Présentation sur le thème du style design moderne. Style moderne. présentation d'une leçon sur mkhk (11e année) sur le sujet. Caractéristiques du style Art Nouveau
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Présentation "Architecture moderne" présente les principes de base et signes extérieurs Le style Art Nouveau dans l'art tournant du XIXème siècle-XX des siècles.
Architecture Art Nouveau
Je termine la conversation sur le travail des artistes : Cézanne, Gauguin et. Les prochaines présentations introduiront le symbolisme et la modernité dans l'art du tournant des XIXe et XXe siècles.
Cela s'est produit il y a plus de vingt ans. Du professeur classes primaires Je suis devenu un professeur du monde culture artistique. Pendant quatre années J'ai eu la chance de suivre un cours sur l'art dispensé par l'inoubliable Vera Vasilievna Alekseeva, critique d'art, auteur du livre et du cours vidéo " Qu'est-ce que l'art". C’est alors que je suis tombé amoureux de l’art moderne pour le reste de ma vie.
« Le manoir est si laid et absurde que même les honnêtes congères et blocs de neige dont il est entouré et recouvert n'atténuent pas son dégoût.».
« L’exemple le plus dégoûtant de style décadent. Il n'y a pas une seule ligne honnête, pas une seule angle droit. Tout est souillé de gribouillis obscènes, de pitreries arrogantes médiocres. L'escalier, les plafonds, les fenêtres, cette vile vulgarité est partout. Maintenant, c’est peint, verni et donc encore plus éhonté.
Korney Tchoukovski
Cette caractéristique fait référence à l'un des plus beaux monuments de l'architecture moderne - le manoir Ryabushinsky, je voudrais dire "créé" par mon architecte préféré Fiodor Osipovitch Shekhtel. Comme j'aime ça « gribouillis obscènes et pitreries impudentes médiocres », ce qui a tant indigné le célèbre écrivain.
Le manoir de Ryabushinsky
Présentation « Architecture Moderne »
Le but de ma présentation, créée pour une leçon de culture artistique mondiale, était d'initier les élèves de onzième à l'architecture Art nouveau et d'essayer d'attirer leur attention sur ces nombreux monuments Art nouveau qu'ils passent habituellement avec indifférence en se promenant dans la ville.
Ne passez pas à côté !
Les habitants de différentes villes de Russie, d'Europe et d'Amérique peuvent admirer les monuments de l'architecture moderne. Bien qu'ils aient été créés par des architectes différents, ils sont unis par des traits communs caractéristiques du modernisme.
Le style Art Nouveau a remplacé éclectisme. « Moderne » signifie « nouveau ». La nouveauté était l'utilisation de nouvelles constructions et matériaux de finition: béton, verre, métal, ainsi que dans la volonté des architectes d'abandonner coins pointus et des murs plats au profit de lignes naturelles et naturelles. Les architectes de l'Art nouveau ont cherché à créer un environnement confortable et certainement magnifique pour l'habitation humaine. Chaque détail de l’intérieur a été pensé : des meubles et lampes aux poignées de porte et volets de fenêtre en passant par les robes de l’hôtesse, qui devaient être en harmonie avec l’intérieur.
Conception dans l'architecture moderne
Marcher dans les rues ville natale, faites attention au bâtiment, qui se distingue le plus souvent par son volume asymétrique (les architectes ont planifié le bâtiment de l'intérieur, en fonction du confort des habitants), la présence de fenêtres doubles et triples (de plus, fenêtre et portes ont souvent des formes ou des terminaisons ovales). Baies vitrées, finition de la façade avec des carreaux de céramique vernissés (porc) ou plâtre texturé, des têtes féminines gracieuses avec de longues mèches de cheveux flottantes, des motifs floraux d'algues, de vignes, d'orchidées, de merveilleux treillis en fonte de clôtures et de balcons - tout cela sont des signes de l'architecture Art Nouveau. Arrêt! Regarde de plus près! N'est-ce pas si agréable à regarder ?!
