Najlepszy sposób na poznanie podstaw kompozycji. Kompozycja w fotografii. Zasady tworzenia wyrazistego ujęcia

Aby nie przegapić dobry strzał, trzeba nauczyć się nie tylko szybkiej obsługi aparatu, ale także wcześniejszego widzenia i wyobrażania sobie przyszłego kadru. Fotograf musi szybko ocenić sytuację i zdecydować, jaka kompozycja ujęcia odniesie największe sukcesy w konkretna sytuacja. Aby dowiedzieć się, jak szybko skomponować ujęcie, musisz opanować zasady szybkiej oceny sytuacji.

Kiedy się uczysz, musisz dużo pomyśleć o kompozycji, dopracować wszystkie szczegóły, ale z czasem wszystko to zrobi się automatycznie. Te działania trafią do podświadomości i nie będziesz już musiał poświęcać na tę pracę tyle czasu i wysiłku. Wszystko potoczy się samo, ale aby osiągnąć taki wynik, trzeba ciężko trenować.

Przykład 1

Przeanalizujmy sposób myślenia fotografa podczas fotografowania kwiatów i kaczek.

1. Piękne kwiaty. Powinny być na pierwszym planie na zdjęciu. Jeśli pogoda jest wietrzna, wystarczy tryb priorytetu migawki.
2. Jeśli usiądziesz, kaczki będą w tle. Ich kolor radykalnie różni się od kolorów kwiatów. Jeśli rozmyjesz tło, pojawią się interesujące plamy kolorów.
3. W wodzie unoszą się szczątki. Nie powinien być w kadrze.
4. Kamera jest ustawiona, kuca, przybliża, ustawia ostrość… i… Oto nasze ujęcie:

1. Ciemne kwiaty zajmują połowę obrazu i znajdują się po prawej stronie. Żółta plama bardzo jasny od kaczki, ale dzięki mały rozmiar nie przyciąga zbyt wiele uwagi. Rama jest wyważona.
2. Rama skomponowana jest zgodnie z zasadami złotej sekcji. Tło nie jest bardzo rozmyte. Rozpoznawalna jest sylwetka kaczki.

Przykład #2

1. Budynek wygląda ponuro ze słońcem schowanym za chmurami. Ściany mają ciekawą strukturę. Coś można z tym zrobić.
2. Wykorzystane zostaną misterne krzywizny ścian, które przyciągają uwagę.
3. Jeśli przykucniesz i usuniesz ściany z niskiego punktu, będą one naprzeciw nieba. Nie powinno to wyglądać źle.

Oto, co się stało:

1. Krzywizna ściany po prawej stronie i nachylenie ściany po lewej prowadzą wzrok widza do środka kadru.
2. Faktura obu ścian również prowadzi oko widza do centrum. Na tle nieba cegła prezentuje się znakomicie.
3. Niżej lewa strona tworzy punkt wejścia, który odpowiada zasadzie złotej sekcji.
4. Prawa ściana, z zagięciem, znajduje się również w punkcie złotego odcinka.

Przykład #3

1. Niebo natychmiast rzuca się w oczy.
2. Okulary tworzą lustrzana powierzchnia. To może być użyte.
3. Zielona trawa stworzy ramę i nada kontrastowi obrazu.
4. Pozostaje podejść do budynku i znaleźć najlepszą pozycję do zdjęcia.

A oto co się stało:

1. Odbicie chmur zmusiło mnie do pracy z kompensacją ekspozycji.
2. Stojak pionowy budynki znajdują się w prawej trzeciej części ramy.
3. W lewej trzeciej części obrazu jest dużo chmur, które przyciągają uwagę.
4. Odbicie dodaje dodatkowej ostrości chmurom. Wygląda pięknie.

Każdy z nas przynajmniej raz w życiu trzymał w rękach sprzęt fotograficzny. Kamera filmowa, cyfrowa „mydelniczka”, lustrzanka, a przynajmniej telefon komórkowy z wbudowanym systemem foto. A każdy z nas ma swoją wizję i rozumienie, jak robić zdjęcia. Dla wielu algorytm „zobaczył (nieważne co), wycelował aparat (nieważne jak), skupił (coś zapiszczał/pierdnął w aparacie) i nacisnął spust (oba włączone, fajne zdjęcie)” dla wielu. Znacznie mniej osób myśli o innych kontrolkach aparatu poza spustem migawki i automatycznymi trybami fotografowania i do czego to wszystko jest przeznaczone. A bardzo mały kontyngent tych, którzy robią zdjęcia, są ciągle niezadowoleni z wyniku, wtedy próbują znaleźć informacje, czytać, dowiadywać się, analizować, próbować strzelać, uczyć się obróbki zdjęć ... i dopiero po wielu, wielu próbach i eksperymenty, zaczynają cieszyć się tym, co się okazuje. A ich zdjęcia jednocześnie uderzająco różnią się od hańby, na którą się pospieszyli etap początkowy znajomość techniki fotograficznej.

Ten artykuł jest przeznaczony dla drugiej grupy wymienionych, ponieważ pierwsza grupa jest „nieuleczalnie szczęśliwa” nawet bez naszej rady, a trzecia – dobra robota, sami już wszystko osiągnęli lub czytają bardziej fachową, kompetentną literaturę niż ta blog. Jednak druga grupa również potrzebuje pierwszej pomocy, wskazówek przedstawionych jak najprościej, co nie zrazi ciekawskich użytkowników sprzętu fotograficznego, a wręcz przeciwnie nakieruje ich na właściwą ścieżkę, a wtedy będą mieli dużą szansę na przejść do trzeciej kategorii dociekliwych entuzjastów fotografii.

