los ejecutantes directos. El proceso pedagógico se realiza a partir de su involucramiento en actividades artísticas, creativas y socioculturales. Esta actividad se lleva a cabo durante clases educativas, de ensayo, artísticas y educativas, conciertos.

El papel del arte en el proceso de formación de la personalidad puede definirse como correctivo, enriquecedor, potenciador de la influencia moral, estética y creativa de las condiciones laborales y ambientales. El arte en cierto sentido y bajo ciertas condiciones contribuye a la resolución de contradicciones emergentes en el proceso de desarrollo personalidad creativa, elimina factores discordantes, crea un cierto trasfondo artístico.

El papel de un grupo de arte aficionado como unidad de concierto, el creador de obras de arte originales o su intérprete tiene un valor relativo, el problema de su orientación pedagógica, el cumplimiento de su función sociopedagógica, pasa a primer plano.

¿Cuál es la especificidad del arte como materia de educación, medio de desarrollo integral y armónico del individuo?

En primer lugar, hay que subrayar que el arte no es la única forma de conciencia pública que forma la personalidad. La carga educativa la llevan a cabo la ciencia, la política, la ideología, la moral y el derecho. Pero el impacto de cada una de estas formas de conciencia social es local. La moral determina la educación moral, el derecho - legal, la ideología, la política - ideológica y la cosmovisión.

El arte, que influye en la conciencia, el mundo espiritual y emocional de una persona, forma su imagen integral, promueve activamente el crecimiento espiritual, plantea convicciones ideológicas y morales, estimula la actividad social transformadora, mejora la cultura política, la cultura del trabajo y la vida.

El juego estético, el entretenimiento, traducen imperceptiblemente la riqueza del contenido moral del arte en propiedad personal. Se forma una actitud holística de una persona hacia el mundo, se deja una huella en todos los aspectos de su vida y actividad, en las relaciones, en la comprensión del propósito y el significado de la vida. El arte agudiza la mente, ennoblece moralmente los sentidos, amplía los horizontes. El proceso de "catártico" - impacto "limpiador" del arte, por supuesto, es complejo y ambiguo. Está conectado por raíces profundas con los fenómenos que ocurren en la psique, el mundo espiritual del individuo; está influenciado directa o indirectamente por factores de la vida social, que pueden mejorar o reducir la eficacia del proceso.

Los psicólogos soviéticos, principalmente L. Vygotsky, S. Rubinshtein, B. Teplov, L. Yakobson, analizaron de manera bastante completa y profunda y confirmaron experimentalmente la influencia del arte en el desarrollo de la personalidad: mental, moral, estética; reveló la naturaleza de las habilidades artísticas y la predisposición humana al arte como una forma de actividad.

El signo principal de la interacción del arte con una persona es la profunda base emocional y sensual de este proceso. Sin embargo, la intensidad emocional varios tipos Las actividades no son las mismas. EN el conocimiento científico las emociones son subordinadas, de fondo. Aquí en primer plano está el pensar, la conciencia. En el arte, la práctica artística, las emociones, la experiencia emocional y sensorial son dominantes. A partir de ellos surge tanto una visión consciente, ideológico-figurativa, como una comprensión del contenido del arte.

El pensamiento emocional, o pensamiento con emociones, que surge como resultado del contacto con el arte, tiene una salida directa a las acciones humanas, su contenido semántico y emocional. Las emociones, los sentimientos, como saben, no son el producto final de la actividad mental. Aparecen como un resultado muy específico (con cierta convención del término) de la influencia del arte, manifestándose en forma de determinadas acciones o dando a estas acciones un colorido apropiado. Las acciones que influyen, los motivos del comportamiento, las emociones adquieren contornos visibles y formas de manifestación.

Esta característica de la actividad emocional y psicológica de una persona en el proceso de percibir el arte determina la intensidad de su enriquecimiento artístico, estético y moral, el proceso de desarrollo de habilidades artísticas y creativas.

La originalidad de los resultados de la creatividad en el arte amateur puede considerarse tanto desde el punto de vista artístico y estético, como personal-subjetivo, es decir, desde el punto de vista de lo que le da a la persona como artista y como persona. .