« Malgré la richesse des idées artistiques et de nombreuses tendances originales, le style Art Nouveau n'a pas connu de développement ultérieur. L'influence de l'architecture industrielle sur l'architecture civile a conduit à l'émergence du modernisme, dont l'une des manifestations était le constructivisme. Dans divers mouvements constructivistes, le contenu artistique et figuratif de l'art a disparu, l'humain a disparu et la « connexion des temps » a été interrompue et, comme l'écrivait Nikolai Berdiaev en 1917, « les frontières séparant un art d'un autre et l'art en général de ce qui est les œuvres d’art n’étaient plus brisées. C'est pourquoi l'art moderne est appelé « le dernier grand style artistique ».
Bonne chance!
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Légendes des diapositives :
MHC de style moderne, 11e année Taran E.A.
Moderne - (Français moderne - le style d'art le plus récent et le plus moderne) fin XIX V. – début XX. Il cherchait, en utilisant de nouveaux moyens techniques et constructifs, à créer des objets d'art inhabituels dans leur apparence et conception.
Caractéristiques du style Ligne ondulée décorative et dynamique, flexible et mobile Ornementalisme Fonctionnalité La source des idées est la nature Intérêt pour l'exotisme de l'Orient, notamment l'art japonais
Une ligne vivante et volontaire domine l'ornement Art Nouveau, gagnant une liberté sans précédent dans son envol obstiné.
La ligne ondulée est devenue une sorte de symbole de l'art nouveau ; elle semblait se détacher des murs des bâtiments Art nouveau et est devenue partie intégrante du décor ou base de la forme, la silhouette des candélabres et des canapés, des bracelets et des couvertures de magazines. , tasses en porcelaine et robe pour femme. Cet ornement imprègne tous les domaines des arts décoratifs et appliqués et devient un signe indubitable du style Art Nouveau.
L'Art Nouveau a donné naissance à son propre ornement, qui est sa carte de visite unique. Il s'agit d'une ligne ondulée et torsadée dans ses nombreuses incarnations matérielles : des tiges de liseron, une vague, des mèches de cheveux, un serpent.
Fonctionnalité L'art a été chargé de créer un environnement beau et confortable « L'art pour tous »
Victor Horta – « l’architecte ultime de l’Art Nouveau » Maison Pompon, Belgique
La maison de Pompon
La Maison Pompon était considérée comme le premier exemple du « pur Art Nouveau ».
Maison à pampilles
Art Nouveau russe Composition asymétrique multi-volumes Disposition libre des fenêtres Le rôle de l'escalier comme élément principal espace interne Construire des formes de l’intérieur vers l’extérieur
Créativité de la station du Théâtre d'art de Moscou F.O. Shekhtel Yaroslavl
Le manoir de Ryabushinsky
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Développement de l'Art nouveau en Russie (XIXe-XXe siècles) Le Troisième Congrès (1900), qui a eu lieu à l'ère de la croissance industrielle, a constitué une étape importante vers la reconnaissance du « nouveau style ». Lors de l'exposition organisée lors de ce congrès, le nombre d'œuvres réalisées dans le « nouveau style » a augmenté. De nombreux architectes se sont résolument tournés vers l'utilisation d'une décoration typique de l'Art nouveau. Parmi eux, il faut citer l'architecte pétersbourgeois A. I. von Gauguin, qui avait auparavant utilisé des formes éclectiques dans ses projets. Kekushev, Shekhtel et Ivanov-Shitz ont de nouveau participé à cette exposition - cette fois avec plus gros montant fonctionne, et dans le « nouveau style » en plus. L'interprétation des traditions architecturales dans les projets des architectes moscovites était très libre. Le développement du style Art Nouveau en architecture s'est déroulé sous le signe de la lutte contre la stylisation rétrospective et l'éclectisme. Mais le résultat de cette lutte n'était souvent qu'une nouvelle transformation des techniques traditionnelles accumulées au fil des siècles dans l'architecture russe et mondiale conformément aux nouvelles matériaux de construction et des dessins. Les représentants de l'Art nouveau, rejetant les traditions artistiques séculaires en architecture et essayant d'inventer de nouvelles formes, se tournèrent en même temps vers les motifs de styles à moitié oubliés ou peu connus, comme parfois l'architecture gothique et japonaise de l'époque. a suscité une certaine anticipation sur l’avenir de l’architecture. Mais étant totalement dépendants du client, ils ne pouvaient pas faire grand-chose pour rapprocher cet avenir. Et pourtant, les pousses de l’architecture rationnelle, perçant l’enveloppe décorative du modernisme naissant, ont mûri et se sont renforcées.