Temat dzisiejszego postu to podstawy kompozycji w fotografii. Czym jest kompozycja? Na początek zwróćmy się do naszej Wikipedii, którą często czytają wszyscy ;)

Kompozycja(z łac. compositio - składanie, łączenie, łączenie) - jedna z głównych kategorii kreatywność artystyczna. W przeciwieństwie do rysunku, koloru, linii, objętości, przestrzeń nie jest jednym ze składników formy artystycznej, ale artystyczno-figuratywną integralnością treściowo-formalną - najbardziej złożonym i doskonałym rodzajem struktury, w której wszystkie elementy są organicznie ze sobą powiązane. Taka integralność w architekturze, malarstwie, grafice, rzeźbie, sztuce i rzemiośle oraz designie ma charakter irracjonalny, osiągana przez artystę intuicyjnie, jest oryginalna i niepowtarzalna. Innymi słowy, jedyne, niepowtarzalne połączenie elementów to esencja kompozycyjnej integralności. Ta specyficzna integralność opiera się na następujących zasadach: nowość, przejrzystość, integralność, rozwój.

Więcej zwykły język można powiedzieć, że kompozycja, jeśli jest obecna w kadrze, odróżnia dobrze skonstruowaną, artystycznie zweryfikowaną kadr od bezmyślnego stukania migawki i tony postrzępionej obsceniczności wrzuconej później do „Kosza”.

Niemniej jednak, chociaż architekt L. B. Alberti w swoim traktacie „Trzy księgi o malarstwie” (1435-1436) powiedział, że Kompozycja jest kompozycją, wynalazkiem, wynalazkiem, jako aktem wolnej woli artystycznej. . Ale ten rodzaj swobodnej kreatywności jest niedostępny dla większości osób dołączających do branży fotograficznej, potrzebują algorytmu, sekwencji działań na początkowym etapie, pewnych zasad, które pozwalają zebrać sensowne zdjęcie w kadrze. Dlatego dzisiaj rozważymy podstawy kompozycji w postaci spójnego opracowania głównych i najbardziej proste zasady które w rzeczywistości może być zastosowane w praktyce przez każdą rozsądną osobę.

Za główną zasadę kompozycji uważa się złoty podział(proporcja złota, podział w stosunkach skrajnych i średnich, podział harmoniczny). Złoty podział to stosunek dwóch wartości b i a, a > b, gdy a/b = (a+b)/a jest prawdziwe. Numer, równy stosunkowi a/b, zwykle oznaczane wielką grecką literą Φ, na cześć starożytnego greckiego rzeźbiarza i architekta Fidiasza, rzadziej grecką literą τ. Uproszczony model złotej sekcji to Zasada trójpodziału.

Zasada nr 1 . Zasada trójpodziału- To zasada konstruowania kompozycji w oparciu o uproszczoną zasadę złotego odcinka. Zasada trójpodziału dotyczy rysunku, fotografii i projektowania.
Przy wyznaczaniu środków wizualnych rama z reguły jest podzielona liniami równoległymi do jego boków, w proporcjach 3:5, 2:3 lub 1:2 (przyjmowane są kolejne liczby Fibonacciego). Ostatnia opcja daje podział ramy na trzy równe części (trzecie) wzdłuż każdego z boków.
Pomimo zauważalnej różnicy między pozycjami centrów uwagi uzyskanymi przez zasadę trójpodziału a złotym przekrojem, technologiczna prostota i przejrzystość sprawiły, że ten schemat kompozycyjny stał się bardziej popularny.
W wizjerach niektórych aparatów zastosowano siatkę z zasadą trzech części, która ułatwia komponowanie ujęcia.

Zasada mówi, że obraz należy uznać za podzielony na dziewięć równych części przez dwie równoodległe równoległe linie poziome i dwie równoległe pionowe linie. Wzdłuż tych linii lub na ich przecięciu powinny znajdować się ważne części kompozycji – w tzw. punktach mocy. Zwolennicy tej zasady twierdzą, że wyrównanie ważnych części za kropkami i liniami daje wrażenie podkreślenia, większego napięcia, energii i większego zainteresowania kompozycją niż po prostu umieszczenie obiektu w centrum kadru.

Wybór odpowiedniego punktu lub linii, na której znajduje się główny obiekt, pozwala zwiększyć wyrazistość obrazu. Jeśli inne rzeczy są takie same, obowiązuje następująca zasada: jeśli na obrazie jest tylko jeden obiekt, pożądane jest umieszczenie go po lewej stronie kadru. Zalecenie opiera się na nawyku rozwijanym przez czytanie, aby patrzeć na obrazy od lewej do prawej (podobnie dla czytelników od prawej do lewej).

Na tym zdjęciu najbardziej wyrazistą częścią kompozycji są oczy węża, znajdują się one na przecięciu dwóch linii trzecich, poziomej góry i pionowej prawej.

Jeśli na obrazku jest kilka obiektów, obiekt dominujący należy umieścić w prawym dolnym punkcie. Ta technika jest szczególnie przydatna podczas fotografowania obrazów o zabarwieniu emocjonalnym. Rekomendacja opiera się na wzmocnieniu percepcji najnowszych otrzymanych informacji. Reguła trójpodziału jest jedną z najprostszych reguł kompozycji, ale są też inne reguły kompozycji. Tak więc słynny radziecki i rosyjski fotograf Alexander Lapin wierzył: „tak zwana zasada trzech części została wymyślona dla początkujących, którzy po prostu nie wiedzą, jak skomponować ujęcie”.