Actuar en un grupo de aficionados está asociado con el proceso de creación de valores estéticos y espirituales. Uno de ellos es una profunda socialización moral, la perfección moral de la persona. Esta actividad puede consistir en la solución independiente o la búsqueda de formas de resolver diversos problemas artísticos y creativos. Hay una creación activa de la personalidad, el desarrollo de todos sus aspectos y potencial espiritual y creativo. Además, este potencial se realiza no solo en el campo de la práctica artística, sino también en todo el sistema de relaciones humanas con los demás. Un enfoque creativo para resolver problemas emergentes se convierte en su hábito natural, una característica esencial.

La efectividad de la actividad creativa puede determinarse mediante la formación de un tipo creativo de personalidad con su ayuda. Este criterio es decisivo para el aficionado. creatividad artística porque esta tarea es la más importante de sus funciones.

PRINCIPIOS PEDAGÓGICOS DEL TRABAJO CON UN EQUIPO COREOGRAFICO

profesor de adicional

educación MAOU DOD "TSDOD"

CONTENIDO

I. Introducción

II Principios pedagógicos del trabajo con un equipo coreográfico, su significado

1.1. Principio de actividad

1.2. El principio de visibilidad

1.3. El principio de accesibilidad

1.4. El principio de sistematicidad

1.5. El principio de la fuerza del conocimiento adquirido.

III Conclusión

Bibliografía

El tema de esta guía no fue elegido por casualidad, es relevante y oportuno, y el problema reflejado en este tema ha importancia para una institución educativa.

Hay ciertas razones para esto. Muchos jóvenes coreógrafos, después de graduarse de instituciones de educación superior y secundaria, se enfrentan a uno de los desafíos más asuntos importantes a la hora de organizar el trabajo en su propio equipo coreográfico.

Cómo construir el proceso de trabajo de tal manera que alcance la mayor eficacia de aprendizaje, cómo transformar de la manera más correcta su conocimiento profesional en habilidades creativas.

Por tanto, la finalidad principal de los datos pautas es ayudar a los jóvenes profesionales a organizar el proceso de trabajo con un equipo coreográfico. Mejorar la eficacia de la formación a través de un proceso de trabajo estructurado de manera competente y lógica, aumentando el nivel profesional del equipo coreográfico son los principales objetivos de estas recomendaciones.

El proceso de aprendizaje en un grupo coreográfico amateur difiere significativamente del proceso de aprendizaje de las escuelas de arte, las escuelas coreográficas y las instituciones culturales. En un grupo de aficionados, la mayor parte del tiempo está asociado con actuaciones, lo que a su vez requiere una reducción en el curso de estudio. Por lo tanto, con base en las condiciones y capacidades del equipo, el líder debe construir adecuadamente el proceso de aprendizaje.

Diferentes científicos asignan un número diferente de principios de aprendizaje: 4,5,7 o más.

Considerando las especificidades de un grupo coreográfico amateur, he identificado lo siguiente:

1. principio de actividad

2. el principio de visibilidad

3. el principio de accesibilidad

4. el principio de sistematicidad

5. el principio de la fuerza del conocimiento

1. El principio de actividad

Este principio caracteriza la actitud de una persona hacia la realidad, su posición, manifestada en la realidad, el aprendizaje, la creatividad.

Actividad trae a colación, en primer lugar:

independencia, cuando las acciones y palabras del maestro despiertan el pensamiento del alumno, el deseo de repetir el movimiento

· la cultura del movimiento, cuando se prefiere la técnica a la fuerza.

Pero cabe señalar que la actividad no debe ser demasiado imitativa. Por supuesto, al principio, los niños involuntariamente toman prestado el estilo de interpretación de su maestro. Luego, cuando tengan confianza en sus capacidades y cierta independencia de acción, se les debe invitar gradualmente a poner en cada tarea educativa su sentimiento escénico, su actitud frente a él, es decir, que muestren su propia manera de moverse. Es necesario asegurarse de que los estudiantes muestren sinceridad y sencillez de acción, para que no "jueguen" la forma de movimiento, sino que nazca naturalmente, y no por obligación. Tal enfoque permitirá al estudiante "encontrarse a sí mismo", su individualidad.

En este principio pedagógico, lo principal para el docente es:

1. explicar el propósito y el significado del movimiento

2. construir sobre lo aprendido en lo nuevo

3. aplicar informe verbal, analizar las causas de los errores antes de corregirlos

4. aplicar el método de la recompensa

5. enfoque individual

Dado que el equipo está formado por niños de diferentes talentos, los resultados del aprendizaje serán diferentes entre sí. No todos ellos pueden dominar un alto grado Técnicas de danza clásica. En este caso, el profesor está obligado a hacer todo lo que esté a su alcance para que el alumno logre los mejores resultados. Si esto no es posible, entonces el programa para este estudiante debe considerarse agotado. Que los resultados sean diferentes, pero todos deben dominar la cultura escénica de la danza dentro de sus capacidades profesionales.