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Moderne. L'Art Nouveau (du français moderne moderne) ou Art Nouveau (français art nouveau, littéralement « nouvel art ») est un mouvement artistique, plus populaire dans la seconde moitié du XIXe et au début du XXe siècle. Son caractéristiques distinctives sont : le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, « naturelles », l'intérêt pour les nouvelles technologies (notamment en architecture), l'épanouissement des arts appliqués. L'Art nouveau cherchait à combiner les fonctions artistiques et utilitaires œuvres créées, pour impliquer toutes les sphères de l’activité humaine dans la sphère de la beauté. Dans d'autres pays, on l'appelle aussi : « Tiffany » (du nom de L. K. Tiffany (anglais)) aux États-Unis, « Art Nouveau » et « fin de siècle » (lit. « fin du siècle ») en France, « Jugendstil ». (plus précisément, « Jugendstil » en allemand. Jugendstil, du nom du magazine illustré Die Jugend fondé en 1896) en Allemagne, « style Sécession » (Secessionsstil) en Autriche, « style moderne » (style moderne, lit. « style moderne") en Angleterre, "Liberty style" en Italie, "Modernismo" en Espagne, "Nieuwe Kunst" en Hollande, "spruce style" (style sapin) en Suisse. L'Art Nouveau (du français moderne moderne) ou Art Nouveau (français art nouveau, littéralement « nouvel art ») est un mouvement artistique dans l'art, plus populaire dans la seconde moitié du XIXe et au début du XXe siècle. Ses traits distinctifs sont : le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, « naturelles », l'intérêt pour les nouvelles technologies (notamment en architecture) et l'épanouissement des arts appliqués. Le modernisme cherchait à combiner les fonctions artistiques et utilitaires des œuvres créées, pour impliquer toutes les sphères de l'activité humaine dans la sphère de la beauté. Dans d'autres pays, on l'appelle aussi : « Tiffany » (du nom de L. K. Tiffany (anglais)) aux États-Unis, « Art Nouveau » et « fin de siècle » (lit. « fin du siècle ») en France, « Jugendstil ». (plus précisément, « Jugendstil » en allemand. Jugendstil, du nom de la revue illustrée Die Jugend fondée en 1896) en Allemagne, « style Sécession » (Secessionsstil) en Autriche, « style moderne » (littéralement « style moderne ») en Angleterre, « liberty style » en Italie, « modernismo » en Espagne, « Nieuwe Kunst » en Hollande, « spruce style » (style sapin) en Suisse.
Architecture de style « moderne » L'architecture moderne se distingue par le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, « naturelles », et par l'utilisation de nouvelles technologies (métal, verre). L'architecture moderne se distingue par le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, « naturelles », et par l'utilisation des nouvelles technologies (métal, verre). Comme plusieurs autres styles, l’architecture moderne se distingue également par le désir de créer des bâtiments à la fois esthétiques et fonctionnels. Une grande attention a été accordée non seulement à l'apparence des bâtiments, mais également à l'intérieur, qui a été soigneusement élaboré. Tous éléments structurels: les escaliers, les portes, les piliers, les balcons ont été travaillés artistiquement. Comme plusieurs autres styles, l’architecture moderne se distingue également par le désir de créer des bâtiments à la fois esthétiques et fonctionnels. Une grande attention a été accordée non seulement à l'apparence des bâtiments, mais également à l'intérieur, qui a été soigneusement élaboré. Tous les éléments structurels : escaliers, portes, piliers, balcons ont été traités artistiquement.