Zasada nr 2 . Metoda przekątnej(metoda przekątnych) to jedna z zasad kompozycji w fotografii, malarstwie i grafice. Holenderski fotograf Edwin Westhoff przypadkowo natknął się na tę metodę, eksperymentując wizualnie, aby zbadać, dlaczego zasada trójpodziału jest tak niedokładna. Po przeanalizowaniu licznych fotografii, obrazów i grafik stwierdził, że szczegóły obrazów, którym poświęca się większą uwagę, znajdują się na przekątnej kwadratu.

Ramka to prostokąt o proporcjach 4:3 lub 3:2. Widz zwraca większą uwagę na detale znajdujące się na czterech dwusiecznych przechodzących przez rogi kadru. Szczegóły obrazów, którym poświęca się więcej uwagi, to często z dokładnością do milimetra na jednej lub kilku ukośnych liniach leżących pod kątem 45° i przechodzących przez rogi kadru. W przeciwieństwie do innych zasad kompozycji, takich jak zasada trójpodziału i złoty podział, metoda przekątna nie przyczepia się wielkie znaczenie do miejsca, w którym linie się przecinają i skupia się na dowolnej pozycji leżącej po przekątnej. Dopóki te detale leżą na ukośnych liniach przebiegających przez rogi ramy, przyciągają uwagę. Jednak metoda diagonalna wymaga, aby te szczegóły obrazu leżały dokładnie po przekątnej, z maksymalnym odchyleniem 1 mm na formacie A4. W przeciwieństwie do innych zasad kompozycji, metoda ta nie służy do ulepszania samej kompozycji.

Edwin Westhoff odkrył, że rysując linie na obrazie pod kątem 45°, można zobaczyć, które szczegóły artysta chciał podkreślić. Badania wykazały na przykład, że ważne szczegóły obrazy i ryciny Rembrandta van Rijna leżą dokładnie po przekątnej: oczy, ręce, przedmioty gospodarstwa domowego.

Metodę diagonalną stosuje się tylko w przypadku obrazów, w których należy podkreślić lub uwydatnić pewne szczegóły: na przykład portret, na którym pewne części ciała zasługują na większą uwagę lub zdjęcie reklamowe produktu. Niektóre zdjęcia krajobrazów zawierają osobno ważne szczegóły, takie jak ludzie stojące drzewa lub budynek, który może leżeć po przekątnych, ale zazwyczaj na zdjęciach krajobrazów i budynków trzeba widzieć duży obraz, gdzie często inne linie determinują konstrukcję obrazu, np. horyzont.
Kilka przykładów zdjęć zrobionych w metoda przekątna: http://www.diagonalmethod.info/

Zasada nr 3 . Symetria. Symetryczne sceny idealnie nadają się do wyśrodkowanej kompozycji. To bardzo potężne narzędzie do komponowania. Ramki z lustrzane odbicie to kolejny sposób na wykorzystanie symetrii.

W naturze duża liczba obrazy wizualne podlegają prawu symetrii. Dlatego w kompozycji łatwo dostrzega się symetrię. W sztuki piękne symetrię uzyskuje się poprzez takie rozmieszczenie przedmiotów, że jedna część kompozycji wydaje się lustrzanym odbiciem drugiej. Oś symetrii przechodzi przez środek geometryczny. Symetryczna kompozycja służy oddaniu spokoju, stabilności, niezawodności, a czasem majestatu. Jednak tworzenie obrazu absolutnie symetrycznego nie jest tego warte. W końcu nic nie jest doskonałe w naturze.

Zasada #4 . nieostrość. Użycie głębi ostrości, gdy główny obiekt semantyczny fotoreportażu jest ostry, a reszta obiektów jest rozmyta. To świetny sposób na dodanie poczucia głębi do ramy. Zdjęcia mają charakter dwuwymiarowy, a technika ta pozwala na uzyskanie efektu trójwymiarowości. Podobny efekt można osiągnąć odbarwiając tło, ale są to już programowe metody obróbki końcowej.

Zasada nr 5 . Ramy. Ramka w ramce (lub „ramka po ramce”) to kolejna efektywny sposób obrazy głębi kompozycji. Zwróć uwagę na takie elementy jak okna, łuki czy zwisające gałęzie. „Obramowanie” nie musi otaczać całej klatki, aby było skuteczne. To kolejny sposób na przedstawienie głębi i perspektywy, nadając ramie wrażenie trójwymiarowości.

Zasada #6 . linie. Linie najlepiej sprawdzają się jako prowadnice: oko przylega do linii i podąża za nią, od lewej do prawej i od dołu do góry. W ten sposób linia prowadzi oko widza przez kadr, skupiając się na głównym obiekcie. Linie prowadzące nie muszą być proste. Zakrzywione linie mogą być bardzo atrakcyjną cechą kompozycyjną.

W tej kadrze linie konturu mostu i wyimaginowane linie światła lampy po obu stronach środka kadru „prowadzą” nas do głównego tematu – Świątyni. W tej kompozycji zastosowano również metodę symetrii.