Al establecer una meta, por ejemplo, dominar un movimiento, los estudiantes deben prestar atención al papel de la voluntad, la perseverancia, la perseverancia y el dominio consciente de las habilidades.

2. El principio de visibilidad

Es a partir de este principio que uno tiene que comenzar a dar vida a todos los demás principios en el equipo coreográfico y todos los días para comenzar a trabajar desde este principio.

“La forma en que el maestro ingresa a la lección, cómo la mantiene a lo largo, muestra las tareas de aprendizaje, etc., depende de la acumulación de ciertas impresiones y experiencias en la memoria del alumno. Por lo tanto, todas las acciones de un maestro deben distinguirse por un estricto cálculo pedagógico, resistencia, sencillez, gusto, entusiasmo genuino y amor por los estudiantes ”, señaló (el famoso curador mejores tradiciones escuela de ballet clásico ruso).

En la práctica, el principio de visibilidad se lleva a cabo de acuerdo con la regla "de simple a complejo":

1. nombre del movimiento o combinación

3. Breve descripción y secuencia de ejecución

4. volver a ejecutar (si es necesario)

5. explicación (destacando los elementos principales)

6. comprensión de la técnica de interpretación

Cabe señalar especialmente que el método de demostración visual debe ayudar al niño a comprender y dominar las reglas de ejecución de la técnica de movimiento.

El desarrollo más rápido del movimiento ayuda a:

ritmo y tempo

· asistencia física(máquina, mano del maestro)

visualización correcta

EN grupo júnior los nuevos movimientos deben mostrarse en detalle, lentamente, como en almacenes, varias veces, hasta que los estudiantes los dominen por completo.

EN grupo medio la demostración se necesita en menor medida, ya que la edad, la conciencia y la preparación técnica permiten a los estudiantes memorizar y dominar rápidamente nuevos movimientos.

En el grupo más antiguo, la pantalla debe usarse incluso con más moderación.

Por mi propia experiencia, estaba convencido de que, por ejemplo, en las tareas de ejercicio, solo se debe mostrar el enlace principal, el dibujo principal de su construcción, y es mejor mostrar adaqio en su totalidad. Los saltos simples se pueden mostrar de la misma manera que los movimientos de los ejercicios, pero los saltos complejos se pueden mostrar en su totalidad. Esto evita la pérdida involuntaria de tiempo y la ralentización del ritmo de la lección.

Destacaría algunas reglas para el maestro en la implementación de este principio:

1. el espectáculo debe ser pensado y metódicamente competente

2. tener en cuenta la preparación física y mental de los estudiantes para las clases

3. tener en cuenta las características individuales de los estudiantes

4. la emotividad debe convertirse en uno de los elementos principales en la realización de clases

Es el principio de visibilidad que bien educa y fortalece la memoria del alumno, principalmente la memoria visual, ya que la memoria visual fija en su mente todo lo que el maestro le mostró y le muestra, y también educa la memoria de desempeño y la cultura del comportamiento del alumno.

Estoy totalmente de acuerdo con las palabras de un conocido psicólogo, pensador humanista checo, maestro: “Si pretendemos inculcar un conocimiento verdadero y confiable en los estudiantes, entonces, en general, debemos esforzarnos por enseñar todo con la ayuda de la observación personal y la visualización sensorial. ”

3. El principio de accesibilidad

Lo más importante en este principio de trabajo para el docente, creo que:

Al mostrar algo nuevo, es necesario confiar en la condición: de fácil a difícil, de simple a complejo, de conocido a desconocido.

tener en cuenta la individualidad de los niños - género. Edad, temperamento, preparación técnica, estado de salud

Aumentar las exigencias a los fuertes, animar a los débiles

Buscar la causa del error junto con los alumnos

El líder debe conocer el nivel de desarrollo y potencial de los niños. La violación de esta regla puede afectar negativamente la motivación de los estudiantes para participar en la coreografía.

Pero el principio de accesibilidad implica la superación constante de dificultades, estrés emocional, intelectual, físico.

