Analyse de la créativité par Tennessee Williams. Drame de T. Williams. Succès commercial et carrière d'écrivain

Théâtre plastique... Cette phrase provoque une légère perplexité et une grande variété d'associations. On pense au ballet, à l’art de la danse d’avant-garde, aux interprétations mimiques de Marcel Marceau… Mais il est peu probable que quiconque se souvienne immédiatement de Tennessee Williams à propos de ces deux mots. Cependant, c'est lui qui a inventé ce terme inhabituel, sorti de l'oubli dans la préface de sa propre pièce «La Ménagerie de verre».

Essayons de comprendre ce qui se cache derrière ces deux mots.

Tout d’abord, à propos de l’auteur. Tennessee Williams... Son vrai nom est Thomas Lanier. Sa vie de 72 ans (1911 - 1983) s'est déroulée aux États-Unis d'Amérique. Sensible, réceptif, impressionnable, il est passionné de théâtre dès sa prime jeunesse. Cependant, l'état du drame et du théâtre de cette époque ne le ravissait pas du tout, bien au contraire. La seule exception était peut-être Bernard Shaw, dont les créations extraordinaires et brillantes se détachaient clairement sur fond de monotonie générale. Mais le magnifique moqueur était loin – outre-mer. Et dans son sud natal des USA (malgré le fait qu'un demi-siècle s'était écoulé depuis la guerre de 1861-1865), tout était encore ordonné, traditionnel, patriarcal, ce qui ne contribuait pas au développement de l'art, à la recherche de nouveaux formes, expériences, pour lesquelles il était si avide de l'âme ardente du jeune Lanir. Ayant reçu une (pas mauvaise) éducation traditionnelle pour l'époque et son entourage, le futur dramaturge lui-même, sans regarder en arrière, s'est intéressé à tout ce qui était nouveau, extraordinaire, non testé, qui arrivait dans son coin tranquille. Et beaucoup de choses ont été réalisées. Les années de la Grande Dépression (difficile pour l’ensemble du pays, mais particulièrement difficile pour le Sud « traditionnel ») sont passées, et un autre flux d’immigrants et d’idées nouvelles ont afflué aux États-Unis. Mais les migrants actuels n’étaient pas seulement des chercheurs de bonheur, ils étaient pour la plupart des émigrés politiques, fuyant l’inévitable bataille de deux bêtes répandues à travers l’Europe – le fascisme et le totalitarisme sous un masque communiste. Ils ont apporté non seulement chagrin et inquiétude au pays, qui avait été soustrait aux désastres du reste du monde, mais aussi leurs découvertes, leurs réalisations dans divers domaines de l'art et de la science, leur connaissance des choses nouvelles que les grands esprits de l'Europe avaient découvert. C'est ainsi que l'Amérique a découvert les expériences théâtrales de Bertolt Brecht, les explorations littéraires de Hesse et des frères Mann, a retrouvé l'amertume maussade des œuvres d'Eliot, a découvert les révélations choquantes de Freud et bien d'autres choses qui constituent aujourd'hui le fonds d'or de la culture mondiale. .

Bien entendu, tout cela n’a pas échappé au futur dramaturge. Mais, possédant un esprit scrutateur et une âme sensible, il n'a pas accepté tout cela à la légère, mais l'a analysé et l'a laissé passer à travers lui. Aucune réalisation des sciences naturelles n’a ébranlé sa religiosité profondément enracinée ; le Freud qu’il percevait et aimait n’a pas influencé la poésie de sa nature et ne l’a pas forcé à abandonner la célébration de la poésie chez les autres.

Jusqu’en 1945, le monde ne connaissait pas Tennessee Williams. Il n'y avait que Thomas Lanier, qui semblait avoir accumulé pour lui-même pendant toutes ces années des connaissances, des impressions, des sensations, des pensées, pour les jeter plus tard sur un public abasourdi, et pas toujours prêt à cela. Sa première pièce, « The Glass Menagerie », publiée en 1945, a fait parler l’Amérique d’un nouveau dramaturge, comme s’il avait succédé à Eliot. Il a été suivi par Un tramway nommé Désir (1947), Orphée descend et Chat sur un toit brûlant (1955) et La Nuit de l'iguane (1961). Ces pièces montrent de manière vivante, franche et talentueuse les gens, juste les gens, qui nous entourent chaque jour partout. Ils sont extraordinaires, spirituels, poétiques, parfois romantiques et presque toujours solitaires, imparfaits d’une manière ou d’une autre. Ils laissent l'impression d'une sorte de perte, évoquent la pitié (pas du tout humiliante, au contraire), une envie d'aider, de protéger de quelque chose. Il n'y a presque pas de couleurs vives dans leurs personnages, de transitions continues, de nuances, de demi-teintes, de caractéristiques contradictoires.

Voici, par exemple, la caractérisation que Williams donne au personnage principal de The Glass Menagerie, Amanda Wingfield : « Cette petite femme a un immense amour de la vie, mais ne sait pas comment vivre et s’accroche désespérément au passé et au lointain. ... Elle n'est en aucun cas paranoïaque, mais toute sa vie est de la pure paranoïa. Amanda a beaucoup de choses attrayantes et drôles, vous pouvez l'aimer et la plaindre. Elle est sans doute caractérisée par une longue souffrance, elle est même capable d'une sorte d'héroïsme et, même si par inconscience elle est parfois cruelle, la tendresse habite son âme. Des personnages contradictoires similaires sont présents partout dans Williams. Même l'Orphée mythologique de l'ère des héros se transforme en une personne sensible, subtile, facilement blessée et en même temps courageuse, ferme, un peu trop déterminée et confiante.

Avec tout cela, les personnages des pièces sont incroyablement réalistes. L'impression est comme si le dramaturge les choisissait au hasard parmi la foule ou les écrivait parmi des voisins et des connaissances. Cependant, c'est peut-être le cas, il ne le dit clairement nulle part, la seule allusion se trouve au début de la préface de "La Ménagerie de verre" - qu'il s'agit d'un jeu de mémoire.

Mais il ne s’agit pas du réalisme ennuyeux et « endurci » qui fleurissait sur le théâtre de l’époque et qui a été utilisé dans notre pays pendant de nombreuses années sous le nom de réalisme socialiste. Williams n'acceptait pas du tout un tel réalisme : « Une pièce réaliste traditionnelle avec un vrai réfrigérateur et des morceaux de glace, avec des personnages qui s'expriment de la même manière que le spectateur s'exprime, est la même chose qu'un paysage dans la peinture académique, et a la même dignité douteuse – photographiquement similaire. » Le dramaturge voyait différemment le réalisme de l’art théâtral. Il croyait que ce qui est infiniment plus important n'est pas la scénographie et les paysages authentiques, la précision des costumes, les détails réalistes et le langage des personnages, mais la sincérité des sensations et des expériences que le spectacle évoque chez le spectateur. Williams pensait qu'une représentation était réussie lorsque les gens quittaient le théâtre avec le sentiment qu'ils venaient de vivre la vie de quelqu'un d'autre, lorsqu'ils étaient remplis des soucis et des chagrins de personnages fictifs, transféraient leurs expériences sur eux-mêmes et essayaient de regarder leur environnement. au prisme de ce qu’ils viennent de vivre. Et pour atteindre cet objectif, il propose d’utiliser largement les conventions de l’espace théâtral.

Voici comment Williams lui-même l'exprime : « L'expressionnisme et d'autres techniques dramatiques conventionnelles poursuivent un seul objectif : se rapprocher le plus possible de la vérité. Lorsqu'un dramaturge utilise une technique conventionnelle, il ne cherche pas du tout - du moins il ne devrait pas le faire - à se décharger de la responsabilité de traiter la réalité, d'expliquer l'expérience humaine ; au contraire, il s'efforce ou devrait s'efforcer de trouver un moyen d'exprimer la vie aussi sincèrement, aussi profondément et aussi vivement que possible. ... Maintenant, peut-être, tout le monde sait déjà que la ressemblance photographique ne joue pas un rôle important dans l'art, que la vérité, la vie - en un mot, la réalité - représentent un tout, et que l'imagination poétique peut montrer cette réalité ou en capturer les traits essentiels seulement en transformant l’apparence extérieure des choses. » Partant de ce postulat, Tennessee Williams propose sa conception du théâtre, qu’il appelle « théâtre plastique ». Il ne l'a pas fait de manière décorative et journalistique, simplement en postulant un nouveau concept dans un essai, mais en révélant ses principales dispositions dans la première pièce, qu'il a présentée au public, c'est-à-dire en montrant immédiatement sa propre vision du théâtre en action : « Ces notes ne sont pas seulement une préface à cette pièce. Ils proposent le concept d'un nouveau théâtre plastique, qui doit remplacer les moyens épuisés de la vraisemblance extérieure si nous voulons que le théâtre, en tant que partie de notre culture, retrouve sa vitalité.