Zasada nr 7 . Geometria: trójkąty i przekątne. Trójkąty i przekątne dodają oprawie „dynamicznego napięcia”. To jedna z najskuteczniejszych technik kompozytorskich – kompozycja diagonalna. Jego istota jest bardzo prosta: główne obiekty ramy umieszczamy po przekątnej ramy. Na przykład od lewego górnego rogu ramki do prawego dolnego rogu. Ta technika jest dobra, ponieważ taka kompozycja nieustannie prowadzi oko widza przez całe zdjęcie.

Zasada nr 8 . Wzory i tekstury. Wzory w fotografii to powtarzające się obiekty, które można wykorzystać do skomponowania ujęcia. Wokół nas jest wiele wzorców, zwłaszcza w krajobrazie miejskim. Sama tekstura nie ma znaczenia. Światło padające na teksturę odgrywa rolę i tworzy objętość dzięki cieniom.

Zasada #9 .Zasada nieparzystego obiektu. Zasada jest taka: obraz jest bardziej atrakcyjny wizualnie, jeśli jest liczba nieparzysta rzeczy. Zgodnie z tą teorią parzysta liczba elementów sceny rozprasza uwagę, ponieważ widz nie jest pewien, na którym z nich skupić swoją uwagę. Nieparzysta liczba elementów jest postrzegana jako bardziej naturalna i przyjemniejsza dla oczu. Szczerze mówiąc, jest wiele przypadków, w których tak nie jest, ale z pewnością ma to zastosowanie w niektórych sytuacjach.

Zasada #10 . Wypełnienie ramki. Wypełnianie kadru obiektem, pozostawiając niewiele miejsca wokół niego lub nie pozostawiając go wcale, może być bardzo skuteczne w pewnych sytuacjach. Technika ta pozwala w pełni skupić się na głównym temacie, środku kompozycji, bez rozpraszania uwagi. Pozwala także widzowi poznać szczegóły, które nie byłyby możliwe, gdybyś fotografował z dystansu.

Zasada #11 . Zmiana wysokości punktu pomiarowego. Perspektywa jest podstawą wszystkiego. Aparat (odpowiednio punkt fotografowania) musi być przesuwany nie tylko w poziomie, ale także w pionie. Jednym z najczęstszych punktów strzelania jest ustawienie go na poziomie ludzkiego oka: jednocześnie kształt obiektu, jego objętość, układ perspektywy i relacja z tłem są znajome dla oka.
Takie punkty pomiarowe nazywane są normalną wysokością. W tym przypadku obraz prawie nie jest zniekształcony. Większość fotografii na świecie jest robiona z „normalnego” punktu obserwacyjnego. Ale często użycie górnych i dolnych punktów strzeleckich pomaga zrealizować kreatywny pomysł.

Zasada #12 . Więcej wolna przestrzeń w kadrze lub proste tła. Pozostawienie dużej ilości pustej przestrzeni (lub powietrza) wokół obiektu zapewni bardzo atrakcyjne ujęcia o prostym i minimalistycznym charakterze. Podobnie jak wypełnienie kadru, pomaga to widzowi skupić się na głównym obiekcie bez rozpraszania uwagi. Często zdjęcia są robione przy użyciu prostego tła, które nie odwraca uwagi od głównego tematu. Możesz także stworzyć prostą kompozycję, powiększając część obiektu i skupiając się na określonym szczególe.

Zasada #13 . Kierunek i przestrzeń. W kadrze musisz zostawić miejsce na wyimaginowany ruch poruszających się w kadrze obiektów. Ta zasada może być również stosowana podczas fotografowania ludzi. Zasada kierunku i przestrzeni sugeruje, że obiekt musi patrzeć w obiektyw lub jego wzrok musi paść na coś w kadrze. Jeśli wyimaginowana linia wzroku obiektu dość szybko wypadnie z kadru – wydaje się to dziwne, kadr staje się niewypowiedziany. Z grubsza mówiąc, jeśli osoba w kadrze znajduje się po lewej stronie, powinna patrzeć albo w obiektyw, albo w prawo, ale nie w lewo.

Na zdjęciu po lewej statek płynie od lewej do prawej, a w kadrze zostało miejsce na jego wyimaginowany ruch po prawej stronie statku.

Zasada #14 . Saldo. Równowaga lub równowaga jest bardzo ważna. Sztuczka równowagi kompozycyjnej polega na tym, że nie ma jednej słusznej rekomendacji. Będziesz musiał kierować się nie tylko zasadami, ale także wrodzonym poczuciem równowagi.
Pierwszą wytyczną kompozycyjną była „reguła trójpodziału”. To oczywiście oznacza, że ​​często umieszczamy główny obiekt zdjęcia z dala od środka kadru, wzdłuż jednej z pionowych linii siatki. Ale czasami może to prowadzić do braku równowagi, jeśli zostawisz coś w rodzaju „pustego” w pozostałej części kadru.
Aby temu zaradzić, możesz zrobić zdjęcie, na którym po drugiej stronie kadru znajdzie się obiekt o drugorzędnym lub mniejszym znaczeniu (lub rozmiarze). Zrównoważy to kompozycję bez odwracania uwagi od głównego tematu.

Zasada #15 . Uzupełnienie/kontrast. Podobieństwo lub opozycja to bardzo potężne narzędzie w kompozycji fotograficznej. Technika ta polega na umieszczeniu w kadrze dwóch lub więcej elementów, które albo kontrastują, albo się uzupełniają. Oba podejścia mogą się bardzo dobrze sprawdzać i odgrywać ważną rolę w fotografii - pomagają opowiedzieć historię.