En primer lugar, deben estar disponibles:

explicación-espectáculo

técnica de actuación

Al establecer la cantidad de conocimiento que se puede adquirir, el profesor puede dar tareas que están por encima del nivel alcanzado, lo que activa a los estudiantes para superar nuevas dificultades, hace que se interesen. Pero para evitar la fatiga del cuerpo del niño, es necesario alternar períodos de estrés con períodos de descanso. Esto le permitirá recuperar la fuerza y ​​estar listo para realizar tareas aún más difíciles.

4.El principio de accesibilidad

Este principio está dirigido principalmente a consolidar los conocimientos, habilidades, cualidades personales previamente adquiridos, su desarrollo y mejora constante.

La secuencia de los movimientos de estudio la ofrece el programa educativo de la asignatura ( danza clasica, danza folclórica escénica), que se compila sobre la base de plan de estudios y establece el contenido, sistema y alcance de los conocimientos que deben ser aprendidos por los estudiantes. Cada año académico en el programa está indisolublemente ligado al siguiente.

EN grupo júnior (7-8 años) se sienta una base, sin la cual la habilidad del futuro bailarín no puede crecer y desarrollarse en el futuro.

Basado en mi propia experiencia, llegué a la conclusión de que cuanto más cambia el ritmo de la lección y cuanto más se usa la técnica de demostración (la palabra es limitada), más variado, emocional y expresivo es el discurso, mejor es el niño. percibe lo que el maestro requiere de él, mejor será la educación de la cultura musical y la cultura del comportamiento, y lo más importante, la educación de la interpretación colectiva.

Es necesario construir una lección sobre los elementos rítmicos, del juego y los movimientos de baile de salón, y luego introducir gradualmente los movimientos de la danza escénica clásica y folclórica en el entrenamiento.

En el corazón del repertorio, en mi opinión, debería haber más trama, bailes alegres, deberían ser llenos de acontecimientos, pero al mismo tiempo accesibles para la percepción.

EN grupo medio (9-12 años), basándose en la base preparatoria en el grupo más joven, los estudiantes dominan y desarrollan técnicas de interpretación más difíciles. Basándome en mis actividades docentes, puedo aconsejarle que no se deje llevar por cambios frecuentes de tempo y ritmos, que se concentre más en lo positivo, que castigue una mala conducta una vez y luego no la mencione, que coordine el éxito en la danza con el éxito en la escuela. ya que a esta edad hay una inclinación hacia la danza efectiva, se deben montar bailes de trama y los niños deben tener su propio repertorio.

EN grupo sénior (13-15 años) finalmente completado y mejorado la mayoría parte dificil programas basados ​​en los logros de los grupos anteriores. Aquí aconsejaría a un profesor principiante que cultive más el gusto artístico de los alumnos a través de conversaciones, excursiones, museos, teatros, seguidos de una discusión sobre el repertorio. Es necesario criticar no la personalidad del niño, sino el acto, desarrollar más la técnica coreográfica (rotación, velocidad, agilidad, fuerza, resistencia, aplicar un enfoque individual hasta la instrucción para realizar clases con el grupo más joven.

Al formar el repertorio, es necesario tener en cuenta que la coordinación compleja, la precisión ya están disponibles y los personajes, las imágenes y las tramas concretas y mundanas ya son ajenas a ellos. Si una de las secciones del programa es elaborada por el maestro técnica y artísticamente inferior, entonces se formará una falla irreparable en el curso general de estudio.

La sistematicidad proporciona la regularidad de las clases y la lógica de presentar el material de manera consistente, desde lo simple hasta lo complejo a través de técnicas: explicación, demostración, repetición, consolidación.

Considero importante para un docente:

1. planificar secuencialmente el estudio del movimiento

2. no superar varias dificultades a la vez

3. seguir las reglas de la lección y sus partes

Cuanto más joven es el equipo en términos de tiempo de existencia, más tiempo se asigna para el ejercicio. También es necesario convencer a los estudiantes de que el éxito en el dominio de la danza solo se puede lograr como resultado de la asistencia sistemática y el trabajo duro.

En el curso del entrenamiento, por así decirlo, hay una unión de material nuevo previamente aprendido. La educación, su estructura interna adquiere armonía, integridad. Es la naturaleza sistemática de la construcción de las clases lo que es una característica de la profesionalidad del maestro.

Este principio pedagógico ayuda a organizar el proceso educativo de manera correcta y lógica y así permite lograr grandes resultados en menor tiempo.