Les pièces de Williams se caractérisent par une exhaustivité absolue. Pas l'intrigue, mais la scène, qui le distingue grandement de la plupart des autres dramaturges. Lorsqu'on lit les pièces de Beaumarchais, Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, sans parler des classiques antiques, il faut, aussi paradoxal que cela puisse paraître, bien savoir ce que l'on lit, sinon on tombera tout simplement hors de son contexte. , vous n'aurez pas une impression complète, vous vous retrouverez avec un sentiment d'incompréhension, d'incomplétude et, finalement, d'insatisfaction. Face à leurs propos comme : « La salle du palais de la comtesse » (« Le chien dans la crèche » de Lope de Vega), « La salle du château du Maure » (F. Schiller « Les voleurs ») ou « Les vêtements de Lignier sont en désordre ; il ressemble à un mondain ivre. (E. Rostand « Cyrano de Bergerac ») il faut très bien savoir à quoi ressemble la salle du palais comtal de Naples du début du XVIIe siècle ou dans un château médiéval de Franconie (il faut encore deviner où se trouve cette Franconie même ) et, au moins, avoir une idée de la façon dont les mondains s'habillaient à Paris au milieu du XVIIe siècle pour pouvoir imaginer un « mondain ivre ». Il n’existe pas de tels exercices pour l’esprit dans les œuvres de Williams. Et le fait n'est pas que le dramaturge écrivait le plus souvent sur ses contemporains, c'est-à-dire qu'il décrivait le XXe siècle, qui était proche et conforme à notre vision du monde, mais dans la nature même de la description, l'exactitude des moindres détails. Dans les pièces de Williams, les textes sont généralement (à l'exception des monologues individuels) de contenu simple et simple, parlant de choses quotidiennes, d'émotions et d'expériences familières. Ils ne révèlent pas de vérités universelles, ne posent pas de questions globales, comme « Être ou ne pas être ? » de Shakespeare. Ses personnages résolvent des problèmes quotidiens, discutent de sujets compréhensibles et proches de tous. Une autre chose est de savoir comment ils le font, comment l'auteur décrit ce qui se passe dans la pièce.

Autrement dit, les remarques de l’auteur ont la même signification, et souvent plus, que le texte. Ils ne nous disent pas seulement où se déroule l'action, qui vient, part, se lève, s'assoit, sourit, etc., mais ils dévoilent l'ensemble du tableau. Une idée de ce à quoi ressemble une scène de théâtre, un peu d'imagination - et sous nos yeux se trouve une représentation terminée. Voici un exemple : « Laura, n’as-tu jamais aimé personne ? » Parallèlement à cette légende, des roses bleues apparaissent sur l'écran au-dessus de la scène sombre. La silhouette de Laura émerge progressivement et l'écran s'assombrit. La musique s'arrête. LAURA est assise sur une fragile chaise en bois de palmier, devant une petite table aux pieds courbés. Elle porte un kimono en tissu violet clair. Les cheveux sont tirés du front avec un ruban. Elle lave et essuie sa collection d'animaux en verre. AMANDA apparaît sur les marches de l'entrée. Laura retient son souffle, écoutant les pas dans les escaliers, abandonne rapidement les bibelots et s'assoit devant le schéma du clavier de la machine à écrire épinglé au mur - droite, comme hypnotisée... Quelque chose est arrivé à Amanda - le chagrin est écrit dessus son visage. D'un pas lourd, elle monte sur la plate-forme - une silhouette sombre, désespérée, voire absurde. Elle est vêtue d'un manteau en velours bon marché avec un col en fausse fourrure. Elle porte un chapeau vieux de cinq ans - une de ces structures monstrueuses qu'on portait à la fin des années vingt ; dans ses mains se trouve un immense sac plat en cuir verni noir avec des fermoirs nickelés et un monogramme. C'est sa tenue de week-end, qu'elle porte lorsqu'elle se rend au prochain rassemblement des Filles de la Révolution américaine. Avant d'entrer, elle regarde par la porte. Puis il pinça tristement les lèvres, ouvrit grand les yeux et secoua la tête. Entre lentement. En voyant le visage de sa mère, Laura porte craintivement ses doigts à ses lèvres » (« La Ménagerie de verre », scène deux).

La question peut se poser : « pourquoi ? Apparemment, en recourant à de tels détails, en reproduisant les détails avec autant de précision, l'auteur ne laisse aucune place à la créativité des autres - acteurs, metteur en scène, scénographe, décorateur, etc. Liberté de vous exprimer autant que vous le souhaitez. Et le fait que certains cadres et précisions nécessaires aient déjà été indiqués rend la tâche encore plus intéressante pour une personne véritablement créative. C'est comme un concours médiéval de trouvères : un duel poétique sur un thème donné, et parfois avec des rimes données. Williams n'enlève pas la liberté de création aux autres, il rend simplement les choses plus difficiles. Malgré toute la précision descriptive, il n'y a pas de frontières rigides dans ses œuvres. L'interprète de chaque rôle doit rechercher lui-même le personnage du personnage, en s'appuyant simplement sur le texte et les caractéristiques déjà postulées, le scénographe doit décider lui-même de l'espace scénique afin de correspondre à l'espace multiforme et multicouche de la pièce, le compositeur doit comprendre quel est « le thème de ce drame ». Et le plus difficile pour un metteur en scène est qu'il doit relier tous ces composants disparates en un seul tout afin qu'il y ait un sentiment de même intégrité et d'exhaustivité que celui présent lors de la lecture d'une pièce.

La nouveauté de la vision théâtrale de Williams est d'abandonner les anciennes formes de « convention réaliste », d'arrêter à chaque fois de « négocier » avec le spectateur pour qu'il prenne la scène du théâtre pour un château de chevalier, un champ sans fin, une forêt de conte de fées. , etc., et des monologues pompeux d'une longueur inimaginable, des poses et des gestes élaborés pour des sentiments sincères. Le dramaturge n'a pas cherché à « simplifier » le théâtre. Contre. Ses exigences envers tous les participants à la création du spectacle étaient extrêmement strictes. Mais l’essentiel est qu’il n’y ait pas de mensonge. Si le théâtre est une convention, il faut le créer de telle manière que le spectateur l'oublie, ne ressente pas l'irréalité de ce qui se passe, pour qu'au bout de 5, maximum 15 minutes, il oublie où il se trouve et soit complètement immergé dans l'action sur scène. Pour cette raison, il existe des jeux avec éclairage et musique, ainsi que le fameux écran, qui à une époque provoquait tant de perplexité et de critiques. Il est temps de parler plus en détail de tous ces éléments. Puisque tant le concept lui-même que l'analyse de ses principaux éléments ont été proposés par l'auteur dans sa première pièce, les explications et les exemples seront principalement tirés de La Ménagerie de Verre et de sa préface.

Donc. L'ÉCRAN est un élément extrêmement important. Elle est constamment présente dans les propos de l'auteur, notamment ceux liés au début du tableau ou de l'action. Le principe de fonctionnement de l'écran est très simple : des images ou des inscriptions sont projetées par une lanterne magique sur une partie du décor théâtral, qui le reste du temps ne doit en aucun cas ressortir. Le but de l’utilisation d’un écran est de souligner l’importance d’un épisode particulier. Voici comment le dramaturge lui-même l'explique : « Dans chaque scène, il y a un ou plusieurs moments qui sont les plus importants sur le plan de la composition. Dans une pièce composée d'épisodes séparés, en particulier dans The Glass Menagerie, la composition ou l'intrigue peut parfois échapper au public, et alors l'impression de fragmentation plutôt que d'architectonique stricte apparaît. De plus, le problème ne réside peut-être pas tant dans la pièce elle-même que dans le manque d’attention du public. Une inscription ou une image sur l'écran renforcera l'indice et aidera à transmettre l'idée souhaitée contenue dans les lignes d'une manière accessible et simple. Je pense qu'en plus de la fonction compositionnelle de l'écran, son impact émotionnel est également important." De plus (revenant à la conversation sur la limitation de la créativité), l'auteur n'a pas fixé de limites claires pour l'utilisation de l'écran, laissant les réalisateurs décider eux-mêmes dans quelles scènes cela était nécessaire. De plus, Williams a même accepté calmement la version scénique de la pièce, dans laquelle il n'y avait pas d'écran du tout, et les metteurs en scène se sont contentés d'un minimum des outils scéniques les plus simples (c'était la première production de The Glass Menagerie à Broadway).

L'écran est vraiment nouveau. Lorsque vous lisez la pièce de Williams pour la première fois et que vous trouvez une mention de lui, vous êtes perplexe et vous posez la même question dénuée de sens : « pourquoi ? Mais dès que le tableau complet de ce qui se passe se dévoile devant vous, dès que vous découvrez l’épisode le plus significatif, la question disparaît. Et encore une fois, ce n’est pas une limitation de la perception, ce n’est pas une donnée. C’est juste qu’avec l’aide de l’écran, la pièce apparaît devant nous plus lumineuse, plus imaginative. Le faisceau d’une lanterne magique arrache au crépuscule non pas quelque chose qui devrait s’installer dans la mémoire comme la phrase clé d’un devoir scolaire, mais un grain de l’image du personnage, un morceau de son âme. Voici comment l'auteur applique cela au tissu de la pièce :

"Scène trois"

L’inscription sur l’écran : « Après échec… »

Tom se tient sur le palier des escaliers devant la porte.

Tom : Après l'échec du Rubicam Trade College, ma mère avait un projet : que Laura ait un jeune homme, pour qu'il vienne nous rendre visite. C'est devenu une obsession. Tel un archétype de « l’inconscient collectif », l’image de l’invité planait dans notre petit appartement.

Il y a un jeune homme à l'écran.