Na tym zdjęciu w tle Moulin Rouge w Paryżu, z wielobarwnymi wstążkami falującymi w powietrzu na pierwszym planie, które uzupełniają się nawzajem z budynkiem słynnego francuskiego kabaretu, wzmacniając wizerunek święta na zdjęciu.

Wszystkie zdjęcia - fotomatika

Jeśli ten wpis jest używany aktywny link do niego jest wymagany.

Czy zauważyłeś, że w zasadzie, jeśli zrobisz stopklatkę do jakiegoś dobrego filmu, to ta ramka będzie piękna, jak obraz. Zwykle pracuje nad tym wiele osób i bardzo kompetentnych operatorów. Układ obiektów w kadrze nazywa się kompozycją, a jego zasady są takie same w sztuce, fotografii i wideo.

Powiedziałem „zasady”, ale wideo nie jest Dokładna nauka, można złamać wszelkiego rodzaju zasady, ale zanim je złamiesz, musisz je znać.

Nawet jeśli po prostu je podążysz, otrzymasz przyzwoity obraz.

W artykule o planach opowiedziałem o tym, jakie plany istnieją w filmie. Kontynuujmy ten temat.

Zacznijmy od długiego strzału, jaki jest najlepszy sposób na strzelanie do pola? Gdzie w kadrze będzie linia horyzontu? W samym środku? Nad czy pod? Zazwyczaj początkujący ustawiają linię horyzontu w samym środku kadru, co sprawia, że ​​zdjęcie wygląda nudno.

Istnieje taka zasada – „reguła trójpodziału”, uproszczona wersja złotego podziału – techniki, którą stosowali artyści renesansu.

Wyobraź sobie ramkę. Podziel go na trzy równe części poziomo i pionowo. Swoją drogą w kamerze lub kamerze jest funkcja, która zawiera taką siatkę, aby ułatwić nawigację, na wizjerze wygląda to tak:

Teraz, jeśli chodzi o horyzont, można go umieścić bliżej 1/3 w poziomie lub 2/3, w zależności od tego, na czym kładzie się nacisk, na niebie lub na ziemi.

Zdjęcie po lewej to pejzaż autorstwa flamandzkiego artysty Davida Teniersa Młodszego. Po prawej kadr z filmu Duma i uprzedzenie w reżyserii Joe Wrighta. Jak widać, artyści dawni i teraźniejszości trzymali się tej zasady.

Tutaj linia horyzontu zbliża się do górnej, co sprawia, że ​​ziemia jest wyrazista.

Mając plan dalekosiężny, trochę zdecydowaliśmy, teraz przechodzimy do większego. Zalecenia ogólne jak filmować ludzi. Pamiętaj, że zasada trójki może być stosowana w każdym planie, od najbardziej ogólnego do największego.

Kadr pokazuje, że jedna trzecia to sufit, dwie trzecie to tłum i główni bohaterowie.

Podczas fotografowania w planie środkowym twarz można umieścić w jednym z górnych przecięć linii tercjowych.

Podczas strzelania zbliżenie górna linia tercji biegnie w okolicach oczu.

Również ustawiając postać, nie zapomnij o kierunku jego spojrzenia i zostaw trochę więcej przestrzeni gdzie patrzy, aby nie wydawało się, że opiera się o ścianę.

Najważniejszą i najtrudniejszą rzeczą jest upewnienie się, że każda klatka jest taka piękne zdjęcie. Na filmie jest to bardzo trudne, bo postacie się poruszają. Więc wziąłeś go na środkowy plan, a on podszedł i okazał się być obrzezany do kolan - nie przerażający, ale lepiej jeszcze raz prześledzić.

Stosując zasadę trójpodziału sprawisz, że Twój film będzie jeszcze piękniejszy i bardziej kompetentny. Powodzenia.

Stworzenie ciekawej i przyciągającej wzrok kompozycji to klucz do atrakcyjnej ilustracji.. Obrazy z potężną kompozycją elementów przyciągną uwagę widzów i zatrzymają je, aż każdy najmniejszy szczegół, nad którym tak mozolnie pracowałeś, zostanie doceniony.
Z kolei źle złożony obraz może zepsuć wygląd nawet najpiękniej przedstawionych przedmiotów, wywołując wrażenie, że coś jest w nim nie tak. Wielu nawet nie zrozumie dlaczego, ale obraz będzie mniej atrakcyjny i trudniej będzie zrozumieć jego znaczenie. W dalszej części tego samouczka nakreśliłem 20 punktów, które moim zdaniem są jednymi z podstawowych zasad dobrego składu, zasadami, na których zawsze polegam, gdy podnoszę pędzel.

1. Punkt centralny
Każdy obraz z potężnym ładunkiem kompozycyjnym ma dominujący obiekt lub punkt centralny, który jest środkiem całego obrazu. Wszystkie inne elementy obrazu powinny uzupełniać lub oprawić ten obiekt. Punktem centralnym może być wszystko, od drapacza chmur w oddali do papierowy kubeczek stojąc na parapecie i z widokiem na całe miasto. Bardzo ważne jest, aby centralny punkt pasował do obrazu. Jest wiele sposobów na podkreślenie głównego punktu – „Zasady jednej trzeciej” czy „Zasady złotego podziału” – ale nie będę się zagłębiał w tę kwestię, bo. dla mnie ważniejsze jest wyczucie obrazu, bez żadnych zasad.