5. El principio de la fuerza del conocimiento adquirido.

Este principio se logra a través de la repetición sistemática de acciones en condiciones constantes. La fuerza del conocimiento está muy influenciada por la emotividad del proceso educativo, su fascinación. Esto desarrolla el interés de los estudiantes.

El maestro debe recordar que uno no puede pasar a un nuevo material sin dominar el anterior; repetir lo aprendido en combinaciones y combinaciones; evitar largas pausas en clases, ensayos, conciertos.

También es necesario consolidar los conocimientos modificando las condiciones: desempeño para la evaluación, presencia de los padres o de un docente en la clase. De hecho, la práctica demuestra que en presencia de alguien en la clase o actuando para la evaluación, el niño muestra gran diligencia, atención y expresividad.

El principio de la fuerza del conocimiento adquirido es un indicador de la efectividad del entrenamiento, sirve como base para un mayor desarrollo de la tecnología y la expresividad de los niños.

Resumiendo todo lo anterior, cabe señalar que todos estos principios pedagógicos del aprendizaje están interconectados e ignorar al menos uno de ellos conlleva una disminución de la eficacia del aprendizaje.

La unidad de todos estos principios, su interacción armoniosa ayuda al maestro a construir su trabajo como un proceso pedagógico holístico que contribuye al mejoramiento físico de la personalidad de cada integrante del equipo por medio del arte de la danza, la educación del pensamiento coreográfico. , musicalidad, gusto artístico, sentido de la belleza, ayudando a evaluar correctamente los fenómenos de la vida y el arte.

Sólo el trabajo constante en la mejora de los métodos de enseñanza, la búsqueda de nuevas formas y métodos de enseñanza, el trabajo sobre uno mismo, el trabajo con literatura metódica me permitió lograr ciertos resultados, y esto se evidencia en la participación en varios conciertos organizados por MAOU DOD "TSDOD", premios en concursos-festivales de varios niveles, premios en concursos de habilidades profesionales en las nominaciones "Mejor producción coreográfica". Todo esto da un impulso aún mayor a la mejora de la calidad de preparación del equipo coreográfico.

Es una combinación competente y lógica de todos los principios de trabajo anteriores que permitirán joven especialista lograr los máximos resultados en la actividad pedagógica, mejorar nivel profesional tu equipo coreográfico y encuentra tu lugar en el proceso creativo.

Bibliografía

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2. Vasilyeva, que quiere estudiar ballet. Ayuda para enseñar:- M.: ed. "GITIS", 1994.

3.Enciclopedia Ballet. – M.: “Búhos. Enciclopedia", 1981.

4. Características Lubomirsky del movimiento en niños y adolescentes. – M.: 1979.

5. Disimulado. – M.: Ilustración, 1992.

La influencia del arte coreográfico profesional en la creatividad amateur.

Concierto y actividades escénicas de un grupo coreográfico amateur.

Gestión del proceso educativo en un grupo coreográfico amateur.

La esencia de los conceptos de "educación", "proceso educativo", " actividad educativa”, “educación estética”. Metas y objetivos de la educación. Interacción del docente y miembros del equipo coreográfico en las condiciones del proceso educativo.

Métodos de educación (según G.I. Shchukina):

Métodos de formación de la conciencia;

Métodos de formación de la conducta;

Métodos para formar sentimientos y relaciones.

Formas y métodos de organización del proceso educativo en un grupo coreográfico amateur.

La actividad concertística del grupo, su orientación educativa y creativa. Tipos de representaciones teatrales: conciertos, reportajes creativos, reseñas, festivales, concursos, etc. Características de la organización de representaciones en gira. Criterios para evaluar la creatividad de grupos coreográficos aficionados. Las principales formas de los programas de conciertos modernos. Mono concierto como forma principal de los programas de conciertos. Tipos de programas de conciertos (concierto temático, concierto teatral, concierto festivo, concierto arte popular, concierto pop, concierto musical, concierto infantil, concierto literario). Definición del "concepto" de concierto.

Formas informativas de los programas de concierto en el arte coreográfico: lección abierta, competición, clase-concierto, concierto informativo.

Estructura lección abierta. Características de la preparación de la competición.

El ámbito de actuación de los grupos coreográficos profesionales. Competencias profesionales coreógrafo jefe, coreógrafo-director, coreógrafo-repetidor, bailarín de ballet, jefe de vestuario. Formación de personal profesional en el campo del arte coreográfico. La relación entre el arte coreográfico profesional y la creatividad amateur.