Une rare soirée à la maison s'est déroulée sans qu'une allusion soit faite d'une manière ou d'une autre à cette image, à ce fantôme, à cet espoir... Même lorsqu'on n'en parlait pas, sa présence se faisait encore sentir dans le regard inquiet de la mère, contrainte, comme si elle était coupable de quelque chose, des mouvements de Laura et planait au-dessus des Wingfields en guise de punition ! Les paroles de maman ne différaient pas de ses actes. Elle a commencé à prendre les mesures appropriées. Elle s'est rendu compte que des dépenses supplémentaires seraient nécessaires pour tapisser le nid et décorer le poussin, et c'est pourquoi tout au long de l'hiver et au début du printemps, elle a mené une campagne énergique par téléphone, capturant des abonnés à la "Maîtresse de maison" - un de ces magazines pour vénérables matrones, où sont publiées des histoires gracieuses avec des suites sur les expériences de dames littéraires qui n'ont qu'une chanson : les tendres bonnets de leurs seins ; des tailles fines, comme le pied d'un verre ; hanches courbées; des yeux comme voilés par la fumée des incendies d’automne ; des corps luxueux, comme ceux des sculptures étrusques.

Sur l’écran se trouve une couverture de magazine sur papier glacé.

La même chose se produit avec la musique. C’est facile de dire : « Le thème de La Ménagerie de Verre sonne ». Mais qu'est-ce que c'est ? Le dramaturge estime que chaque pièce devrait avoir sa propre mélodie, qui souligne émotionnellement les épisodes correspondants. De plus, par rapport à l'ensemble de l'action, il devrait correspondre encore plus étroitement à l'un des personnages clés, « personnifiant » lorsque l'action se concentre sur lui. Quel défi ! Comme il faut ressentir subtilement l’œuvre pour composer une mélodie aussi fluide. Le dramaturge lui-même l'a vu à la manière d'un rondo sans fin, changeant constamment de caractère, de volume et de clarté sonore. C'est ainsi qu'il la décrit lui-même : « On entend une telle mélodie dans le cirque, mais pas dans l'arène, pas pendant la marche solennelle des artistes, mais au loin et quand on pense à autre chose. Puis cela semble sans fin, puis disparaît, puis résonne dans la tête, occupée par quelques pensées - la mélodie la plus joyeuse, la plus tendre et, peut-être, la plus triste du monde. Il exprime l’apparente facilité de la vie, mais il contient aussi une note de tristesse incontournable et inexprimable. Lorsque vous regardez un bijou en verre fin, vous pensez à quel point il est beau et à quel point il est facile de le casser. Ainsi en est-il de cette mélodie sans fin : soit elle apparaît dans la pièce, soit elle s'efface à nouveau, comme portée par un vent changeant. Apparemment, Williams avait une opinion flatteuse des compositeurs modernes. Quoi qu’il en soit, cette chanson thème est vraiment une excellente trouvaille. Malheureusement, nous n'avons pas l'occasion de voir comment cela s'est réalisé dans les pièces de théâtre de l'auteur lui-même de son vivant. Mais la façon dont il se comporte lors du test a un impact étonnant. Si vous êtes vraiment passionné par la dramaturgie de Williams, si vous aimez vraiment ses pièces, alors chacune acquiert finalement son propre son musical, unique pour chacun et quelque peu commun à tous les lecteurs.

Voici à quoi cela ressemble en action :

Tom : Oui, je mens. Je vais à la fumerie d'opium, c'est tout ! Dans un repaire où il n'y a que des prostituées et des criminels. Maintenant, je fais partie du gang de Hogan, maman, - un tueur à gages, portant une mitrailleuse dans un étui à violon ! Et dans la Vallée, j'ai plusieurs bordels à moi ! Ils m'ont appelé le Tueur - Killer Wingfield ! Je mène une double vie : le jour, je suis un employé discret et respectable dans un magasin de chaussures, et la nuit, je suis le roi intrépide du fond ! Je visite les maisons de jeu et dilapide des fortunes à la roulette. Je porte un cache-œil noir et une fausse moustache. Parfois, je colle même des réservoirs verts. Alors je m'appelle Diable ! Oh, je pourrais raconter une telle histoire que tu ne dormirais pas un clin d’œil la nuit. Mes ennemis envisagent de faire sauter notre maison. Un jour, la nuit, il nous élèvera directement vers le ciel ! Je serai heureux, incroyablement heureux, et vous aussi. Vous vous lèverez et monterez sur un balai au-dessus de la Montagne Bleue avec tous vos dix-sept fans ! Toi... tu... vieille sorcière bavarde !.. (Tresse, attrape son manteau, se précipite vers la porte, l'ouvre en grand.)

Les femmes se figèrent d'horreur. Tom veut enfiler son manteau, mais sa main est coincée dans la manche. Il s'arrache furieusement l'épaule au niveau de la couture, enlève son manteau et le jette. Le manteau finit sur une bibliothèque sur laquelle sont posés les petits animaux de la sœur. Le bruit du verre brisé.

Laura crie comme si elle avait été frappée.

L’inscription sur l’écran se lit comme suit : « La Ménagerie de Verre ».

Laura (hurlant) : Mon verre... ménagerie ! (Il se détourne en se couvrant le visage de ses mains.)

Amanda (après les mots « sorcière bavarde », elle était abasourdie et remarqua à peine ce qui s'était passé. Finalement elle reprend ses esprits. D'une voix tragique) : Je ne veux pas te connaître... jusqu'à ce que tu demandes pardon ! (Il entre dans une autre pièce, fermant bien les rideaux derrière lui.)

Laura se détourna et s'appuya contre la cheminée. Tom la regarde, ne sachant pas quoi faire. Il s'approche de la bibliothèque et, à genoux, commence à ramasser les personnages tombés, jetant de temps en temps un coup d'œil à sa sœur, comme s'il voulait dire quelque chose et ne trouvait pas les mots. La mélodie de « The Glass Menagerie » apparaît timidement.

La scène devient sombre.

La musique faisait partie intégrante des pièces de Williams. En créant ses œuvres avec une projection constante de leur production scénique, il était convaincu que le théâtre devait utiliser tous les moyens non littéraires dont il disposait, la musique en particulier, comme l'art ayant le plus fort impact émotionnel. Les réalisateurs modernes utilisent largement cette technique et dans la production d'œuvres dont le caractère, l'intrigue et le contenu n'ont absolument aucun rapport avec les pièces du dramaturge américain. Un exemple frappant en est les productions d'Andrei Zhitinkin (« Cher ami », « Le portrait de Dorian Gray », « Caligula », etc.), chacune ayant son propre thème musical.

Un autre « non littéraire » (selon les mots de l'auteur lui-même) signifie que Williams a largement utilisé, et dans l'utilisation duquel il a également eu une grande part d'innovation, l'éclairage. La nouveauté à cette époque était la réception de ce qu'on appelle. «éclairage sélectif», c'est-à-dire refus de toute la zone de la scène, qui est généralement inondée de lumière vive, concentration de la lumière sur certains objets les plus significatifs, un groupe de personnes, mise en scène, etc. , le dramaturge suggère de rendre l'éclairage non seulement sélectif. Dans son application, il viole également tous les canons habituels, selon lesquels le centre d'action, le personnage principal, le détail clé doit être le plus clairement éclairé. Et aussi l'éclairage proposé par le dramaturge acquiert du « caractère », il représente une caractéristique supplémentaire d'un personnage, d'un épisode, d'une action ou d'un dialogue, a ses propres traits distinctifs, comme s'il ne s'agissait pas de la lumière de projecteurs sans âme, mais d'une partie intégrante partie intégrante du vivant, de la trame de la pièce, de la réalité de ses personnages.

Cependant, le dramaturge lui-même, comme toujours, le dira mieux. C'est ainsi que le ton décrit l'éclairage de la pièce « La Ménagerie de Verre » : « La scène est vue comme dans une brume de souvenirs. Un rayon de lumière tombe soudain sur un acteur ou sur un objet, laissant dans l'ombre ce qui semble être le centre de l'action. Par exemple, Laura n'est pas impliquée dans la dispute de Tom avec Amanda, mais c'est elle qui est baignée de lumière claire en ce moment. Il en va de même pour la scène du dîner, où l'attention du spectateur doit rester concentrée sur la silhouette silencieuse de Laura sur le canapé. La lumière qui tombe sur Laura se caractérise par une pureté chaste particulière et rappelle les tons des icônes anciennes ou des images de Madones. En général, la pièce peut faire un usage intensif de l'éclairage, semblable aux couleurs de la peinture religieuse - par exemple dans El Greco, dont les personnages semblent briller sur un fond relativement brumeux. (Cela permettra également une utilisation plus efficace de l'écran.) L'utilisation libre et créative de la lumière est très importante, elle peut donner de la mobilité et de la plasticité aux jeux statiques.

28. L'œuvre d'un des dramaturges post-absurdistes (au choix : Peter Weiss, Friedrich Dürrenmatt, Slavomir Mrozek, Tom Stoppard, Max Frisch, Sam Shepard).

Nom complet Samuel Shepard Rogers.

Sam Shepard a travaillé dans presque toutes les formes d'arts visuels et dramatiques, notamment le cinéma, la télévision et le théâtre.