2. Umieszczenie innych przedmiotów
Wszystkie inne obiekty powinny współgrać z punktem centralnym, a tym samym wzmacniać efekt całej kompozycji. Zgrabnie rozmieszczone elementy obrazu przyczynią się do tego, ostatecznie dodając głębi, równowagi i realizmu. Zwróć uwagę na obraz „Nimbus” („Nimbus”), który przedstawia krajobraz, który kieruje wzrok widza w dal; lub na drobnych szczegółach, takich jak samochód, w pobliżu zacumowanego statku na obrazie „Prometeusz” („Prometeusz”).

3. Jedność przedmiotów
Bardzo ważne jest, aby wszystkie elementy obrazu wyglądały odpowiednio, podkreślając, że kształty i struktury obiektów w oddali są podyktowane warunki zewnętrzne między nimi a widzem; lub że wszystkie obiekty i konstrukcje prawidłowo odbijają światło i rzucają cienie. Dzięki takiemu podejściu zwycięży kompozycja. Wróćmy do obrazu „Prometeusz” („Prometeusz”) – zwróćmy uwagę, jak statek rzuca cień na molo i otaczające go budynki, dodając temu momentowi sporo realizmu.

4. Kadrowanie
W obrazach o złożonej kompozycji przydatna może być technika, taka jak kadrowanie, która pomoże kierować wzrok widza po obrazie i zatrzymać go na nim. Można to osiągnąć, po prostu dodając gładkie linie lub wyraźne sylwetki, aby skierować oko dokładnie w miejsce, które ma zostać podkreślone, częściej jest to punkt centralny. Ponownie zwróć uwagę na obraz „Prometeusz” („Prometeusz”) - ponieważ. jest to bardzo dobrze widoczne na nim - gdzie wykadrowałem środek obrazu dużym, skierowanym do przodu molem.

5. Unikaj linii stycznych
Mogą negatywnie wpłynąć na cały obraz i oczywiście należy ich unikać. Styczne to linie od poszczególne elementy zdjęcia, które przecinają się na końcu. Na przykład linie energetyczne, które zbiegają się w rogu budynku. Odsuwając te linie energetyczne z dala od budynku, przesuwając je nieco wyżej lub niżej, można uniknąć wizualnego problemu percepcji.

6. Temperatura barwowa
Kiedy stajesz przed wyborem dominujących kolorów do swojego obrazu, zawsze pamiętaj, że obraz będzie kojarzył się albo z chłodem, albo ciepłe doznania, nie może być jednocześnie ciepło i zimno (chyba że jest to technika autora). Oczywiście możesz w swoim obrazie używać zarówno ciepłych, jak i zimnych kolorów, ale zawsze jeden z nich powinien dominować, nawet jeśli nie za bardzo (jak np. w obrazie Dungeon).

7. Nasycenie bieli
Gradient kontrastu jest bardzo ważne narzędzie przy tworzeniu ciekawej kompozycji. Idealnie powinieneś osiągnąć równowagę między światłem, średnim i ciemny ton używając przynajmniej niektórych z nich. Aby uzyskać dobrą równowagę, spróbuj użyć maksymalnie jednego z odcieni, trochę drugiego i trochę trzeciego, na przykład jak na moim obrazie „Pokój” (Pokój) – wziąłem 60% ciemność , 25% średni i 15% jasny ton .

8. Głębokość
Bardzo ważne są również głębokość i kąt. Obrazy pod określonym kątem wymagają dobrze zorganizowanej i realistycznej głębi za nimi, wykorzystującej szereg elementów, które prowadzą oko głębiej w obraz. Tymi elementami mogą być ogrodzenia, szyny kolejowe, miejski pejzaż, a nawet po prostu rząd kwiatów na polu. Najlepsze obrazy kompozycyjne maluje się tak, jakbyś oglądał je od środka.

9. Zamknięcie
W przeciwieństwie do linii stycznych ta pozycja odnosi się do elementów obrazu, które zazębiają się ze sobą. Wszystkie elementy obrazu powinny być oddalone od siebie lub znajdować się w bliskiej odległości. Zamknięte obiekty tworzą połączony kształt, który odciąga wzrok widza i sprawia, że ​​przestaje on wpatrywać się w obraz.

10. Światło
Po ukształtowaniu obiektu to jest dla mnie najważniejsza część. Przed zamalowaniem rysunku zwracam dużą uwagę poprawna inscenizacja Swieta. Podzieliłem ten temat na kilka logicznych części, aby wyjaśnić bardziej szczegółowo różne funkcje tworzenie lekkiej i realistycznej równowagi kompozycyjnej.

11. Niech się stanie światłość!
Wybierz pozycję dla głównego (najjaśniejszego) źródła światła – na przykład słońca, okna lub lampy ulicznej – w której obiekt będzie wyglądał trójwymiarowo i rzucał ciekawy cień. Światło pierwotne może być główną częścią kompozycji, a nawet jej centralnym punktem; określa, jakiego koloru będzie wszystko, na co spadnie. Bez światła nic nie zobaczymy: dlatego jest bardzo ważne, a jego prawidłowe ustawienie nie mniej ważne.