6.3 Disciplina académica “Pedagogía en grupos coreográficos amateurs”

El concepto de educación dancística como proceso y resultado de la asimilación de un determinado sistema de saberes. educación en danza. Los principales tipos de actividad creativa en la educación coreográfica. Cualidades personales un maestro-líder (determinando su posición sobre los objetivos del desarrollo del equipo, esforzándose por identificar y desarrollar su potencial, las capacidades del equipo).

Imagen profesor moderno, como componente trabajo exitoso. Cultura del habla (grado de perfección, expresividad, forma de dirigirse cortésmente a los participantes), habla profesional (conocimiento de la terminología, su uso correcto, pronunciación). La entonación como medio de expresión. diferentes significados expresivo colorante emocional. La mímica y la plasticidad (movimientos expresivos de los músculos de la cara y el cuerpo, una forma de manifestación de los sentimientos humanos) como base del método de ilustración de movimientos y figuras. Emancipación física y psicológica.

COLEGIO REGIONAL DE CULTURA DE ALTAI

Especialidad 071302

“Actividades socioculturales y

Arte popular"

en la disciplina "Composición y puesta en escena de danza"

“El trabajo educativo y educativo-creativo

en el grupo coreográfico"

Barnaúl 2008

El propio título del tema es que tenemos que destacar aquí dos aspectos. El primero es el trabajo educativo en equipo, el segundo es el proceso educativo y creativo.

Un educador es una persona que realiza una labor educativa con el fin de formar una determinada cosmovisión, conducta moral en los educados, desarrollar ciertos rasgos de carácter y voluntad, hábitos y gustos, desarrollar cualidades morales, físicas y mentales.

Una persona que se ha dedicado a actividades pedagógicas, educativas, debe poseer muchas cualidades. Y desde la coreografía

tiene su propia especificidad, entonces determina naturalmente la singularidad

profesor coreógrafo.

Trabajar en la educación de los miembros del equipo coreográfico.

es muy polifacético y, sobre todo, requiere del líder un conocimiento profundo de su tema. La cosmovisión, los principios morales y éticos de su liderazgo dependen en gran medida de la cultura general y el conocimiento del líder.

estudiantes.

Para los estudiantes, todo lo que hace el profesor, desde la primera hasta la última lección, cada palabra y acción es muy importante. Incluso su apariencia (inteligencia, pulcritud, precisión, buenos modales, andar) impresiona a sus alumnos.

Un aspecto importante en la educación de los miembros del equipo es la cualidad de un líder como la resistencia, la capacidad de manejar las propias emociones y sentimientos, para no perder el sentido de control sobre el propio comportamiento en cualquier situación y en cualquier momento.

Las personas dedican su tiempo libre del trabajo y el estudio a las clases en un equipo amateur. Estas actividades se convierten en una forma de comunicación con gente interesante, participación en la vida pública, abierto

Ante él se encuentra el apasionante y global mundo de la música y la danza.

Aquí el participante recibe desarrollo intelectual, eleva el nivel cultural e ideológico. Si durante mucho tiempo el artista se educa en material completo (literatura, historia,

música, coreografía, etc.), forma el gusto, los apegos creativos, los intereses: la personalidad se educa y se forma por medio del arte.

Incluso un intérprete capaz, pero novato, no puede dominar y reproducir creaciones significativas en el escenario, por lo tanto, el proceso educativo de aprender los secretos de la creatividad es importante. Es decir, el intérprete es un requisito previo para la educación artística, por un lado, y por el otro, una garantía de un resultado artístico: la creación de una obra escénica.

El conocimiento de la historia y la cultura es educación en el sentido más amplio. Sobre la base del amor por el arte de uno, patriótico

Sentimientos, ampliando horizontes. Este proceso es creativo, activo, no exento de autocreación, no reemplazando la iniciativa con instrucciones.

La educación en equipo consta de varios componentes.

Uno de ellos es la disciplina que, a su vez, está compuesta y

la actitud de los participantes hacia las clases, sus compañeros, el líder, que juega aquí un papel protagónico. De cuánto es el líder

un modelo de disciplina, en la medida en que logró interesar a los participantes, cautivar,

para alentar su éxito a tiempo, para hacer un comentario con tacto y justicia, depende el resultado de la actividad de cada participante y de todo el equipo.