Architecture de style Art Nouveau. L'un des premiers architectes à travailler dans le style Art Nouveau fut le Belge Victor Horta. En France, les idées du modernisme ont été développées par Hector Guimard, qui a notamment créé les pavillons d'entrée du métro parisien. L'un des premiers architectes à travailler dans le style Art Nouveau fut le Belge Victor Horta. En France, les idées du modernisme ont été développées par Hector Guimard, qui a créé, entre autres, les pavillons d'entrée du métro parisien. Antonio Gaudi est allé encore plus loin des idées classiques sur l'architecture. Les bâtiments qu’il a construits s’intègrent si organiquement dans le paysage environnant qu’ils semblent être l’œuvre de la nature et non de l’homme. Antonio Gaudi est allé encore plus loin des idées classiques sur l'architecture. Les bâtiments qu’il a construits s’intègrent si organiquement dans le paysage environnant qu’ils semblent être l’œuvre de la nature et non de l’homme. Casa Batlló (1906, architecte Antonio Gaudi)
Victor Orta. L'un des premiers architectes à travailler dans le style Art Nouveau fut le Belge Victor Horta (). Dans ses projets, il utilise activement de nouveaux matériaux, principalement le métal et le verre. Structures porteuses, fait de fer, il donnait des formes inhabituelles, rappelant certaines sortes de plantes fantastiques. Rampes d'escalier, des lampes suspendues au plafond, même poignées de porte tout a été soigneusement conçu dans le même style. L'un des premiers architectes à travailler dans le style Art Nouveau fut le Belge Victor Horta (). Dans ses projets, il utilise activement de nouveaux matériaux, principalement le métal et le verre. Il a donné aux structures porteuses en fer des formes inhabituelles, rappelant certaines sortes de plantes fantastiques. Les rampes d'escalier, les lampes suspendues au plafond et même les poignées de porte ont tous été soigneusement conçus dans le même style.
Artistes. Gustav Klimt Autriche ; Alphonse Mucha République tchèque ; Wyspianski, Stanislaw - Pologne ; Toorop, Jan (Jan Johannes Theo Toorop) Hollande ; Maurice Denis, Edmond-François Aman-Jean (Edmond-François Aman-Jean) France ; Hodler, Ferdinand (Ferdinand Hodler) Suisse ; Giovanni Segantini (Italie) ; Georges Lemmen, Fernand Khnopff Belgique ; Georges de Feure (Hollande) ; Nabi, Lucien Lévy-Dhurmer France ; M. A. Vrubel, A. N. Benois, Vasnetsov, Viktor Mikhailovich Malyutin, Sergei Vasilievich Nesterov, Mikhail Vasilievich Polenov, Vasily Dmitrievich L. S. Bakst, K. A. Somov, Monde de l'art Russie. |Gustav Klimt « Le Baiser »
Alexandre Benois. Alexandre Benois est né le 21 avril (3 mai 1870) à Saint-Pétersbourg, dans la famille de l'architecte russe Nikolai Leontyevich Benois et de Camilla Albertovna Benois (née Kavos). Il étudia quelque temps à l'Académie des Arts et étudia également beaux-Arts de manière indépendante et sous la direction de son frère aîné Albert. Au fil des années, l'artiste a créé des illustrations pour le poème de A. S. Pouchkine Cavalier de bronze. En 1918, Benois dirige la Galerie d'Art de l'Ermitage et publie son nouveau catalogue. Il a continué à travailler comme artiste du livre et du théâtre, en particulier il a travaillé sur la conception des spectacles du BDT. En 1925, il participe à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris.
Rodin, François Auguste René. François Auguste René Rodin (François-Auguste-René Rodin) (12 novembre 1917) célèbre sculpteur français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme en sculpture. Auguste Rodin est né à Paris. Il étudie à l'École de dessin et de mathématiques de Paris, y entrant contre la volonté de son père, et avec Antoine Bari au Muséum d'histoire naturelle. En 1864, la première œuvre de Rodin, L'Homme au nez cassé, est rejetée au Salon de Paris car elle remet en question les canons académiques de la beauté. Rodin n'est pas non plus accepté à l'École des Beaux-Arts et, de 1864 à 1870, il travaille dans l'atelier d'A. Carrier-Belleuse à la Manufacture de Sèvres, gagnant de l'argent en créant des sculptures décoratives. En 1871, il part chercher du travail à Bruxelles, où il réalise plusieurs sculptures pour des maisons privées, pour le bâtiment de la Bourse et des figures latérales pour le monument au bourgmestre Loos dans le parc d'Anvers. En parallèle, il continue de se former dans le domaine art médiéval et l'œuvre de Rubens. Il visite l'Italie et suite à sa connaissance de l'œuvre de Michel-Ange, l'idée de créer une statue de « l'âge du bronze » surgit.