Shepard a joué pour la première fois dans le film de Bob Dylan « Renaldo et Clara » (1978), et s'est imposé comme acteur avec Terrence Mallick dans « Days of Heaven » (1978). Il a réussi à donner vie à l'image du légendaire pilote Chuck Eager dans le film «Just Right» (1983).

Shepard a également joué dans « The Right Guys ! » Phil Kaufman (nomination aux Oscars), Untamed Hearts de Billy Bob Thornton, Mot de passe : Swordfish, Hamlet de Michael Almereyda, Snowy Cedars de Scott Hicks, Safe Passage, The Pelican Brief, « Steel Magnolias », « Baby Boom », etc.

À la télévision, Shepard a joué dans « Dash and Lilly », pour lequel il a reçu un Emmy du « Meilleur acteur principal dans une mini-série ou un téléfilm » ; « Purgatoire » est l'un des films les mieux notés de la chaîne TNT ; "Lily Dale", "Les bons vieux garçons" et "Les rues de Laredo".

Shepard est l'auteur de nombreuses pièces de théâtre primées. À la fin des années 60 et au début des années 70, il est devenu un célèbre dramaturge américain, présentant plusieurs pièces puissantes au public, notamment Buried Child (prix Pulitzer 1979), Simpatico, True West, Curse of the Starving Man class" et "Fool in Love". .

Dans sa dernière pièce, The Late Henry Moss, Shepard a choisi Sean Penn, Nick Nolte, Woody Harrelson, Cheech Marin et James Gammon.

Shepard a réalisé deux films - "The Far North" (dont il a lui-même écrit le scénario) et "Mute Language".

Sam Shepard a deux enfants avec l'actrice Jessica Lange.

Thomas Lanier Williams, connu sous le nom de Tennessee Williams, est né le 26 mars 1911 à Columbus, dans le Mississippi. Il était le deuxième enfant des trois enfants de Cornelius et Edwina Williams. Élevé principalement par sa mère, Williams entretenait une relation difficile avec son père, un vendeur exigeant qui préférait travailler plutôt que d'élever des enfants.

Williams a décrit son enfance dans le Mississippi comme une période calme et heureuse. Mais tout a changé lorsque la famille a déménagé à St. Louis, dans le Missouri. Le nouvel environnement urbain l'a accueilli de manière peu accueillante, à la suite de quoi Tennessee s'est replié sur lui-même et est devenu accro à l'écriture.
La situation familiale a également influencé l'enfant. Les parents de Tennessee n'hésitaient pas à régler les choses ; il y avait souvent une atmosphère tendue dans la maison. Williams a plus tard qualifié la barque de ses parents de "exemple d'un mariage qui a mal tourné". Cependant, cela n’a fait qu’ajouter à sa créativité. Sa mère a fini par être l'inspiration d'Amanda Wingfield, maladroite mais forte, dans The Glass Menagerie, tandis que son père est devenu le conducteur agressif "Big Daddy" dans Cat on a Hot Tin Roof.

En 1929, Williams entre à l’Université du Missouri pour étudier le journalisme. Mais il fut rapidement retiré de l'école par son père, indigné d'apprendre que la petite amie de son fils fréquentait également l'université.

Williams a dû rentrer chez lui et, sur l'insistance de son père, aller travailler comme vendeur pour une entreprise de chaussures. Le futur grand dramaturge détestait son travail, ne trouvant d'exutoire que dans sa créativité. Après le travail, il se plonge dans son univers, créant des histoires et des poèmes. Cependant, le résultat final a été qu’il a développé une profonde dépression, qui a conduit à une dépression nerveuse.

Après avoir suivi un traitement, Tennessee est retourné à Saint-Louis, où il a fait la connaissance de poètes locaux qui étudiaient à l'Université de Washington. En 1937, Tennessee décide de poursuivre ses études en fréquentant l'Université de l'Iowa, dont il obtient son diplôme l'année suivante.

Succès commercial et carrière d'écrivain

À 28 ans, Williams s'installe à la Nouvelle-Orléans et change de nom. Il a choisi le Tennessee parce que c'est de là que venait son père. Il a également complètement changé son style de vie en s'immergeant dans la vie citadine, ce qui l'a inspiré à créer la pièce A Streetcar Named Desire.

Tennessee a rapidement prouvé son talent en remportant 100 $ lors d'un concours d'écriture au Group Theatre. Plus important encore, cela l'a mis en contact avec l'agent Audrey Wood, qui est également devenue son amie et conseillère.

En 1940, la pièce de Williams "Clash of Angels" a fait ses débuts à Boston. Ce fut un échec instantané, mais Williams n'abandonna pas et le retravailla pour en faire Orpheus Descends. Il a été adapté au film « The Kind of Fugitive » avec Marlon Brando et Anna Magnani.
Cela a été suivi par d'autres travaux, notamment des scripts pour MGM. Cependant, Williams a toujours été plus proche du théâtre que du cinéma. Le 31 mars 1945, une production de la pièce de Tennessee Williams, The Glass Menagerie, sur laquelle il travaillait depuis plusieurs années, fit ses débuts à Broadway.

Les critiques et le public ont également adoré cette œuvre du dramaturge. Cela a changé à jamais la vie et la fortune de Williams. Deux ans plus tard, il crée A Streetcar Named Desire, qui surpasse son succès précédent et consolide son statut comme l'un des meilleurs écrivains du pays. La pièce a également valu à Williams un Playwrights Award et son premier prix Pulitzer. Les œuvres ultérieures de l'écrivain n'ont fait qu'ajouter aux éloges de la critique et à l'amour du public. En 1955, il remporte un deuxième prix Pulitzer pour sa pièce Le Chat sur un toit brûlant, qui est également portée au grand écran avec Elizabeth Taylor et Paul Newman comme acteurs principaux. Ses œuvres « Tequila Camino », « L'oiseau de jeunesse à la voix douce » et « La Nuit de l'iguane » ont également connu du succès.

Des années plus tard

Pourtant, les années 60 deviennent difficiles pour le célèbre dramaturge. Son travail a commencé à recevoir des critiques tièdes, ce qui a conduit à sa dépendance à l'alcool et aux somnifères. Pendant la majeure partie de sa vie, Tennessee a vécu dans la peur de devenir fou, comme cela est arrivé à sa sœur Rose. En 1969, son frère a été contraint de l’envoyer à l’hôpital pour y être soigné.

Après son retour, Williams a tenté de se remettre sur les rails. Il a sorti plusieurs nouvelles pièces de théâtre et a également écrit un livre, Mémoires, en 1975, dans lequel il raconte sa vie.

Le 24 février 1983, Tennessee Williams s'est étouffé avec un bouchon de bouteille et est décédé entouré de bouteilles d'alcool et de pilules dans sa résidence de New York, à l'hôtel Elysée. Il a été enterré à Saint-Louis, Missouri.

Tennessee Williams a apporté une contribution inestimable à l’histoire de la littérature mondiale. En plus de vingt-cinq pièces de théâtre complètes, Williams a écrit des dizaines de pièces de théâtre courtes et de scénarios, deux romans, une nouvelle, soixante nouvelles, plus d'une centaine de poèmes et une autobiographie. Parmi de nombreuses récompenses, il a reçu deux prix Pulitzer et quatre Circle Critics Awards à New York.

Vie privée

Tennessee Williams n'a pas caché son orientation non conventionnelle, qui n'était pourtant pas nouvelle dans les cercles créatifs de l'époque. À la fin des années 30, il rejoint la communauté gay de New York, dont faisait partie son partenaire Fred Melton. Tout au long de sa vie, le dramaturge a eu plusieurs aventures amoureuses, mais sa principale passion était Frank Merlo, qu'il a rencontré en 1947 à la Nouvelle-Orléans. Merlot, un Sicilien d'origine américaine, a servi dans la marine américaine pendant la Seconde Guerre mondiale. Son influence a eu un effet apaisant sur la vie chaotique de Williams. En 1961, Merlot meurt d'un cancer du poumon, ce qui marque le début d'une longue dépression pour l'écrivain.

Williams a fréquenté l'Université du Missouri, dont il n'a pas obtenu son diplôme. En 1936-1938 à Saint-Louis, il se rapproche de la troupe de jeunesse artistique Mummers, qui met en scène les premières pièces inédites de Williams.

Williams avait un père strict et pointilleux qui reprochait à son fils son manque de masculinité ; une mère autoritaire qui était trop fière de la position importante de la famille dans la société, et une sœur, Rose, qui souffrait de dépression. Par la suite, la famille du dramaturge a servi de prototype aux Wingfield dans la pièce The Glass Menagerie. La pièce a été jouée à Chicago en 1944.

Ne voulant pas végéter dans la production, à laquelle le condamnait la situation financière contrainte de sa famille, Williams menait une vie de bohème, errant d'un coin exotique à l'autre (Nouvelle-Orléans, Mexique, Key West, Santa Monica). Sa première pièce « Battle of Angels » (1940) est construite sur une collision typique : dans l’atmosphère étouffante d’une ville ossifiée, trois femmes sont attirées par un poète errant.

Après sa pièce la plus célèbre, Un tramway nommé Désir, la réputation du dramaturge en tant qu'artiste d'avant-garde s'est renforcée.