Equipo bien coordinado, estable y creativo.

Sirve como criterio para evaluar las cualidades profesionales, creativas y pedagógicas de un líder. La labor educativa es uno de los apartados más importantes y complejos de su obra, donde el principio fundamental es la formación del bailarín en equipo, para un equipo, a través de un equipo.

La conciencia de cada participante de los objetivos sociales contribuye a

Creación de cohesión y actividad creativa. El trabajo se vuelve prometedor, se crea el interés de los participantes en las actividades del equipo.

La disciplina en el trabajo social, creativo, escénico y educativo está siempre asociada a la actuación, a la creación de

repertorio artístico.

Un punto importante en la educación del equipo como un todo y

cada participante en particular es el repertorio. De su contenido

de la educación ideológica, estética y artística no sólo del colectivo, sino también del espectador, depende en gran medida.

El líder, abriendo la puerta a lo bello, junto con personas de ideas afines recorre caminos invictos, y resuelto por él,

Como profesional, las tareas creativas se vuelven cercanas a los miembros del equipo. Al convertirse en co-creadores, ellos mismos adquieren la capacidad de crear valores artísticos.

La integridad, nacida del conocimiento, la penetración en la esencia de la materia, juega un papel positivo en la realización de esa función educativa, que es uno de los aspectos más fuertes del arte. Beneficios

A partir de esto para los participantes no se puede sobrestimar. El equipo vive ricamente y

interesante cuando en él se forman personas creativamente entusiastas,

cuando su pensamiento creativo produce resultados significativos. Así, el proceso de formación y nacimiento de un equipo creativo puede darse siempre que el proceso educativo y creativo:

* útil (dominar la tecnología, elementos de habilidad), le da una dirección visible y estimula el interés;

* cautiva con el camino desconocido, la naturaleza de la búsqueda y la oportunidad de mostrar iniciativa creativa;

* no domina la inaccesibilidad de las imágenes de actuación de maestros - artistas intérpretes o ejecutantes;

* le permite observar el proceso de creación de uno nuevo y participar en él;

* estimula la cognición (materiales de lectura, búsqueda de prototipos, ejemplos musicales, fuentes etnográficas);

* enriquece la satisfacción con nuevos descubrimientos.

Concentrar los intereses de los miembros del equipo debe

líder - creador - personalidad. Para crear un organismo único, debe tener en cuenta los intereses de quienes se han dedicado al arte,

por lo tanto, debe ser un maestro dotado, hábilmente organizando

proceso de aprendizaje en cada etapa del desarrollo.

Comenzando a crear una obra coreográfica, para más

Divulgación completa de su tema, ideas, imágenes, el líder debe involucrar a los miembros del equipo en este trabajo; organice para ellos varias reuniones con maestros de arte, espectáculos, películas, excursiones a lugares de gloria militar, a museos, conocimiento de monumentos antiguos. El líder llama la atención de los participantes sobre cómo se pueden aplicar sus impresiones y conocimientos en la creación de una imagen artística. Si hubiera un programa de conciertos

o una película, es necesario señalar las características de las danzas folclóricas, el método creativo del artista - coreógrafo, utilizando ejemplos específicos. Estas discusiones deben llevarse a cabo en una forma de conversación simple y accesible.

El líder también puede indicar a los miembros del equipo que completen algunas tareas para recolectar material adicional,

necesarios para crear una futura composición coreográfica.

Los viajes especialmente organizados a regiones y pueblos para las fiestas que se celebran en un área determinada pueden ser muy útiles, especialmente si en estas fiestas participan grupos folclóricos, en cuyo repertorio se encuentran canciones y bailes de su tierra natal.

Los encuentros con el arte popular, con personas que conocen y aman bien el baile folclórico, ayudan a comprender mejor la composición psicológica del carácter de las personas que crearon el baile, formas en los participantes.

idea de los valores artísticos de la danza folclórica.

La educación artística y estética del equipo se realiza también en

el proceso de trabajo educativo y creativo. El mismo nombre "Educativo y creativo

trabajo" dice que combina, por un lado, conocimientos y

dominar el lenguaje de la danza, los movimientos de danza, los gestos, las posturas, adquirir habilidades en técnicas de interpretación y, por otro lado, la capacidad de expresar diversos estados de ánimo con la ayuda de estos movimientos de danza condicionales. Ambos lados son unidad e interconexión inseparables.