12. Cienie
Cień może być użyty do podkreślenia kształtów obiektu, dołączenia ich do rysunku, a gdy prawidłowe użycie, aby dodać do kompozycji dodatkową ramę (np. jak na obrazie „Prometeusz” („Prometeusz”), gdzie górna część mola rzuca cień na Dolna część- promenada). Co ważne, cień wygląda lepiej, gdy znajduje się pod bezpośrednimi promieniami źródła światła.

13. Dodatkowe źródła światła
Ważnymi czynnikami w gotowej kompozycji są drugorzędowe i trzeciorzędne źródła światła. Źródłami wtórnymi mogą być rozproszone lub bezpośrednie promienie światła odbite od powierzchni, na którą padło światło pierwotne, lub słaba poświata z lampy uliczne i reflektory samochodowe, a nawet silne źródła światła blisko pierwotne. Dodane światło wtórne pozwala uwydatnić szczegółowość obrazu i rozmieszczenie elementów obrazu.

14. Atmosfera
Głębokość atmosferyczna i okluzja (pochłanianie światła) są ważnymi składnikami pojedynczej kompozycji na zdjęciu. Może to być przestronna przestrzeń, w której przezroczyste powietrze między widzem a horyzontem nabiera koloru i kontrastu tonalnego; lub może być mały obszar, gdzie światło przechodzi przez zakurzone powietrze, przybierając subtelny kolor (np. jak na obrazie „Pokój”.) Silny strumień światła może również nadać obrazowi szczególny klimat, odbijając się i rozpraszając.

15. Struktura powierzchni
Przemyślane i odpowiednio zbudowane konstrukcje są również bardzo ważne dla równowagi kompozycyjnej. różne powierzchnie. Należy wyraźnie zrozumieć, że użycie odblaskowych lub błyszczących powierzchni może przyciągnąć uwagę widza. W Prometeuszu zastosowałem dużo powierzchni odbijających światło, które na pewno przykują uwagę widzów, ale też nie odciągną zbytnio od głównego elementu obrazu - statku, a jedynie wzmocnią jego efekt. Lub odwrotnie, użycie matowych i brudnych tekstur może wywołać u publiczności zupełnie inne odczucie (np. na obrazie „Pokój” (Pokój)).

16. Kierunek spojrzenia
Możesz również zwrócić uwagę na obraz za pomocą elementów, które kierują wzrok widza na środek lub wokół kadru. Można to osiągnąć różne sposoby. Na przykład stare dobre płoty lub drogi wychodzące w dal, albo, jak na obrazku "Nimbus" ("Nimbus"), ogromny budynek, który przecina niebo i prowadzi oko z lewego górnego rogu do samego środka. Sztuczka polega na tym, że widz poprowadzi wzrok wzdłuż łuku, aż dojdzie do punktu końcowego - najważniejszej części obrazu.

17. Trzymanie wzroku
Jeśli widz zwrócił uwagę na zdjęcie, ważne jest, aby dłużej utrzymać ten wygląd. Wróćmy do starej dobrej techniki z ogrodzeniem prowadzącym w dal od lewej do prawej. Po prawej stronie na pewno będziesz musiał coś dodać, na przykład kilka drzew, a może mały dom, aby następnie płynnie skierować wzrok widza na całą kompozycję. Wróćmy ponownie do obrazu „Nimbus” („Nimbus”). Zwróć uwagę, jak oko idzie wzdłuż linii i zatrzymuje się na mieście, patrząc na skały po lewej i samo miasto po prawej.

18. Dramatyczny
Przedstawienia w dużej skali i epickie są zwykle dramatyczne lub bardzo spokojne. Aby dodać dramaturgii obrazowi, można bawić się głębią, skalą, szybkością ruchu elementów lub ich spokojem. Na obrazie „Nimbus” („Nimbus”) jest duży łukowata struktura wyłania się zza widza, zatapia się w chmurach i opada w odległy punkt, pokazując tym samym, jak ogromny jest w stosunku do stosunkowo niewielkich drapaczy chmur na styku z ziemią.

19. Saldo
Osiągnięcie równowagi w kompozycji to kwestia praktyki, zwłaszcza jeśli Twoim punktem centralnym jest duży i dramatyczny szczegół, który oddaje większość kadru. Nawiązując ponownie do obrazu Nimbus - tutaj zbalansowałem obraz, używając kilku niższych budynków, klifów opadających w dal po lewej i dodając chmury, które wygładzają obraz. Razem te elementy tworzą harmonię między ogromnym punktem centralnym a resztą otoczenia.

20. Skala względna
Złożone kompozycje przedstawiające inne formy i wymiary muszą być prawidłowo skonstruowane, aby widz widział i rozumiał skalę elementów obrazu. Na zdjęciu "Prometeusz" narysowałem kilka osób - jedne bliżej, inne dalej od statku, aby pokazać ogromne rozmiary tego statku i molo. Możesz tworzyć ogromne skale, o ile pozwala Ci wyobraźnia i granice płótna. Z małe przedmioty w ten sam sposób – czy to szklanka z ołówkami, czy telefon na krawędzi stołu – wszystko powinno służyć temu, by widz zrozumiał wielkość stołu.

10 wskazówek, które pomogą Ci poprawić kompozycję zdjęć. Za każdym razem, gdy zastanawiasz się, jak skomponować zdjęcie, możesz skorzystać z tych wskazówek, aby uzyskać dobre ujęcia.

Mówiąc prościej, „zasadą nieparzystości” jest posiadanie na zdjęciach nieparzystej liczby obiektów. Na przykład zdjęcie tylko jednego obiektu lub grupy trzech osób. Ta technika uatrakcyjnia i uatrakcyjnia fotografię dla ludzkiego oka.