Les pièces de Williams ont attiré à plusieurs reprises l'attention des cinéastes - parmi les nombreuses adaptations cinématographiques de ses œuvres, les plus populaires étaient Un tramway nommé Désir réalisé par Elia Kazan (1951) avec la participation de Marlon Brando et Vivien Leigh et Chat sur une boîte chaude Toit réalisé par Richard Brooks (1958) dans lequel les rôles principaux ont été joués par Elizabeth Taylor et Paul Newman.

Williams a été nominé deux fois pour l'Oscar du meilleur scénario - en 1952 pour Un tramway nommé Désir et en 1957 pour Baby Doll d'Elia Kazan, basé sur ses deux pièces en un acte Les vingt-sept charrettes de coton et "Un dîner non comestible".

Le travail de Tennessee Williams sur scène et au cinéma

Les pièces de Tennessee Williams ont toujours été très demandées et ont été jouées à plusieurs reprises dans des théâtres, dont beaucoup ont été filmées.

Voici l'avis de Vitaly Vulf, qui a beaucoup traduit Williams et est considéré comme un expert de son œuvre : Le dramaturge n'a rien composé. Il a décrit ce qu'il a vécu. Williams a exprimé toutes ses pensées, ses sentiments, ses sensations à travers des images féminines... Il a dit un jour à propos de l'héroïne d'Un tramway nommé Désir : « Blanche, c'est moi ». Pourquoi les actrices aiment-elles autant le jouer ? Car aucun auteur du XXe siècle n’a des rôles féminins aussi brillants. Les héroïnes de Williams sont des femmes étranges, pas comme les autres. Ils veulent donner du bonheur, mais il n'y a personne à qui le donner.

Les premières productions de la dramaturgie de Williams remontent à 1936, lorsque les premières œuvres furent mises en scène à Saint-Louis par la troupe Mummers. En 1944, The Glass Menagerie est créée à Chicago. En 1947, la pièce la plus célèbre de Williams, A Streetcar Named Desire, a été mise en scène au Barrymore Theatre. En 1950, la pièce « The Rose Tattoo » a été créée pour la première fois au Erlanger Theatre de Chicago. En 1953, le Théâtre Martin Beck met en scène le drame allégorique « Le chemin de la réalité ».

La célèbre pièce de Williams, Le Chat sur un toit brûlant, mise en scène en 1955, a reçu le prix Pulitzer. Auparavant, le même prix avait été décerné à la pièce Un tramway nommé Désir.

La pièce de Tennessee Williams "Orpheus Descends into Hell", créée pour la première fois en 1957 au New York Producers Theatre, a été mise en scène en 1961 par le Théâtre Mossovet (Vera Maretskaya et Serafima Birman y ont joué avec brio) puis la même année par le Saratov Academic Théâtre dramatique.

En 1950, le premier film basé sur la pièce de Williams, Un tramway nommé Désir, est réalisé aux États-Unis par le réalisateur Elia Kazan. Le film a été présenté en première aux États-Unis le 18 septembre 1951. Blanche DuBois a joué Vivien Leigh et Marlon Brando a joué son deuxième rôle dans ce film - Stanley Kowalski. A cette époque, l'acteur n'était pas encore une star et son nom arrivait donc deuxième au générique après Vivien Leigh. Puis, l'une après l'autre, suivirent des adaptations cinématographiques de six autres œuvres de Williams : Baby Doll (1956), Le Chat sur un toit brûlant (1958), La Source romaine de Mme Stone (1961), Doux oiseau de jeunesse (1962). , La Nuit de l'Iguane" (1964).

Selon Vitaly Wulf, les pièces de Tennessee Williams ne sont pas entièrement comprises aux États-Unis, même s'il était américain. La façon dont ils le mettent en scène montre simplement qu’ils ne le comprennent pas, et puis, en Amérique, il y a un très mauvais théâtre. Une merveilleuse comédie musicale, ici ils sont passés maîtres : ils dansent, tournent, chantent, mais ils n'ont pas de théâtre dramatique cependant, comme à Paris.

Dans les années 1970, Lev Dodin a mis en scène la pièce « La Rose tatouée » sur la scène du Théâtre dramatique régional de Léningrad. En 1982, Roman Viktyuk met en scène la pièce « La Rose tatouée » au Théâtre d'art de Moscou. En 2000, une représentation basée sur trois premières pièces de Tennessee Williams a été présentée sur la scène du Théâtre National Carélien. En 2001 au théâtre. Vakhtangov, mis en scène par Alexandre Marin, a mis en scène la pièce « La Nuit de l'iguane ». En 2004, le metteur en scène Viktor Prokopov a mis en scène la pièce Un tramway nommé Désir sur la scène d'un théâtre de Smolensk. En 2005, Henrietta Yanovskaya a mis en scène la pièce « Un tramway nommé Désir » sur la scène du Théâtre de la jeunesse de Moscou.

Couleur, grâce, légèreté, changement de mise en scène habile, interaction rapide des personnages vivants, fantaisiste, comme le motif des éclairs dans les nuages, voilà ce qui fait la pièce... Je suis un romantique, un romantique incorrigible .

T. Williams

Tennessee Williams est le plus grand dramaturge des décennies d'après-guerre, l'une des figures célèbres non seulement de la scène américaine, mais aussi de la scène mondiale de la seconde moitié du siècle dernier. Artiste original, innovateur, il est théoricien et praticien de ce qu'on appelle théâtre plastique.

Début : "Bataille des Anges". Le vrai nom du dramaturge est Thomas Lanier. Il prit le pseudonyme de Tennessee, changeant apparemment le nom de famille du poète anglais victorien Alfred Tennyson. Williams (1911 - 1983) est né dans la petite ville de Columbus, dans le sud du Mississippi. La famille de l'écrivain était fière de ses racines aristocratiques (sa mère était aristocrate) « méridionales », mais s'est appauvrie. Il y avait un fort sentiment de nostalgie dans la famille à propos de l’ancienne grandeur du Sud. À l'avenir, le motif illusions irréalistes, rêve non réalisé, contrastant avec la dure réalité prosaïque, déterminera en grande partie l'atmosphère du théâtre de T. Williams, artiste en phase avec le style école du sud.

T. Williams manifeste très tôt ses goûts littéraires : sa première tentative d'écriture remonte à l'âge de 14 ans. Il a écrit de la poésie et de la prose. Mais la gloire est venue à Williams alors qu'il avait déjà plus de trente ans.

En 1929, il commence des études à l'Université du Missouri, puis ses études sont interrompues à la demande de son père en servant comme petit commis dans une entreprise de chaussures. Après un travail détestable, il consacra ses heures du soir et de la nuit à l'écriture. Le dramaturge a fait ses débuts avec la pièce "Bataille des anges"(1940), qui n’a pas abouti. Mais il n’abandonne pas pour autant le rêve du théâtre. Pendant plusieurs années, l'écrivain en herbe a été contraint d'errer à travers le pays, visitant Chicago, la Nouvelle-Orléans, New York et San Francisco.

« La Ménagerie de Verre » : un jeu-mémoire. La renommée a commencé par une marche triomphale à travers les scènes du monde du drame de Williams" La verrerie"(1944), récompensé par une série de prix prestigieux. Cela marque l'établissement de nouveaux accents dans le drame américain : contrairement aux pièces de la « Décennie rouge » qui prêtent attention aux questions sociales, T. Williams plonge le spectateur dans le domaine des mouvements émotionnels subtils et des problèmes purement familiaux.

Le dramaturge l'a appelée un jeu de mémoire. Il est construit sur des nuances et des indices, et ceci est réalisé grâce à une conception spéciale, l'utilisation d'un écran, de la musique et de l'éclairage. Son intrigue simple : un épisode de la vie d'une famille américaine ordinaire et moyenne Champs d'ailes. Son thème : la tentative infructueuse d'une mère pour retrouver la fille de son fiancé. Famille de trois personnes : mère Amandine, fils Volume et fille Laura - vivre dans une modeste maison à Saint-Louis. Les événements s'agencent comme une chaîne de souvenirs de Tom, le héros-conteur. La mère s’inquiète de l’instabilité de sa fille : Laura boite depuis l’enfance et porte une prothèse. Le père a abandonné la famille depuis longtemps.

Dans le portrait d'Amanda, Williams a combiné le psychologisme avec l'humour grotesque et subtil. Amanda vit dans un monde d'illusions. Elle est tout dans le passé, plongée dans cette époque inoubliable où sa jeunesse s'est passée dans le Sud. Là, elle était entourée de « vrais » dames et messieurs, des admirateurs qui, en fait, étaient le fruit de son imagination. Rêveuse incorrigible, elle croyait en des perspectives décentes pour ses enfants.

Tom est également issu de la race des rêveurs. Il travaille dans une entreprise de chaussures, ennuyé par son travail médiocre. Il essaie d'écrire, passe ses soirées au cinéma et caresse le rêve de devenir marin.