Moderne style dans l'art européen et américain de la fin du 19e au début du 20e siècle (du français moderne- le plus récent, moderne).
DANS différents pays reçu divers noms: en Russie - "moderne"
en France, Belgique et Angleterre - "Art Nouveau",
en Allemagne - "Art Nouveau"
en Autriche-Hongrie - "sécession"
en Italie - "liberté" etc.
La base idéologique de l'émergence de la modernité était les vues philosophiques et esthétiques de F. Nietzsche, A. Bergenson et d'autres. Selon ses théoriciens, la modernité devrait. devenir le mode de vie d'une nouvelle société, créer un environnement sujet-spatial intégral et esthétiquement riche autour d'une personne.
Dans les années 1860-1870, le style éclectique domine en Europe, qui consistait à citer et à répéter les précédents styles artistiques. Mais déjà dans années 1880 dans les œuvres d'un certain nombre de maîtres, a commencé à se développer un nouveau style, qui oppose l’éclectisme aux nouvelles techniques artistiques. William Morris (1834-1869) a créé des meubles inspirés de motifs floraux, et Arthur McMurdo (1851-1942) a utilisé des motifs élégants et ondulés dans les graphiques de livres. La caractéristique la plus remarquable de l'Art nouveau était abandonner les angles droits et les lignes au profit de lignes courbes plus douces. Les artistes prenaient souvent des ornements flore. « Carte de visite» Ce style est devenu la broderie d'Hermann Obrist "Coup de fouet." C’est ainsi qu’est né le style « moderne » ». L'Art Nouveau cherchait à devenir un style synthétique unifié, dans lequel tous les éléments de l'environnement humain étaient exécutés dans la même tonalité.
Cercle d'idées moderne souvent emprunté à symbolisme. Cependant L'Art nouveau se distinguait par ses contradictions internes : il était axé sur un goût raffiné et raffiné, soutenait les principes de « l'art pour l'art » et cherchait en même temps à servir et à « éduquer » le consommateur de masse.
Valeur exceptionnelle dans les temps modernes, ils avaient principes spéciaux façonner . Ils consistaient en similarité avec des formes et des structures naturelles et organiques . Lieu important dans la pratique artistique Art Nouveau occupé ornement, en particulier légume.
Jeu de couleurs moderne - principalement tons froids et délavés .
Pour la peinture Art Nouveau typique l'accent a été mis sur le début décoratif, le travail avec les taches et le rôle exclusif des lignes et des contours doux.
Un trait distinctif de l’époque Art Nouveau c'était un logiciel universalisme des artistes qui ont le plus traité divers types activité artistique . Cela s'est manifesté particulièrement clairement dans le travail des maîtres de l'association Monde de l'Art et du cercle Abramtsevo près de Moscou, dont beaucoup étaient à la fois peintres et écrivains.
nous les graphistes, les artistes décorateurs,
créateurs de mode, etc.
Avec peinture Art Nouveau associés P. Gauguin, M. Denis,
P. Bonnard en France, G. Klimt en Autriche, E. Munch
en Norvège, M. Vrubel, V. Vasnetsov, A. Benois,
L. Bakst, A. Golovin, K. Somov en Russie.
À la fin des années 1880 en France P. Gauguin et un groupe de ses disciples, appelant à suivre les « profondeurs mystérieuses de la pensée », se sont rapprochés du symbolisme. Dans les années 1890 et en France (groupe "Nabi"), et dans d'autres pays, le symbolisme a acquis une justification stylistique assez large dans la « modernité », devenant un élément inextricable, souvent déterminant, de ses programmes artistiques, de sa structure figurative et de contenu et de sa poétique. P. Gauguin est le père fondateur du symbolisme.