Ten obraz czterech jagód jest dość mdły i nudny. Na tym obrazie trudno znaleźć środek ostrości.

Chociaż ujęcie jest podobne do poprzedniego zdjęcia, nieparzysta liczba truskawek czyni go ciekawszym.

Limit ostrości to w prosty sposób dodaj sam fokus. Może to nie być konieczne na wszystkich zdjęciach, ale jest przydatne, gdy masz obiekty, które chcesz ukryć. Najczęstszym zastosowaniem tej techniki jest rozmycie niechcianego tła. Możesz zmniejszyć głębię ostrości swoich zdjęć, używając dużej przysłony (np. F1.8), powiększając obraz i używając aparatu o wysokiej czułości (np. pełna ramka DSLR).

Gdyby drzewa w tle były ostre, odwróciłoby to uwagę od tematu tego zdjęcia. Niewyraźne tło podkreśla skupienie się na parze.

Rozmycie tła pomaga przyciągnąć uwagę ludzi.

Dobrym sposobem na ustawienie środka ostrości jest możliwie najprostsze zdjęcie. Bardzo wygodnym sposobem w tym celu należy ograniczyć liczbę obiektów na zdjęciu. Możesz także użyć poprzedniej wskazówki, aby zamazać niechciane obiekty.

Prostota tego zdjęcia wyjaśnia pomysł. Proste zdjęcie przyciąga uwagę i sprawia, że ​​ludzie patrzą na nie dłużej.

Wyśrodkowanie obiektu zapewnia równowagę na zdjęciu. Centrowanie najlepiej wygląda na proste zdjęcia z kilkoma przedmiotami.

Możesz poprawić ostrość obiektu, utrzymując wyraźną przestrzeń wokół obiektu.

Nudny przedmiot staje się interesujący, jeśli jest prosty i wyśrodkowany.

To jeden z najskuteczniejszych i najpopularniejszych sposobów komponowania zdjęcia. Dzięki tej technice możesz poprawić swoje zdjęcia. „Reguła trójpodziału” zwiększa atrakcyjność zdjęcia, dopasowując obiekt do jednego z czterech punktów wyimaginowanego prostokąta 3x3 utworzonego z Twojego obrazu.

Prosty obraz stał się ciekawszy po zastosowaniu zasady trójpodziału.

Podczas robienia portretów możesz zastosować zasadę trójpodziału, aby zwiększyć ostrość oczu. Po prostu ustaw oko lub obszar między oczami, stosując zasadę trójpodziału, aby stworzyć dobry portret.

Przestrzeń wiodąca to przestrzeń przed obiektem. Ten element jest powszechnie używany w połączeniu z zasadą trójpodziału, aby stworzyć więcej ciekawe zdjęcie. Pozostawiając kawałek przestrzeni przed obiektem, widz zobaczy kontynuację akcji.

Snowboardzista jest ustawiony na zasadzie trójpodziału z pewną przestrzenią przed sobą.

Pozostawienie części wyprzedzającej przed biegaczem sprawia, że ​​zdjęcie wygląda na bardziej aktywne. Zwraca też większą uwagę na zachód słońca.

Pozostawienie skrawka przestrzeni za biegaczem powoduje pojawienie się efektu końca biegu.

Krzywa S to wyimaginowana smuga na zdjęciu w kształcie litery S. Ten rodzaj smug sprawia, że ​​zdjęcie wygląda ciekawiej, kierując oko wzdłuż wcześniej określonej ścieżki.

Przykład autostrady z krzywą S. To zdjęcie prostego krajobrazu jest bardziej interesujące z krzywą S.

Podobne zdjęcie autostrady, ale bez krzywej S, jest mniej dynamiczne.

Najwcześniejsze przykłady krzywej S są używane w rzeźbie greckiej i rzymskiej.

Większość fotografii ma środek i tło, a pierwszy plan jest bardzo mało miejsca. Możesz ulepszyć swoje zdjęcia krajobrazowe, dołączając niektóre obiekty na pierwszym planie. Jest to niezbędna technika tworzenia poczucia skali i sprawienia, by widz poczuł się jak na zdjęciu.

Skały w tym krajobrazie dodają fotografii skali i poczucia głębi.

Uzupełnienie jeszcze Pierwszy plan zdjęcia dodaje poczucia rzeczywistości.

Kiedy myślisz, że jesteś wystarczająco blisko obiektu, spróbuj podejść jeszcze bliżej. Wypełnij większość kadru obiektem, a uzyskasz zupełnie inną kompozycję. Często bardziej atrakcyjna.

Bycie blisko obiektu i wypełnienie kadru głową wilka daje większy nacisk na wilka i tworzy więcej dramatyzmu. Oba zdjęcia przedstawiają tego samego wilka, ale historie, które opowiada, są zupełnie inne.

Oto kreatywny sposób na dodanie pierwszego planu do zdjęć! Użyj elementów wokół ciebie, aby stworzyć obraz otoczony obiektami. Ta technika to świetny sposób na uatrakcyjnienie zdjęcia i stworzenie obrazu, który wyróżnia się na tle innych.

To zdjęcie wykorzystuje sylwetkę do oprawienia Taj Mahal.

Rama nie powinna wyróżniać się ani mieć określonego kształtu. To może być tak naturalne, jak dwa drzewa na tym zdjęciu.