L'événement principal de la pièce est une visite à la maison Jim O'Connor ami et collègue Tom. Son arrivée est une raison pour Amanda de rêver aux perspectives matrimoniales de Laura. Accablée par un handicap physique, la fille se livre également à des espoirs. Elle collectionne les animaux en verre. Ils sont le principal symbole artistique de la pièce : figures fragiles de la solitude humaine et de l'éphémère des illusions de la vie. Il s'avère que Laura a connu Jim au lycée et qu'il est l'objet de ses espoirs secrets. Jim est poliment amical. Inspirée par sa courtoisie, Laura lui montre sa « ménagerie » et son jouet préféré : une figurine de licorne. Lorsque Jim essaie d'apprendre à danser à Laura, ils touchent maladroitement un morceau de verre. Elle tombe au sol et se brise. Jim, voulant remonter le moral de Laura, se souvient qu'à l'école, on l'appelait Blue Rose parce qu'elle était différente des autres. Il l'appelle chérie et essaie même de l'embrasser, mais ensuite, effrayé par sa propre impulsion, il se dépêche de quitter la maison Wingfield. Jim explique qu'il ne peut plus venir car il a une petite amie. Il est fiancé et envisage de l'épouser.

Le projet matrimonial d'Amanda échoue. La mère reproche à Tom d'avoir invité un homme « non libre » comme invité. Après une dure explication avec sa mère, Tom quitte la maison.

« La Ménagerie de Verre » est une pièce sur la solitude humaine, sur les personnes « fugitives », sur l'impossibilité des illusions d'entrer en collision avec la réalité. Révélant la touchante vulnérabilité des personnages, Williams est rempli de sympathie pour eux.

Deux chefs-d'œuvre de Williams. " Un tramway nommé Désir(1947) - une autre pièce sur la solitude. Il a également atteint le statut de classique. Il s’agit du troisième ouvrage marquant sur les désirs et les passions : la « Trilogie des désirs » de Dreiser et « L’amour sous les ormes » d’O’Neill. Et une pièce de T. Williams !

Héroïne Blanche Dubois, une femme élégante, belle et changeante d'humeur, vient rendre visite à sa sœur à la Nouvelle-Orléans Stella Kovalskaïa. L'action de la pièce se déroule dans son appartement.

Blanche est issue de l'aristocratie pauvre du sud : le domaine familial « Dream » est vendu à des proches. Le mari, un bel homme homosexuel, s'est suicidé. Blanche, qui gagnait modestement sa vie en tant qu'enseignante, est contrainte de partir après avoir été surprise en train d'entretenir une relation intime avec l'un de ses élèves. Les amoureux n'apportent pas la stabilité souhaitée, mais Blanche espère obstinément un changement dans son destin. Mais la jeunesse disparaît inexorablement. L'héroïne recherche obstinément, mais sans succès, des prétendants, se préoccupe de son apparence et de ses tenues. Sa nature exaltée est blessée par le contraste entre les idées romantiques sur le noble Sud et la grossièreté qui règne dans la famille. Kovalskikh.

Le conflit entre Blanche et Stanley, le mari de sa sœur, est un conflit entre deux principes de vie. Et il est le motif interne de la pièce. Ancien militaire, aujourd'hui commerçant, Stanley - la grossièreté la plus triomphante. Impudent, agressif, sûr de lui. "Il se comporte comme une bête, mais ses habitudes sont celles d'une bête !" - Blanche le certifie. Ses éléments sont le sexe, l'alcool, les cartes. Lorsque Blanche tente d’ouvrir les yeux de sa sœur, il s’avère que Stella est heureuse de son mariage. Elle aime Stanley, parce que "un homme et une femme ont leurs secrets, les secrets de deux personnes dans le noir, et après tout le reste n'est plus si important".

Blanche rencontre Mitchum, l'ami de Stanley, épris de l'invité sophistiqué des Kowalski. Mais la relation sérieuse qui se dessine est bouleversée : Stanley informe Mitch du passé de Blanche, de son mode de vie répréhensible à l'hôtel Flamingo, où elle est apparue sous le nom de la Dame Blanche. Lorsque Stella est admise à la maternité, Blanche et Stanley se retrouvent seuls. Il prend brutalement possession de Blanche. Au retour de sa sœur, Blanche avoue ce qui s'est passé. Stella non seulement n'y croit pas ou fait semblant d'y croire, mais déclare que ses aveux sont le fruit de son imagination trouble. Avec la participation active de Stanley, les médecins sont appelés à envoyer Blanche dans un hôpital psychiatrique.

L'esquisse des rebondissements de l'intrigue ne donne qu'une idée approximative des pièces de Williams. Dans Un tramway nommé Désir, comme dans les meilleurs exemples de son drame, chaque détail, ligne, intonation et note musicale a du poids. Stella et Stanley (notez la consonance des noms) forment une union harmonieuse à leur manière ; Blanche et Stanley non seulement entrent en conflit, mais forment également, dans l'expression musicale, un contraste entre deux éléments émotionnels et psychologiques : l'amour fragile et l'amour sensuel et rugueux. Le symbolisme est le dispositif le plus important dans cette pièce et dans d’autres pièces de Williams.

Un tramway nommé Désir, une pièce à l'atmosphère subtilement érotique, est considérée comme l'un des chefs-d'œuvre de Williams.

"Chat sur un toit en étain chaud"(1955) - Une autre pièce classique poursuit l'exploration artistique du dramaturge sur les « manières du Sud ». L'action se déroule dans le domaine, dans la famille Grand Papa Politique, un planteur vulgaire et despotique de 65 ans, désespérément atteint d'un cancer. La maladie est gardée secrète pour lui et sa femme Grosse mama. Papa est étroitement entouré de parents qui mènent une lutte à la fois ouverte et cachée pour son futur héritage - 10 000 acres de terre dans le delta du Mississippi. Le spectateur se trouve devant une autre variante d'un thème aussi éternel que le monde : le pouvoir destructeur de l'argent, qui transforme les proches en ennemis irréconciliables.

Lors des combats, ils ne s’épargnent pas. Fils Brique, ivre et gay, révèle à son père qu'il est condamné, un autre fils Gooper et sa femme Peut, à son tour, essaie d'assurer à Big Mom que Big Daddy peut être guéri. Mais elle refuse de signer l'accord qu'ils ont rédigé sur le partage des biens. Maggie, la femme de Brick, décide de faire plaisir à Big Daddy et de « rattraper » l'héritage. Elle lui parle de sa supposée grossesse. Dans le final, le planteur mourant retrouve les mots exacts qui caractérisent ses voisins : « Tout autour, partout, partout, toujours - mensonges et pharisaïsme. Tout le monde ment, tout le monde ment. Ils mentent et meurent. »

Théâtre plastique : théorie et pratique. La philosophie de vie, la poétique, la typologie de ses héros, la saveur unique de ses pièces de T. Williams s'incarnent dans ce phénomène novateur, qu'il appelle : théâtre plastique.

Le style de T. Williams est synthétique. Il contient une synthèse d'éléments hétérogènes : réalisme, romantisme et parfois franchise naturaliste.

Le conflit dans ses pièces repose souvent sur la confrontation d'une personnalité fragile, sans défense, parfois neurasthénique, avec la dure réalité. D’où le motif transversal de l’effondrement des illusions, de l’humiliation des rêves.

Théâtre plastique, en accord, dans ses grandes lignes, avec la méthodologie de Tchekhov, basée sur implications psychologiques, lieux de mise en scène, effets de lumière, ambiance musicale et poétique qui affectent le monde intérieur du spectateur. Malgré la ressemblance trompeuse avec la vie, Williams révèle « un contact explosif avec le subconscient humain ». Offre une incarnation scénique de conflits primordiaux, dont le sens dépasse les limites des facteurs rationnels et sociaux. Ils relèvent du domaine du subconscient.

Voici le début de la quatrième scène de « La Ménagerie » : « La ruelle est faiblement éclairée. Une cloche grave provenant d'une église voisine sonne au moment où l'action commence. Tom apparaît au fond de l'allée. Après chaque coup solennel de cloche sur la tour, il secoue le hochet, comme pour exprimer l'insignifiance de la vanité humaine devant la retenue et la grandeur du Tout-Puissant.

Les mots et les détails individuels sont remplis de symbolisme. Lorsque Laura demande à son frère ce qu'il fait, Tom répond qu'il cherche une clé. Dans un sens plus profond, cela ne signifie bien sûr pas perdre la clé de la porte. Tom cherche un moyen de sortir de l'impasse dans laquelle il se trouve. Ce genre de sous-texte est typique des pièces de Williams.

Tennessee Williams a « modelé » le théâtre conformément à sa vision du monde. Ses pièces étaient plus autobiographiques qu’il n’y paraît à première vue. Il y a quelque chose de lui-même dans les personnages de Williams : un élément artistique, une vulnérabilité en l'absence de détermination et de volonté. Cela les empêche de réussir et de se défendre.

T. Williams était un artiste infiniment dévoué à son art. Il a admis : "Je n'ai jamais eu d'autre choix que de devenir écrivain... Le théâtre et moi nous sommes rencontrés dans les meilleurs et les pires moments, et je sais que c'est la seule chose qui m'a sauvé la vie."

La pièce de Tennessee Williams, A Streetcar Named Desire, est le premier drame américain « sérieux » à avoir acquis une reconnaissance mondiale en raison de l'actualisation du conflit entre l'homme et la société. Il réalise la tragédie d'une personne confuse, générée par tout le mode de vie en société. La perspicacité existentielle le rend fou ; il est incapable de résister à la pression globale des circonstances. Il ne lui reste alors plus qu'à fuir dans le monde des illusions, qui ne font qu'empoisonner l'âme.