Avec le « Christ vert », la création « Christ jaune » est considérée comme l'une des œuvres clés Gauguin dans le symbolisme
Maurice-Denis - Artiste symboliste français. À partir de 1887, Maurice Denis étudie à Paris à l'Académie Julian et à l'Ecole des Beaux-Arts. Il a été influencé par Paul Gauguin. Avec Pierre Bonnard, Paul Sérusier et Edouard Vuillard Maurice Denis a fondé un groupe d'art "Nabi" Et est considéré comme son théoricien le plus éminent. Conformément aux idées de cette direction de la peinture, Maurice Denis peint des tableaux qui se distinguent par la simplicité des formes, la douceur des lignes et la pâleur des couleurs. Durant ces années, Denis reçoit le surnom de « Nabi des belles icônes », qui lui est attribué en raison du caractère simplifié et légèrement archaïque de sa peinture. En 1919, Maurice Denis participe à la création des « Ateliers d'Art Religieux » et est à la tête du mouvement « néo-traditionaliste-
"mouvement de la peinture française. À vingt ans, Denis fait la déclaration suivante, qui est souvent considérée comme la clé pour comprendre la peinture moderne : "Rappelez-vous que le tableau - avant de représenter un cheval de guerre, ou une femme nue, ou une quelconque anecdote - est plat une surface recouverte de peintures dans un certain ordre. Cette perception de l’art a finalement conduit la peinture à l’abstraction.
Pierre Bonnard- Peintre, dessinateur, lithographe français. Artiste - néo-impressionniste, symboliste. Dans sa jeunesse, il a étudié le droit. La gravure japonaise classique, ainsi que les œuvres du célèbre peintre Paul Gauguin, ont eu une grande influence sur son œuvre. Bonnard fait partie depuis quelque temps d'un groupe de jeunes peintres organisé par Gauguin lui-même et fortement influencé par les œuvres symboliques-synthétiques de leur fondateur. On disait de lui : « Il sait comment décorer certains aspects de nos vies avec les motifs spirituels et arc-en-ciel de son imagination. » Une savante combinaison d'un rythme flexible de lignes avec de subtils contrastes de couleurs confère à ses toiles une beauté sensuelle et festive. Bonnard était dans le milieu artistique groupe "Nabi" s'efforçant de représenter par la simplification de la couleur, du design et de l'intrigue, ce qui se reflète pleinement dans ses œuvres, non seulement dans les peintures, mais aussi dans les lithographies. Maîtrisant parfaitement le langage des couleurs et des lignes, il transfère la principale charge sémantique de ses œuvres vers la méthode d'expression de soi. Couleur chaude et enveloppante confort pittoresque, le caractère contemplatif de l’auteur imprègne toutes les œuvres de Bonnard. Le nom de cet artiste est étroitement associé au concept de « l’école parisienne », qui diffuse à travers le monde la vision particulière des jeunes artistes français.
Gustav Klimt(1862-1918), célèbre peintre autrichien. Un des plus représentants éminents Style Art Nouveau Né dans la banlieue de Vienne dans la famille d'un artiste-graveur. Diplômé de l'école de Vienne art décoratif. Ses premières œuvres consistaient principalement en de grandes fresques pour théâtres et étaient peintes dans un style naturaliste. Les peintures de Klimt combinent deux forces opposées ; D'un côtés- c'est une soif de liberté absolue dans la représentation des objets, qui conduit à un jeu de formes ornementales. Ces œuvres sont en fait symboliques et doivent être considérées dans le contexte du symbolisme comme expression d’un monde inaccessible au-dessus du temps et de la réalité. Avec un autre côtés- c'est le pouvoir de perception de la nature dont l'influence adoucit le faste de l'ornementation de ses tableaux.
Baiser 1908 .
Frise Beethoven 1902 .
Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel était à l'origine du symbolisme russe en Russie. Il s’est tourné vers le symbole pour tenter de représenter l’indescriptible, de comprendre l’inconnu, de voir l’invisible. Le véritable élément des peintures de Vrubel est le silence, un silence qui semble être entendu. Son monde est plongé dans le silence. Il dépeint des moments indescriptibles, des sentiments qui ne peuvent être exprimés par des mots. Le duel silencieux des cœurs, des vues, des pensées profondes, de la communication spirituelle silencieuse s'exprime dans le symbolisme visible dans ses peintures. Au tournant du siècle, l'orientation des goûts change, désormais le public lit Ibsen, les Symbolistes et visite le Théâtre d'Art. Et Vroubel a avoué. Dans le contexte des nouvelles tendances, la nature émotionnelle de son art, sa symbolique et son culte deviennent de plus en plus clairs et acceptables. la beauté et secrets.
Rêve de princesse 1895.
Fille sur fond de tapis persan
Un ange avec un encensoir et une bougie, une tête de démon sur fond de montagnes, un démon assis, un démon volant, un démon vaincu,
Portrait d'un fils, Lamentation funéraire, Vierge à l'Enfant, Pietà, Rose dans un verre,
Vasnetsov Viktor Mikhaïlovitch (1848-1926) grand artiste russe, l'un des fondateurs de l'Art nouveau russe dans sa version nationale-romantique. Vasnetsov - fondateur d'un "style russe" spécial dans le symbolisme et la modernité paneuropéens Le peintre Vasnetsov a transformé le genre historique russe, combinant des motifs médiévaux avec l'atmosphère passionnante d'une légende poétique ou d'un conte de fées ; cependant, les contes de fées eux-mêmes deviennent souvent les thèmes de ses grandes toiles.
Des principes à la russe" Le maître s'est également développé dans le domaine de l'architecture et du design : selon les croquis de Vasnetsov, stylisant l'antiquité russe ancienne, l'église du Sauveur non faite à la main (1881-1882) et la cabane sur les cuisses de poulet (1883) ont été érigées à Abramtsevo, et à Moscou - une croix commémorative sur le lieu du meurtre du grand-duc Sergueï Alexandrovitch au Kremlin (1905, détruite pendant Pouvoir soviétique, recréée sur le territoire du monastère Novospassky de Moscou) et la façade de la galerie Tretiakov (1906).
Bogatyrs, Alyonushka, Ivan Tsarévitch sur un loup gris, La princesse grenouille, Trois princesses du royaume des ténèbres, Sirin et Alkonost, Le chevalier à la croisée des chemins, Le tapis volant, le tsar Ivan le Terrible, Après la bataille d'Igor Sviatoslavovitch avec les Polovtsiens , le combat de Dobrynya Nikitich avec le dragon à trois têtes
Benois Alexandre Nikolaïevitch (1870-1960) graphiste, peintre, artiste de théâtre, éditeur, écrivain, l'un des auteurs de l'image moderne du livre. Représentant de l'Art Nouveau russe. On parlait de lui comme d'un critique d'art talentueux qui avait bouleversé les idées établies sur le développement de l'art russe.A. Benois devient l'un des organisateurs et idéologues de l'association artistique « World of Art » et fonde la revue du même nom.
Au cours de sa vie, Alexandre Nikolaïevitch Benois a dirigé la partie artistique de l'entreprise de Diaghilev, où il a souvent participé à ses « Saisons russes ». Il a également réussi à travailler comme directeur et artiste du Moscou théâtre artistique. L'histoire a prédominé de manière décisive dans l'œuvre de l'artiste Benoit. Deux sujets attiraient invariablement son attention : « Pétersbourg XVIII - début XIX dans." et "France Louis XIV". Les paysages occupaient la place principale dans les œuvres d'A. Benois. Sur ses toiles, l'artiste exprimait l'idée de l'éternité de la nature et des créations créées par les mains de l'homme, et se concentrait sur le caractère éphémère et éphémère de la vie humaine. C'était le paysage qui reflète pleinement la vision du monde de l'artiste. Benois a représenté la vie de cour, dans laquelle il a mis l'accent sur la convention, contrastant sa beauté artificielle avec la prose de la vie réelle. Les paysages de Benoit ressemblent à des paysages historiques, stylisés comme l'art de l'ère de l'absolutisme. sens vivant de la couleur.