Todo el proceso educativo y creativo comienza con una reunión de equipo,

donde se define su tipo y género, se habla de las tareas del equipo amateur y de este equipo en particular. Si se trata de un equipo infantil, entonces se lleva a cabo una conversación con los padres. Se establecen días y horarios regulares de clases, los cuales en ningún caso deben ser interrumpidos, ya que esto supondrá un impacto negativo en la disciplina y el éxito del equipo.

En la primera reunión, también se indica en ese momento que cada participante que vino a bailar debe tener ropa especial (uniforme) destinada a realizar movimientos de baile en

máquina en el centro de la sala y durante los trabajos de montaje y ensayo.

Cada participante debe tener su propia vestimenta (uniforme). mejor tener

Dos juegos: uno para clases de danza clásica (parte del disfraz se puede usar en la representación teatral del número), el segundo, para clases de danza folclórica.

El uniforme de ensayo (ropa) para las clases de danza clásica incluye:

* Para niñas: un leotardo (ligero en los grados inferiores), zapatillas de ballet blandas, leotardos (medias) o calcetines y zapatillas de punta en los grados inferiores.

* Para niños: medias (leggings) o pantalones cortos oscuros en los grados inferiores,

zapatillas de ballet suaves con calcetines blancos, camisetas (camisetas) con mangas cortas.

EN últimos años ha habido un marcado aumento en el interés por el ballet no sólo como una forma de

arte académico, sino también como una forma de autoexpresión, a la posibilidad de superación personal.

El éxito creativo de cualquier bailarín de ballet está estrechamente relacionado con la especial

Los zapatos y la selección adecuada son una parte integral del éxito. Pero,

Desafortunadamente, no siempre es posible obtener ayuda profesional y asesoramiento competente al elegir zapatos especiales. niños en las escuelas

en estudios, círculos, reciben sus primeros conocimientos y habilidades de un maestro, que a menudo transmite "secretos" ya obsoletos: romper zapatos, golpear la punta de un zapato de punta con un martillo, una "caja". Al mismo tiempo, los profesores no siempre conocen bien los modelos de zapatos existentes.

Los zapatos, como saben, son el dispositivo más importante para realizar movimientos de baile en el ballet clásico. El pie del artista trabaja en posiciones y movimientos mucho más allá de sus límites naturales. La naturaleza no fisiológica de algunos movimientos de ballet, los zapatos mal seleccionados conducen a lesiones y enfermedades ocupacionales.

Los más comunes son:

1. Pie plano transverso + desviación en valgo del pulgar - 80%.

2. Pies planos longitudinales - 5%.

3 . Callosidad - 66%.

4 . Dedos en forma de martillo - 27,3%.

Este es un lado del problema. El otro lado, pensamos, es

Muy bajo conocimiento de los zapatos de baile, sus características constructivas y tecnológicas. A menudo tenemos que observar casos en los que los bailarines de ballet simplemente se pierden al elegir los zapatos. Después de todo, se sabe que no existe un sistema para su selección. Cada fabricante produce diferentes modelos con diferentes marcas, y en tal situación es fácil confundirse. Para evitarlo y ayudar al artista en su elección, la firma

El primer paso es decidirse por un modelo de puntas. La empresa produce los modelos principales: "Vaganova", "Maya II" para bailarinas con alto y moderado

Alto; "Fouette", "Maya I" para bailarinas con tiro normal; "Elite", "Grihsko 2007": modelos universales para todo tipo de pies. En el lado de la suela del zapato, se aplican marcas: modelo, tamaño, integridad, grado de rigidez de los detalles inferiores. Cada modelo se produce en 17 tamaños y está marcado en pulgadas.

Para transferir el tamaño a otro sistema de numeración (bar masa o métrico), hay una tabla especial en las tiendas Grinsko. Cada modelo

Se produce en 5 plenitud y está marcado con la insignia "X". La plenitud está determinada por la circunferencia del pie a lo largo de las vigas internas y externas.

Las zapatillas de punta se fabrican con 5 grados de rigidez (resistencia) de las partes inferiores y están marcadas como SS. S.M.K.S.H. - respectivamente superblando, blando, medio, duro, superduro. La selección de zapatos debe depender de la altura del empeine del pie y del desarrollo del sistema musculoesquelético. De la práctica se sabe que los propietarios de empeines altos son propensos a fracturas, esguinces del pie, y se recomiendan zapatos con mayor rigidez SH,