Le dramaturge a commencé à travailler sur une nouvelle pièce au cours de l'hiver 1944-1945. Ensuite, il s'est inspiré uniquement de l'image du personnage principal, en écrivant la scène poétiquement belle "Blanche au clair de lune", où une beauté du sud est assise sur le rebord de la fenêtre et rêve d'une vie meilleure dans les bras d'une personne aimante et compréhensive.

Puis j’ai arrêté d’écrire parce que j’étais incroyablement déprimé ; c’est difficile de travailler quand mes pensées sont loin. J'ai décidé de ne pas boire de café et j'ai fait une pause pendant plusieurs mois et, en effet, j'ai vite repris mes esprits », Williams partage ses souvenirs.

Après avoir repris des forces, les travaux se sont poursuivis à un rythme fou, l'auteur n'a pas épargné les nuits pour mettre en œuvre son plan de longue date. Un jour d'été 1946, il organise la première lecture et montre le drame à ses amis. Elle s'appelait à l'origine "Poker Night" en l'honneur du moment fatidique où les espoirs de Blanche sont déçus. Les auditeurs étaient ravis et parlaient de l'exclusivité de la pièce ; le dramaturge ne partageait pas leur enthousiasme. Le désir de perfection l'obligeait à poursuivre ses veillées nocturnes. Le résultat fut Un tramway nommé Désir.

En 1947, Tennessee Williams vient à New York et assiste à une production de la pièce d'Arthur Miller All My Sons, mise en scène par Elia Kazan. C'est son auteur qui a demandé à incarner le texte sur scène. Ensuite, ils ont commencé à chercher des acteurs pour les rôles principaux, car le succès de l'œuvre dépendait de la manière dont elle était présentée au public de manière spectaculaire. Ils ont atteint leur objectif grâce à une recherche persistante : Stanley était joué par Marlon Brando et Blanche était jouée par Jessica Tandy.

La première a eu lieu au Ethel Barrymore Theatre de New York le 3 décembre 1947. Le spectacle a été vendu 855 fois. Le fait est que les critiques puritains n’ont pas tardé à qualifier la pièce de trop franche et de dangereuse pour la moralité publique. La notoriété sert bien la production : elle devient la création la plus célèbre de l'auteur.

pourquoi c'est appelé comme ça?

1. Le drame porte le nom du véhicule utilisé par l'héroïne pour se rendre chez sa sœur. Quand Blanche est arrivée, elle a laissé tomber une remarque : "Ils ont dit, montez d'abord dans le tramway - dans le mot local Désir, puis dans un autre - Cimetière." Le sens du titre de la pièce est caché dans cette citation : c'est le désir qui amène dans la tombe une femme brisée et opprimée. Toute sa vie, elle a obéi à ses impulsions et aspirations intérieures, quelles que soient les réalités du monde qui l'entourait. En quête de l'amour, seule valeur absolue, la belle s'est gaspillée en amours. Dans l'espoir de retrouver son luxe d'antan, elle dilapide son domaine. Essayant d'étouffer la douleur d'affronter la réalité, elle a cédé à sa passion pour la boisson. Obéissant au rêve d'un refuge familial en visite chez Stella, elle se rendit à la Nouvelle-Orléans, même si dès le début il était clair qu'elle n'y appartenait pas du tout. Mais c’est comme ça que ça marche : choisissez toujours « Désir », même si cela mène au cimetière. Mais Williams ne considère pas cela comme une conséquence de la corruption et du relâchement moral. Il voit dans sa création la sophistication et la sophistication d'une personnalité spirituellement développée qui a trouvé la liberté en elle-même et a préféré une belle et solitaire rébellion contre le conformisme à l'opportunisme lâche de sa sœur.
2. Une autre signification réside dans le parallélisme des noms : le tramway Désir et la Maison Rêve. Lorsqu'un rêve passe sous le marteau, il ne reste plus qu'à traîner sa vie dans le sillage d'aspirations plus précises et moins élevées : tomber du ciel sur la terre. Blanche rêvait d'une atmosphère aristocratique élégante, de sérénité et de détachement du quotidien et de la routine, mais toutes ses pulsions étaient brutalement poussées contre le mur. Il ne restait plus que les pitoyables tentatives pour ne pas me pendre à ce mur : pour céder à mes instincts et à mes faiblesses, pour vivre d'imagination et de mensonges, pour espérer contre tout.
3. Une autre option est une cruelle ironie du sort : l'héroïne voulait profiter de sa dernière chance et réaliser son désir de s'accrocher au foyer et de s'installer dans la vie. Et cet appareil, dernier refuge, auquel rien ne se compare en tranquillité, devint pour elle la maison des fous. Là, sa maladie mentale est tombée dans l’oubli. Mais c’était là l’essence de son désir : trouver la paix.

De quoi parle la pièce ?

Une aristocrate fauchée d'âge moyen vient à la Nouvelle-Orléans, soi-disant pour rendre visite à sa sœur. En fait, c'est son seul espoir de refuge, car Mme Dubois n'a ni emploi, perdu à cause d'un comportement dissolvant, ni un domaine familial vendu pour dettes, ni une famille. Son mari s'est suicidé, ses parents sont morts et elle n'a pas d'enfants. Stella accueille Blanche à bras ouverts, elle est gentille et médiocre, donc la misère et la vulgarité de la vie ne la dérangent pas. L'invitée, au contraire, cache un monde intérieur riche, flottant gracieusement dans les nuages ​​de ses fantasmes et de ses préjugés. Seul Stanley, le mari de la maîtresse de maison, ne partage pas l’enthousiasme de sa femme. Il n'aime pas sa parente, car en elle il ne voit que des discours pompeux et de l'arrogance, donc son inimitié de classe envers la dame gâtée s'intensifie. Le conflit dans la pièce « Un tramway nommé Désir » est basé sur cela.

Blanche s'est sérieusement intéressée à l'ami de Kowalski, Mitchell. Il a même l'intention d'épouser une inconnue, alors elle l'a accroché avec son mystère et son charme tragique. Mais Stanley lui confie les unes après les autres les énigmes de la princesse du sud : elle menait une vie frivole et dissolue, pour laquelle elle fut expulsée de la ville et privée de son travail. Les illusions sont détruites et le marié abandonne son intention. Le dernier espoir de l'héroïne part avec lui.

L'exaltation, l'éducation et le maniérisme rendent Blanche superflue dans le monde de « l'homme moyen ». Stanley se sent menacé par elle et la harcèle pour une raison. Sa vengeance pour une insulte est trop sophistiquée pour un travailleur acharné ordinaire de la périphérie, qui a entendu dire qu'il n'était pas un gentleman. Pour lui, la sœur de sa femme devient le symbole de ce style de vie bourgeois et luxueux qu'il n'atteindra jamais. Il le veut et le déteste. L’invité fragile et beau évoque en lui la même attitude. Il la désire et la méprise, elle le sort de sa stupeur habituelle, éveillant en lui des émotions qu'il ne connaissait pas en lui-même, et qu'il ne pouvait pas réaliser, comme tout son entourage. La pièce de Williams, Un tramway nommé Désir, raconte comment l'idéalisme et le véritable sens moral luttent contre l'étroitesse d'esprit et le manque de scrupules du milieu modéré. Dans le final, l'héroïne est agressée sexuellement et devient folle. Elle est emmenée dans une maison de fous. Tel est le verdict de la foule barbare et bornée sur les pensées sublimes et les sentiments forts.