Promenade du Roi, Défilé sous Paul Ier, Comédie italienne, Apollon et Daphné, Pierre Ier lors d'une promenade dans le jardin d'été, Pavillon chinois, Graphiques de livres, Croquis de décors
Lev Samoïlovitch Bakst (1866-1924) Je ne suis pas immédiatement parvenu à mon propre système de pensée artistique et à mon style créatif original. Au tout début du siècle, ses recherches créatives s'orientent vers le genre du portrait. Il crée portraits psychologiques aigus d'un grand philosophe et écrivain religieux russe V.V. Rozanova ; organisateur des Saisons russes S. P. Diaghilev. Dans ses portraits graphiques des poètes symbolistes Zinaida Gippius et Andrei Bely, le niveau de compétence de l’artiste n’est pas inférieur aux œuvres de Serov et Somov. Le style Art Nouveau a été mis en œuvre de la manière la plus cohérente par Bakst dans le tableau « Dîner ». L'artiste a représenté une dame attablée avec des oranges. Son regard est dirigé vers le spectateur, la ligne de la figure est courbe. L'expressivité des lignes et des taches triomphe ici. Les croquis ultérieurs de costumes et de décors théâtraux de Bakst font écho à ce tableau par leur harmonie et leur dynamique énergiques. Sa passion pour l'Antiquité et son voyage en Grèce avec Serov en 1907 deviennent pour Bakst une source de stylisation dans l'esprit de l'archaïque grec. Cet intérêt pour l'Antiquité culmine dans le grand panneau décoratif"Horreur antique" L'artiste a représenté la mort de la civilisation sous l'influence des éléments : la mer est prête à engloutir d'anciens temples, d'anciennes colonnes et les falaises côtières s'effondrent. Et au premier plan, dos à tout, Aphrodite est représentée avec un sourire figé, comme si elle ne s'apercevait pas de la catastrophe. L'image semble assez conventionnelle. L'idée de Bakst dans ce panel était évidemment que l'art ne peut pas périr. Le point culminant du développement du talent de Bakst fut son travail de conception, de théâtre et de décors lors des saisons russes de Diaghilev à Paris à la fin de la première décennie du 20e siècle.
Golovine Alexandre Yakovlevitch (1899 - 1969)- Artiste russe, scénographe, représentant du symbolisme et du modernisme. Il était membre de l'association World of Art. À la fin du XIXe siècle, il s'occupait de la conception d'intérieurs, de meubles et d'ustensiles, participait à la conception du pavillon russe à l'Exposition universelle de Paris (avec son ami K.A. Korovin ; 1900) et la création de la frise en majolique de l'hôtel Metropol" (1900-1903).
Au début du siècle, j'ai reçu une invitation au théâtre. Son premier succès dans un nouveau domaine lui amène du travail dans Théâtre Bolchoï(opéras Glacière A.N. Koreshchenko, 1900 ; et Le Pskovite de N.A. Rimski-Korsakov, 1901). Il crée ses chefs-d'œuvre scéniques les plus marquants à Saint-Pétersbourg, où il est invité en 1902 au poste d'artiste en chef des théâtres impériaux (Carmen J. Bizet, 1908, et Orphée). et Eurydice de K.V. Gluck, 1911, dans Mariinsky de A.N. Ostrovsky, 1916, et Masquerade de M.Yu. -oiseau de I.F. Stravinsky, 1910).La section créative originale se composait de peintures de chevalet du maître, généralement peintes à la détrempe et au pastel - des portraits, des paysages et des natures mortes décoratifs en mosaïque, qui combinaient également de manière organique l'art nouveau et l'expressionnisme (Pavlovsk, 1910 ; Porcelaine et fleurs, 1915 ; Galerie Tretiakov, Moscou). Ses portraits théâtraux sont devenus des documents artistiques classiques.
Konstantin Andreïevitch Somov (1869-1939), – peintre et graphiste russe
fic, maître du portrait, représentant de la Russie symbolisme et modernité. L'un des fondateurs
magazine "Monde de l'Art", membre de l'association du même nom.
Le style de Konstantin Somov correspondait à l’esthétique des « miriskusniks », alliant l’harmonie du rêve à la réalité, et se distinguait par la poésie des images alliée à la sophistication et à la spiritualité. Son travail se caractérise par le rétrospectivisme, l'élégance et la sophistication.