Les personnages principaux et leurs caractéristiques

1. Blanche- une aristocrate de la vieille jeune famille Dubois, héritière d'anciens planteurs complètement appauvris après la victoire du Nord dans la guerre civile. C'est une femme raffinée, intelligente, raffinée, belle mais faible. Après une catastrophe dans son mariage (son mari s'est révélé homosexuel et s'est suicidé lorsqu'il a été exposé), elle s'est retrouvée abandonnée et déstabilisée. Une éducation et des manières brillantes ne l'ont pas sauvé de la pauvreté. Elle travaillait comme enseignante et, naturellement, ne connaissant pas le côté pratique de la vie, elle ne pouvait empêcher la perte de sa succession. Des chagrins et des déceptions sans fin l'ont conduite à l'alcoolisme et à un comportement sexuel frivole. En conséquence, elle a été contrainte de quitter la ville après un scandale avec un jeune étudiant avec qui le professeur entretenait une liaison. Cependant, Tennessee Williams précise que la solitude de Blanche n'est pas une conséquence de son comportement immoral, mais l'impact irréversible des conditions sociales sur un élément dégénéré. L'aristocrate Dubois n'arrive pas à suivre le monde en évolution rapide et se rend compte qu'elle court en vain : il n'y a pas de place pour elle là-bas. Elle n'accepte pas le grossier et vulgaire Stanley Kowalski, incarnation de l'étroitesse d'esprit, de la vulgarité et de l'agressivité. Vivant à côté de cette vie vide et bourgeoise, elle sent, au niveau de l'intuition intellectuelle, qu'elle n'a pas sa place dans la société américaine moderne, mais a peur de se l'admettre. La passagère du tramway Desire est une relique de l’aristocratie du Sud, son temps est révolu. Il est en train de mourir comme le domaine Usher. L'héroïne est elle aussi vouée au désastre, comme Roderick Usher dans le roman d'Edgar Allan Poe.
2. Stanley- le personnage principal de la pièce. C'est un voyou grossier et sûr de lui qui a un mode de vie et des pensées plutôt primitives : une soirée à jouer aux cartes, une nuit avec une femme (pas nécessairement avec sa femme), à ​​manger et à boire, pendant la journée un travail physique mal rémunéré, etc. Extérieurement, il adhère aux principes moraux traditionnels de l'homme moyen, mais au fond, il cache la dépravation, le manque de scrupules et la cruauté. Dès que sa femme a quitté la maison et est allée accoucher, il se jette sur sa sœur et la viole, sachant probablement qu'il ne lui arrivera rien. Son esprit est obscurci par le ressentiment envers l'arrogant Dubois, qui a condamné Stella pour son choix. Maintenant, il a trouvé le moyen de se venger et de prouver qu’il s’en fout de cette élite. Ainsi, Kowalski est un homme vindicatif, égoïste et vil, se cachant derrière l'orgueil et le sectarisme de son environnement opprimé. Cependant, les avis des critiques à ce sujet varient. Par exemple, G. Clerman estime qu '«il est l'incarnation du pouvoir animal, d'une vie cruelle, ne remarquant pas et même méprisant toutes les valeurs humaines». Mais l'acteur James Farentino, qui incarnait le héros du drame Un tramway nommé Désir, dit le contraire : « Stanley traite Blanche comme une personne qui a envahi son royaume et peut le détruire. Pour moi, Stanley est une personne hautement morale ; Il supporte l'existence d'une invitée chez lui pendant six mois jusqu'au jour où il surprend par hasard son discours qui lui est adressé, dans lequel elle le traite d'« homme-singe ».
3. Stella- un symbole de conformisme et de tolérance d'une personne médiocre, la conduisant au manque de principes et à la permissivité. Sœur Blanche est son opposée. Elle est calme, voire apathique. C'est peut-être pour cela qu'elle évitait les chocs, le chagrin et la vie elle-même dans toute sa diversité. Son petit monde est limité par les murs d'un appartement misérable et les caprices d'un mari stupide et parfois cruel, qui n'hésite pas à lever la main contre elle. Mais elle accepte même cela. Son personnage est trop lent et amorphe pour empêcher quoi que ce soit. Elle suit le courant et devient stupide en jouant au bridge avec ses voisins. Finalement, elle devient un témoin indifférent de la mort de sa sœur et... laisse tout tel quel.
4. Mitchell- L'ami de Stanley. Il est timide et timide de nature. Il a passé toute sa vie avec sa mère malade, qui ne le contourne jamais de conseils et de participation. En raison de son fort attachement à sa mère, il n'a jamais fondé sa propre famille, même s'il était déjà âgé de plusieurs années. C'est aussi un travailleur, il tue aussi le temps en jouant aux cartes, mais en même temps il a de la sincérité, de la gentillesse et la capacité de ressentir la beauté. Ce n'est pas pour rien que Blanche le remarque dans le contexte général : il lui tend intuitivement la main, y voyant une âme sœur. Cependant, l’homme est également faible, il suit facilement l’exemple de son ami et oublie la voix intérieure qui lui demandait de donner à la femme une chance de se faire entendre. Il ne vient pas lâchement rencontrer sa bien-aimée et devient un complice silencieux de son intimidation.

Quel est le sens de la pièce ?

L'idée principale de l'œuvre est bien plus large qu'une confrontation. L’idée de la pièce « Un tramway nommé Désir » est que la culture est vouée à la destruction face au vulgaire « homme de masse », sûr de lui jusqu’à l’adoration. Il s'agit d'un conflit social, où Blanche et Stanley sont des images - des symboles qui personnifient deux couches sociales, inconciliables dans une hostilité mutuelle. Nous avons devant nous plus qu'un choc de personnages, nous avons devant nous une confrontation entre les idéaux humains et la vérité routinière de la vie.

Une place primordiale dans la pièce « Un tramway nommé Désir » est accordée au problème de la coexistence entre une personne sophistiquée et spirituellement développée et la réalité dure et cruelle créée par des gens vulgaires et bornés comme Stanley. Le psychologisme de Williams consiste à s'intéresser au monde intérieur contradictoire du héros le plus disgracieux. L'invincibilité spirituelle de Blanche réside dans le fait qu'elle, vouée à périr dans une société pragmatique, ne renonce pas à ses idéaux, n'abandonne pas ses positions, contrairement à sa sœur apathique, qui se contente de films et de cartes. Les idéaux sublimes sont la protection psychologique des gens contre l'effondrement de tous les espoirs qu'ils ont vécus. Si l’héroïne abandonne ses opinions, il ne lui restera plus rien.

La violence que Stanley a infligée à Blanche résume sa vie tordue. La réalité face aux gens vulgaires et primitifs viole son monde intérieur illusoire. Dans ce monde d'affaires et de calcul, tout est mis en œuvre, rien n'est oisif, l'héroïne s'est donc également vu attribuer une place correspondant à sa fonctionnalité. Elle a été utilisée sans vergogne, mais le vice n'a pas pénétré son essence. Elle a été laissée à la merci du destin et a toujours dépendu de la gentillesse de personnes aléatoires, de sorte que personne ne peut être blâmé pour la situation qui s'est produite.

"Je crée un monde imaginaire pour me cacher du monde réel, car je n'ai jamais pu m'y adapter", c'est ce que l'auteur de la pièce "Un tramway nommé désir" a dit de lui-même. A l'image de l'héroïne, il incarnait sa propre âme, pleine de peur de ce qui se passait à l'extérieur.

Critique

Certains critiques ont attribué l'incroyable succès de la pièce au fait qu'elle contient des scènes de sexe et des scènes de violence. Cependant, leurs sombres pensées furent réfutées par le temps lui-même. De nos jours, les viols mis en scène ne sont plus une surprise : le cinéma les exploite activement, le théâtre ne se dérobe pas à eux et de nombreux livres célèbres en regorgent. Mais A Streetcar Named Desire est toujours considéré comme le summum de la littérature américaine, ce qui signifie qu’il ne s’agit pas de sexe. La même idée a été confirmée, en riant, par l’écrivain contemporain de l’auteur, Gore Vidal :

Les défauts des pièces de T. Williams sont hors de portée de tous les dramaturges vivants.

L'importance de cet ouvrage réside dans le fait qu'il prône un rejet fondamental des vices des réalités modernes, et non un compromis traître avec eux :

L'homme dans l'œuvre de Williams affronte la cruauté, la violence, les cauchemars et la folie de la réalité moderne, sauvant sa dignité et ne se soumettant pas - même lorsqu'il devient une victime, même lorsque la folie de ce monde l'affecte. La plupart de ses pièces capturent le drame de cette confrontation, explique le chercheur russe V. Nedelin.

Les techniques avec lesquelles l'auteur décrit le psychologisme dans le livre « Un tramway nommé désir » sont intéressantes. Chaque scène tendue utilise un insert musical qui concentre notre attention sur l'état d'esprit de Blanche. Nous voyons ce monde à travers ses yeux et, avec elle, nous entendons la chanson déchirante de la polka et le cri de la vendeuse de couronnes funéraires. Au point culminant, les sons du piano bleu s’arrêtent brusquement et avec eux le monde intérieur de l’héroïne s’effondre, incapable de résister aux assauts extérieurs. La même rupture psychologique dans le récit est notée par le critique de théâtre Richard Gilman :

Il devrait maintenant être clair que le véritable thème de T. Williams est la douleur, le tourment (et non la tragédie) de l'existence et le sort de la dignité humaine (et non de l'esprit) face à la souffrance. Pour lui, tout est douloureux : la sexualité, la fugacité du temps, la perte de l'innocence et la communication entre les gens.

Durant le monologue passionné de Blanche, ses propos sont interrompus par les offres persistantes du marchand d'acheter « des fleurs pour les morts ». On comprend à ce moment que l'héroïne ne sortira plus des pièges qui lui sont tendus, que la tragédie nous attend dans le final. Cette technique a été brillamment mise en œuvre par Flaubert dans le roman Madame Bovary, lorsqu'Emma écoutait la confession de Rodolphe au milieu de l'agitation de la foire. Il ne s’agissait pas d’amour, mais de remporter le prochain trophée. Ainsi, dans la pièce, la femme parlait encore de la vie, mais il s'agissait déjà de la mort. Ce n'est pas un hasard si le livre a choqué de nombreux critiques littéraires expérimentés par la puissance de sa tragédie, comparable seulement à quelque chose de classique et d'incontestable :

Il n’existe aujourd’hui aucun drame qui puisse se comparer, même de loin, à l’ampleur d’Un tramway nommé Désir, et rien de similaire n’a été écrit en Occident pendant toute la seconde moitié du XXe siècle, a noté le critique américain John Simon.

Ce n'est pas un hasard si l'auteur compare l'héroïne à un papillon de nuit. Elle a volé dans les flammes toute la nuit noire de sa vie, mais une personne trouvera une utilisation rationnelle à tout. Il l'a attrapé et l'a collé sur des épingles, puis l'a jeté comme une ferraille ennuyeuse. La clarté, la véracité artistique et la luminosité émotionnelle des images ont déterminé la place de l'auteur dans la brillante galaxie des écrivains qui sont devenus la fierté nationale du pays :

Si nous avions un théâtre de répertoire national, pensait Harold Clerman, cette pièce serait sans aucun doute parmi les rares dignes d'y occuper une place permanente.

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